Gigantes y Cabezudos

Crónicas de conciertos: Amor aumenta el valor, de Nebra, en el Auditorio Nacional (Madrid, 19/01/12)

2012-02-03T00:58:00.001-08:00

MADRID, AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA, 19-01-2012, 19:30 horas.

AMOR AUMENTA EL VALOR, de JOSÉ DE NEBRA.

LOS MÚSICOS DE SU ALTEZA, Luis Antonio González

AMOR AUMENTA EL VALOR es una ópera que nace en unas condiciones muy particulares: la celebración de la boda de Fernando de de Borbón, Príncipe de Asturias (futuro Fernando VI) con Bárbara de Braganza. El estreno tuvo lugar en Lisboa el 18 de enero de 1728, contando con música de tres compositores distintos, uno para cada acto; por desgracia únicamente nos ha llegado la que compuso para el primer acto José de Nebra, natural de Calatayud, y cuya obra solamente ahora comienza a ser apreciada. Para la historia se optó por un episodio de la época de la República romana tomado libremente de Tito Livio, que se encargó de dar forma el dramaturgo José de Cañizares. Nos movemos por tanto en el contexto de una Opera Seria basada en un episodio de la Antigüedad, con los añadidos, modificaciones y supresiones de los hechos históricos (mero pretexto, en todo caso) que eran costumbre, en el que se desarrollan varias tramas amorosas convencionales. El interés, por consiguiente, no recae en la trama (por más que el texto pueda resultar literariamente interesante –en particular los recitativos están muy bien escritos), sino principalmente en la música. Y ésta es excelente, a la altura, nos atrevemos a decir, de los mejores ejemplos contemporáneos en otras partes de Europa.

Así pues, la obra que tuvimos ocasión de escuchar el pasado día 19 de enero contenía suficiente interés para cualquier aficionado a este repertorio, y debemos decir que no defraudó en ningún caso. De la labor de músicos y director no pueden decirse más que bondades: sincronía impecable, interesante resolución del continuo, matizadas dinámicas… y sobre todo ello la perfecta simbiosis director-orquesta. Responsables de la grabación para el sello Alpha y tras haberla ofrecido ya unas cuantas veces, la obra no tiene secretos para el conjunto afincado en Zaragoza ni para el maestro González (aragonés como Nebra, para más señas), lo que podía dar lugar a acomodamiento en la ejecución; nada más lejos, antes bien es de reseñar que en todo momento se mantiene la tensión orquestal, como por ejemplo en la enérgica Sopla el bóreas irritado, con un desempeño espectacular de las cuerdas. Impecables igualmente los intérpretes solistas en las arias con instrumento obligato. Señalemos que, a falta de la original, se ofreció como obertura la de la ópera Narciso, de Domenico Scarlatti.

El reparto vocal, idéntico también al de la grabación, resultó muy compacto, sin que ninguno de los cantantes deslumbre por ser una voz excepcional; en particular, Olalla Alemán y María Eugenia Boix, que encarnaban a los dos protagonistas (Horacio y Clelia), y con ello disponen de más momentos de lucimiento, destacaron en sus arias respectivas y juntas en su hermoso dúo final, Prestad aliento/Dad confianza. Mención a parte para el aria Ay, amor, ay Clelia mía de Horacio, sin duda el punto culminante de la tarde. En el otro extremo, Marta Infante (Porsena), con una voz engolada, totalmente “construida”, con graves falseados… en la escuela de la peor Vesselina Kasarova; poco que salvar de su parte que no sea el carácter indudable que imprime al personaje. Más testimoniales son el resto de roles, aunque permiten dejar constancia del buen hacer de Agnieszka Grzywacz (hermoso timbre el suyo) como Livio, así como la pareja que interpreta a los dos criados, personajes “graciosos” tan característicos del teatro del Siglo de Oro: Ana María Otxoa (Calfurnia) y José Pizarro (Mimo). Bien también Soledad Cardoso en su aria Como el céfiro corre agitado, una de las mejores de la obra, aunque tal vez se echase en falta algo más de fuerza, que el texto y la música demandan.

El ambiente “familiar” de la Sala de Cámara del Auditorio Nacional favoreció que en todo momento se produjese la necesaria comunión entre intérpretes y público (el maestro González incluso se animó, al comienzo del concierto, a realizar una breve introducción a la obra). A juzgar por los aplausos finales, los asistentes salieron más que satisfechos con la interpretación; y, en muchos casos, con el descubrimiento de una partitura realmente interesante.

Para finalizar, únicamente desear que en un futuro continúe la recuperación del, en tantas ocasiones olvidado, patrimonio musical español, sobre todo si se trata de obras de tanta calidad como las compuestas por José de Nebra. Sin ir más lejos el próximo día 13 de febrero tendremos ocasión de escuchar en el Auditorio Nacional Iphigenia en Tracia, también del compositor aragonés, en esta ocasión con el grupo El concierto español, dirigido por Emilio Moreno. Como curiosidad, en el mismo momento en que escuchábamos Amor aumenta el valor, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional ofrecía un concierto el célebre Daniel Barenboim; me atrevo a decir que a la salida ninguno sentimos que habíamos acudido a la sala equivocada ese día.

fdo. Hugo Cachero

Crónicas de funciones: Luisa Miller, ABAO, Bilbao, 21/01/12

2012-01-29T10:19:00.000-08:00

Breves impresiones sobre la función del pasado sábado 21 de febrero.

Notable nivel general, lo cual es de agradecer en un Verdi notable, aunque no genial, pero sin duda exigente en lo vocal y en lo dramático. Funciono todo bastante bien, como digo.

Nota alta para la orquesta (Orquesta Sinfónica de Szeged, para mí desconocida...) y el director (R. Frizza): nervio, recreación melódica, sonido generoso pero sin tapar a los cantantes, buena concertación. En fin... un Verdi auténtico y una orquesta mucho más que decente, desde luego.

Cedolins: la voz está deshilachada, no tiene una presencia excepcional, pero quien tuvo, retuvo, y hay cantante. Eso significa, que la voz calienta y llega al final para dar lo mejor. Además, el tercer acto es el más dramático de Luisa Miller y el que mejor le va a una voz como la suya, ya no tan dúctil para las agilidades, si bien aseadas, sin dificultades para irse arriba, pero sin esa sensación de comodidad y desahogo que cabria demandar. En fin, una Luisa Miller muy digna, con un tercer acto estupendo. También muy bien resuelta la escena del segundo acto (Tu puniscimi... A brani...). Resumiendo, como sucedió con su Elisabetta sevillana. La voz no está en plenitud, pero

la cantante le saca el máximo partido posible.

Sartori: habiéndole escuchado varias veces, por ejemplo un estupendo Don Carlo en Berlín en 2011, me parece que es un tipo profesionalísimo, con un timbre algo leñoso, pero homogéneo, que se va arriba sin titubeos (ya no tiene esos problemones de pasaje que tuviera hace años...), y sobre todo frasea con enorme gusto. No es

Bergonzi, pero canta Verdi como es debido. Estupendas todas sus intervenciones, vibrante, pleno de voz, gustó mucho en Bilbao.

Rodríguez: primera vez que le podía escuchar y grata sorpresa, pero con matices. Sin duda, hay una voz de barítono que es un gusto escuchar. En la línea de los grandes, no hay que decirlo con la boca pequeña. Pero... le saca poco partido. Como intérprete es limitado. En concreto, no intenta (o no puede) hacer media voz alguna. Todo en un forte matizado que suena, y muy bien, pero falta drama, falta personaje. Miller no es Rigoletto, pero cada intervención del papel es un caramelo. Y no falló ninguna, pero eché de menos algún que otro matiz y recreación. Pero vaya, un cantante seguro y vocalmente un gusto a los oídos. En escena igualmente limitado, un palo, sin ternura alguna hacia Luisa durante el tercer acto, salvo cuando ya era inevitable amarrarla porque se iba al suelo... En fin, mejorable la implicación teatral.

Los bajos, Bou y Zanellato, de aprobado raspadito. Muy mejorables y muy deslucida la escena del Conde, que es una preciosidad de aria y pasó sin pena ni

Decente y digna la condesa de G. Lanza. Nada que objetar, salvo un vibrato un pelín excesivo para mi gusto.

El coro mejor que en anteriores intervenciones, sobre todo en el tercer acto.gloria.

Y la propuesta en escena, a cargo de Denis Krief, me pareció mediocre. Sin demasiadas ideas, con alguna ocurrencia impertinente (esos bailes de la primera escena...), con una escenografía poco operativa, con esos módulos y esos paneles corridos. Bastante decente la iluminación, sin embargo. Y el vestuario anodino.

En resumen, buena función. Disfrutada Luisa Miller, en términos generales, con un estupendo tercer acto y detalles más que dignos en el primero y en el segundo. Lástima de los bajos...

fdo. Alejandro Martínez

* En este enlace podéis también consultar la crónica de nuestro amigo Javier del Olivo para MundoClásico.

Crónicas: recital de Renée Fleming, Valladolid, 18/12/2011

2012-01-23T00:38:00.000-08:00

Recital de la norteamericana en el "Miguel Delibes" de Valladolid acompañada por la Orquesta de Castilla y León, dirigidos por Miguel Harth-Bedoya.

Un concierto para disfrutar, para llorar y para ser seducido. Un programa a la medida de la Fleming que abarcó desde el barroco a la música de Barber pasando por el tamiz de Herrmann, Strauss, Mozart, Franz, Cilea, Leoncavallo y Puccini más las propinas de Strauss, Puccini, Korngold y Schubert.

Estuvimos ante una voz fresca, sensual, y de bello timbre aunque los graves sonaban un tanto "atubados" sobre todo cuando interpretaba las piezas en latin. En la primera parte destacó vocalmente (y musicalmente) en una interesante Cleopatra en la Ópera "Antony and Cleopatra" de Barber; una refinada "Arabella"de Strauss, y una sobriedad y lirismo emocionantes en el lied "Morgen" de Strauss que arrancó cálidos aplausos. Espléndida.

En la segunda parte del recital pudo haber prescindido del "Panis angelicus" de la Misa de Frank, de la coloratura de Mozart en la "Misa en do" o de la curiosa "La Bohème de Leoncavallo.

Pero los decibelios musicales aumentaron en el aria "Poveri fiori"de "Adriana Lecouver", en el "Vissi d´arte" de "Tosca" y sobre todo en las tres nuevas propinas. "O mio babino caro", "la canción de Marietta" y el "Ave María". Sublime interpretación que hicieron saltar lágrimas y aplausos. Emocionante.

La orquesta cumplidora, a la altura del recital y con empaste; aunque algunos momentos los metales...

fdo. johnny guitar

Propuesta de viaje a Pamplona: Norma, de Bellini, con Fabio Biondi.

2012-01-19T05:35:00.000-08:00

Estimados socios y amigos,

desde la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta hemos preparado un posible viaje a Pamplona, el día 19 de febrero, domingo, para disfrutar de la ópera Norma, representada en versión concierto, en el Auditorio Baluarte, a cargo del director Fabio Biondi, reconocido y personalísimo intérprete, rodeado de un eficaz reparto de cantantes y músicos.

http://www.baluarte.com/general.php?idi=cas&sec=1&sub=1&fecha=2012-02&id=1067

Como Asociación, proponemos a nuestros socios y amigos la posibilidad de adquirir un paquete que incluye la localidad y el viaje de ida y vuelta en el día, en autobús. Dicho paquete ofrece dos modalidades, bonificadas en su precio para nuestros socios:

Localidades de zona 1 + viaje (ida y vuelta) por 55 € para socios y 70 € para el resto de personas interesadas.

Localidades de zona 2 + viaje (ida y vuelta) por 50 € para socios y 60 € para el resto de personas interesadas.

Las personas interesadas disponen hasta el día 10 de febrero para confirmar su inscripción. Las plazas son limitadas, sólo 50. El viaje será posible si se cubren al menos 25 de esas plazas.

Las plazas se reservarán en estricto orden de respuesta. Para confirmar vuestra inscripción debéis enviar un correo con vuestros datos personales a info@operaaragon.es, antes del 10 de octubre.

Una vez confirmado el viaje, se enviará un e-mail a todos los que vayan a desplazarse, para indicarles cómo deben proceder al ingreso en cuenta de los costes del viaje y para concretar también los horarios del desplazamiento.

No dudéis en extender la oferta a quienes consideréis interesados en el viaje.

Gracias por vuestra atención y un cordial saludo,

Junta Directiva

Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta

Crónicas de funciones: Iolanta/Perséphone, Teatro Real, 14/01/12

2012-01-17T01:37:00.000-08:00

Aquí van unas notas sobre la función del estreno:

- Comencemos por el interés del díptico presentado. Ambas obras son bien interesantes. Personalmente, un punto más destacable Iolanta que Perséphone, quizá por una sentimentalidad más directa y una instrumentación más sutil que la premeditada y a veces rebuscada arquitectura musical de las páginas de Stravinsky. Digamos que Tchaikovsky se limita a llegarnos con uno de sus productos perfectos y acabados mientras que a Stravinsky se le ven las costuras y el interés premeditado por resultar ecléctico y fascinante. La vinculación de ambos títulos está muy bien traída, sobre todo merced a un buen trabajo de Peter Sellars a este respecto. Bien podría haberse presentado Iolanta en solitario, si bien habitualmente se ha representado junto a otros títulos (Aleko, etc.) o ballets. Sea como fuere, la sintonía entre ambas historias en torno a la búsqueda de la luz, el desvelamiento de las tinieblas, la transición entre el mundo de los muertos y de las sombras y el amanecer de la visión y la primavera, etc, etc. Todas esas analogías confluyen finalmente hasta convertir el díptico en una propuesta bien fundada y escogida.

- Decía que la labor de Peter Sellars es fundamental para sostener la propuesta de ambos títulos vinculados. Y así es, si bien no se trata de uno de los trabajos más acabados y deslumbrantes de Sellars. Volcado todo su esfuerzo en subrayar la ritualidad de Perséphone y el misticismo de Iolanta, ambas óperas comparten escenografía (a cargo de Tsypin), figurines (Pakledinaz) e iluminación (Ingalls), en un acierto para vincular figurativamente ambas historias. La labor de Peter Sellars es más personal en el caso de Perséphone que en el de Iolanta. También por la naturaleza de la obra de Stravinsky, más abierta a una elaboración donde se encuentran la danza, el mimo, la declamación, el canto, etc, etc. Iolanta es una historia más clásica, una especie de revival decimonónico de una genial historia medieval, hermosísima, cargada de alegorías. Y en este caso Sellars "se limita" a servir a la notable y clara exposición de esas alegorías en torno a la vista, la luz y el mundo de los colores (las flores...). Resumiendo, pues, una buena labor de Sellars, pero no tan espectacular como en otros trabajos suyos (su Mozart o su Theodora, sin ir más lejos).

- La dirección musical fue toda una sorpresa, para bien. Currentzis, que venía apadrinado por Mortier y del que se habían dicho aquí y allá algunas barbaridades, resultó sin embargo una batuta sensible, atenta, capaz de distinguir planos, dinámicas, generar climax, contener el sonido y atender a los cantantes. En suma, no es una batuta histórica, pero creo que firmó un gran trabajo al cargo de una orquesta que sigue sonando estupenda. Lo mismo cabe decir del magnífico coro, incluido el infantil. Es una suerte ir contando con estos cuerpos estables. La labor de Mortier en este sentido no puede sino aplaudirse una vez más.

- Y vayamos con las voces.

Comenzando por la protagonista, Scherbachenko, que resultó irregular e insuficiente para un rol protagonista tan atractivo. A la voz le falta carnosidad, suntuosidad y calor. Ella es una cantante sensible, ofrece un fraseo bien labrado, pero técnicamente hay insuficiencias evidentes de afinación y de resolución del agudo. Contar con una Iolanta más redonda hubiera elevado el nivel de la función. No fue una Iolanta indigna, de hecho fue bien aplaudida, pero supo a poco.

Ulyanov ofreció la mejor interpretación de cuantas le recuerdo en directo. Su fonación es notoriamente mejor en su idioma natural que cuando canta en italiano. La voz sigue careciendo de un color cálido y singular, es la de un típico bajo eslavo, sin más, pero el cantante es completo, vocal y escénicamente, y busca convencer, no sólo sonar, recreando un fraseo emocionante, durante toda la función pero singularmente en la hermosa aria del rey Rene, que bordó (no dejen de buscar la interpretación de esta aria a cargo del gran Ghiaurov, en el cd de arias grabado para Decca con E. Downes a la batuta).

El tenor, Paver Cernoch, tiene una voz algo difícil, carece de una belleza inmediata, pero sin embargo resulta comunicativa, incluso a pesar de una resolución técnica bastante personal. Ofreció un Vaudémont emocionante, intentó muchos matices y resultó más que convincente. Un acierto de cast, en suma, a falta de un Beczala o semejante para redondear la faena (por cierto, no dejen de escuchar la hermosa aria de Vaudémont en el cd de arias eslavas de Beczala).

Toda una sorpresa la voz del barítono Alexej Markov. Una delicia, un tipo a seguir de cerca y que ya ha cantado mucho y muy bien en Rusia, e incluso este mismo rol en la Iolanta de hace unos años en Salzburgo, con Netrebko y Beczala. La voz es grande, homogénea, suena liberada, resuelve arriba con sobrada convicción, frasea con emoción y regula con eficacia. Su aria, que es hermosísima, fue el momento más redondo de la noche, para mi gusto (dicho sea de paso, escuchen ese aria en el cd de Gerald Finley para Chandos, en inglés, bien lograda).

Un lujo contar con Willard White para el papel del médico árabe. Vocalmente los años pesan, pero sigue siendo un profesional como la copa de un pino, escénicamente soberbio. Además, resulta bien interesante observar la panoplia de roles que interpreta actualmente, en tan diversos idiomas: ahora mismo recuerdo su participación en un Britten de la ENO, en un Janacek en Berlín y ahora en este Tchaikovsky del Real. Todo un esfuerzo de dedicación artística.

El resto del reparto estuvo a la altura, incluso con alguna voz de más empaque que la de la propia protagonista.

Muy emocionante el momento coral incluido tras la recuperación de la vista por Iolanta. Según explicaba Téllez en su charla, es una acertada "ocurrencia" del propio Currentzis, haber incluido esa página litúrgica firmada por el propio Tchaikovsky como colofón a ese momento de la historia.

- Respecto a Perséphone:

Esforzado trabajo de Paul Groves, un tenor que me gusta especialmente, a pesar de que el agudo más extremo tiende a blanquearse innecesariamente. El centro vocal es, sin embargo, muy bonito y canta con una ortodoxia total en francés, que es la lengua en la que se representa Perséphone, sobre texto de A. Gide. Además, escénicamente hizo un trabajo comprometidísimo con la dirección de Peter Sellars. Su papel es largo, casi un canto constante, y no flaqueó en ningún momento.

La actriz a cargo del rol titular, Dominique Blanc, hizo una buena labor, pero sus intervenciones, amplificadas, resultaban algo extrañas al oído, en comparación con el resto de los intérpretes. Me pregunto si no se le hubiera oído bien en ausencia de amplificación, o con una amplificación menos obvia...

La labor del coro, incluido aquí el coro infantil, fue de nuevo impecable en este título, donde el coro tiene un papel constante y bien relevante. También creo muy destacable la presencia de los bailarines camboyanos, cuya presencia no es casual, fruto de un rebuscado exotismo, sino que atiende a una historia que el propio Peter Sellars explicó en su encuentro con el público y que algún otro forero podrá ampliar mejor que yo. No es una tontería y es bien interesante, a ver si alguien se anima a ampliarlo.

En resumen, una buena función, mejor la Iolanta que la Perséphone, musicalmente muy bien resuelta, vocalmente a la altura, salvo algún detalle mejorable, y escénicamente bien resuelta. Pero no fue una noche espectacular, y estuvo, evidentemente, un punto por debajo de los tres títulos anteriores vistos en el Real, que me parecieron prácticamente redondos.

Recomiendo asistir, pues, por el interés de las obras, por el buen nivel general de los intérpretes y por la vistosa labor escénica (que nadie tenga "miedo" a la presencia de Peter Sellars a cargo del trabajo escénico, que el desconocimiento es el peor enemigo en estos casos, y Sellars no es ningún "enfant terrible" en busca de protagonismo fácil). Iolanta, especialmente, es una ópera preciosa que no deberían perderse.

Fdo. Alejandro Martínez

Crónicas de funciones: Linda di Chamounix, Liceo

2012-01-02T01:45:00.000-08:00

Conservar el candor

Varias de las óperas de Gaetano Donizetti, incluso siendo éxitos en sus estrenos, cayeron en el olvido durante muchos años, hasta el “resurgimiento” en este siglo que le hemos de agradecer, entre otros, a figuras como Maria Callas. Después de asistir a la cuarta representación de Linda di Chamounix en el Liceu no puedo sino pensar que la lírica no habría perdido gran cosa de seguir esta ópera durmiendo el sueño de los justos.

Estamos ante una obra de escaso interés en lo musical y nulo en lo dramático. La acción, prácticamente inexistente, gira en torno al honor puesto en entredicho (el “candor”) de la heroína, que no tiene claro si es Violetta Valéry, Lucia di Lammermoor o la Leonora del Trovatore. A ojos de un espectador del siglo XXI no es posible creerse el carácter “semiserio” que indica el libreto ante un argumento tan ingenuo y unos personajes que de puro ñoños caen en el ridículo.

Pero nada de esto tendría importancia si la música estuviera a la altura. Al contrario, Linda di Chamounix es un pastiche del Donizetti más chimpunero donde el sota-caballo-rey (recitativo-aria-cabaletta) se sucede de una forma tan previsible que aburre hasta al belcantista más acérrimo. Así durante tres horas largas. Un soberano aburrimiento.

Por tanto, el único interés de la propuesta del Liceu era el reparto con dos estrellas del panorama actual: Diana Damrau y Juan Diego Flórez. Ambos brillaron a máxima altura y nos hicieron disfrutar con sus espléndidas voces, su elegantísima línea de canto y su depurada técnica.

Cuando uno oye cantar a cualquiera de los dos, es legítimo plantearse si la lírica es un oficio tan complicado, dada la insultante facilidad con que se manejan ambos. Los brillantísimos agudos, los deliciosos pianísimos, los portamenti justos, el fiato de manual, la intención en los acentos, la afinación perfecta… se agotan los adjetivos para calificar el enorme trabajo de ambos cantantes, justamente ovacionados. Quien afirme que estamos en la era del fin de las voces operísticas debería hacérselo mirar.

Pero al lado de los dos divos es necesario destacar la labor de otros dos grandes cantantes que nos hicieron disfrutar enormemente de su trabajo: Simón Orfila y Silvia Tro. El primero, en su papel de prefecto mostró soltura y rotundidad en un papel de escaso lucimiento, mientras que la segunda sí que brilló en el precioso papel de Pierotto (de lo poco disfrutable de la partitura).

El resto del reparto resultó bastante mediocre. Bruno de Simone demostró vis cómica como el marqués, pero poco más. Pietro Spagnoli fue decididamente flojo, escaso de volumen y aún más de matices, una pena. El coro, que tiene un rol importante en la ópera, bien.

Marco Armiliato dirigía la orquesta del Liceu, de aprobados raspados ambos. Una lectura sin ninguna gracia, al puro servicio de los cantantes. La orquesta, aunque no sea de las mejores de Europa, sabe sonar cuando es bien dirigida. En este caso se limitó a cumplir.

Por último, la escena dirigida por Emilio Sagi y realizada por Daniel Blanco resultó muy apropiada a la obra: sosa y relamida. Tonos blancos y cremas que no estorbaban pero tampoco pasarán a la historia.

Hacía bastantes años que no se programaba la Linda en el Liceu. Esperemos que tarde unos cuantos en volver, no así los maravillosos Damrau y Flórez.

fdo. Alicia Cano

Crónicas de funciones: Macbeth, Ópera de Roma, 27/11/11

2011-12-04T10:15:00.001-08:00

Estreno de la presente temporada de la Ópera de Roma, con la primera función de este Macbeth a las órdenes de Muti, con dirección escénica de Peter Stein, en una producción vista ya este verano en Salzburgo.

Valoraciones:

- Muti: para arrodillarse a su paso. Increíble la cantidad de matices, de tensiones buscadas, los tiempos subrayados, las dinámicas, las texturas... alucinante... Un lujo, se mire como se mire.A sus órdenes la eficaz orquesta de la Ópera de Roma sonaba como si fuese mucho más que una formación solvente. Un sonido maravilloso. Lo mismo cabe decir del coro. Un gran nivel.

- Solari: su Macbeth fue muy decente. Eso significa que, sin ser un Cappuccilli, hizo una lectura vocalmente aseada, solvente, con varios momentos de más altura y teatralmente muy preciso y contrastado. Probablemente sin Muti en el foso no hubiera sido tan redonda su lectura. Pero resultó sobradamente convincente.

- Tatiana Serjan (Lady Macbeth): una señora Lady Macbeth. Lo tiene todo para el rol. La voz tarda un pelín en calentar pero consiguió estar a punto para el "Or tutti, sorgete...". De ahí en adelante, un derroche de medios y una técnica algo básica pero eficaz, que le permitió irse arriba y marcarse un diminuendo en la escena del sonambulismo.

- Riccardo Zanellato (Banco): discreto, la voz no tiene la autoridad y el empaque necesarios, ni la oscuridad precisa para un Banco epatante. Canta con gusto, se esfuerza en el fraseo, en subrayar el texto, no "ladra" en ningún momento, pero el material de partida le impide conseguir algo más que una actuación discreta. Fue muy aplaudido, demasiado para mi gusto.

- Antonio Poli (Macduff): magnífico. Ya tenía ganas de escuchar a este chico en directo. La voz suena estupenda, un lírico puro y duro, italianísimo, timbre grato, registro homogéneo y frasea con gusto. Muti le quiere bien. Su escena como Macdfuff fue estupenda.

- dirección escénica de Peter Stein: irregular. Momentos muy buenos y momentos muy rutinarios. Me gustaría comentarla con alguien que la haya visto en Salzburgo.

Resumiendo: estupendísima función, sobre todo por un Muti impagable, en torno al que todos parecían crecidos. Verdi en vena, casi en sobredosis.

fdo. Alejandro Martínez

Crónicas de funciones: Le Grand Macabre, de Ligeti (Liceo, 19/11/11)

2011-11-24T00:48:00.000-08:00

El sábado pasado acudí al Liceu para el estreno en España de la única ópera del compositor húngaro Gyorgy Ligety El gran macabro. Con bastante aprensión, confieso, al encontrarme ante una obra completamente desconocida para mí y de la que he oído opiniones para todos los gustos.

A la salida del teatro, mi estado de ánimo era completamente distinto. Había disfrutado enormemente, me había divertido y, en suma, había asistido a un espectáculo teatral, en el más puro sentido de la palabra. Pero vayamos por partes.

Empezaré matizando que esta crónica es resultado de un primer acercamiento a la obra, con todas las limitaciones que eso supone. Pero, contrariamente a lo que uno pudiera pensar, el Macabro es una ópera que resulta cercana a un espectador neófito. Siempre que uno acepte sus reglas, claro está. Quien acuda pensando en Il Trovatore se va a ver fuertemente decepcionado.

¿Qué es El gran Macabro? ¿La anti-ópera, como llegó a afirmar su autor? Yo me atrevería a corregirle diciendo que me parece una semi-ópera. Ópera a veces, a veces teatro. Donde los personajes sobre el escenario tienen que ser más actores que cantantes. Donde no hay melodía. Y sin embargo, es rabiosamente ópera, con esa abundancia de sensaciones transmitidas a través de la orquesta, a través de la escena. No sé qué es El gran Macabro, pero sí sé que nunca había visto u oído nada que se le pareciera.

Y por fin llego al quid de la cuestión: el Macabro tiene que verse sobre el escenario, se sustenta sobre una escena y no creo que soportara con éxito una representación de concierto. Es que es cualquier cosa menos música de concierto.

Por tanto, creo que la verdadera protagonista de esta serie de veladas del Liceu es la producción de la Fura dels Baus. Que es la magnífica composición de Álex Ollé la artífice del éxito de esta ópera en los últimos años en los teatros que ha visitado. A la salida del Liceu discutía con un amigo buen conocedor de la obra sobre la adecuación o no de la idea de la Fura a la ópera. El no estaba convencido, yo, sin embargo, entusiasmada. Creo que la Fura ha aprehendido a la perfección la esencia de la comedia del absurdo que representa el Macabro: la sucesión de situaciones cotidianas, extraordinarias de puro ordinarias. La elevada filosofía de los personajes más bajos (como Pier the Pot). La minúscula relevancia de la mayor tragedia (la muerte, en el personaje de Nekrotzar). Las urgencias terrenales de los amores perfectos (Amando y Amanda). En fin. Tutto nel mondo è burla. Y la Fura, con una dirección de actores como nunca les había visto, bordan sencillamente la traslación del libreto a imágenes. Incluyendo el no tomarse a sí mismos demasiado en serio. Solo puedo decir que “Thriller” ya no volverá a ser lo mismo.

Eso sin mencionar el prodigio técnico de la escenografía, con la superposición de vídeo sobre la figura gigante creando un juego de imágenes que uno no se puede perder, y al que no creo que una edición en dvd le pueda hacer justicia. Eso sin mencionar la maravillosa iluminación de Peter van Praet.

En lo musical, Michael Boder resolvió la papeleta con soltura. Creo que la partitura del Macabro puede parecer engañosamente sencilla, pero la orquesta sigue tan de cerca al libreto, acompaña con sus exabruptos, con sus pianísimos, con sus silencios, tan fielmente a la historia, que hay que estar muy atento para dar a cada compás la entonación, la intención justa.

Vocalmente, no creo que estemos ante una obra para que un cantante se luzca. Un amigo mío diría que el Macabro pertenece a esa serie de óperas que no pueden tararearse en la ducha. Digamos pues que los cantantes cumplieron, destacando más como actores (¿es ópera, entonces?). Chris Merrit construyó un bonachón Piet, acompañado de un Frode Olsen apenas audible como Astradamors. Werner van Mechelen cumplió como Nekrotzar, aunque seguramente fue el menos versátil de la noche y le faltaba un punto de fuerza para llegar al personaje. Ning Liang era Mescalina, que también cumplió. Mejor Brian Asawa como Gogo, aunque diría que su papel tiene tanta parte cantada como hablada.

Dejo para el final lo mejor del reparto: las dobles parejas de Ana Puche e Inés Moraleda como Amando y Amanda, muy bien compenetradas en el dúo, y Francisco Vas y Simon Buteriss como el Ministro Blanco y Ministro Negro. Finalmente, Barbara Hannigan doblando a Venus y Gepopo, estuvo sencillamente espectacular, especialmente en la escena del segundo personaje.

En resumen, no sé si el Macabro es ópera o no. Pero si pueden, no se la pierdan.

fdo. Alicia Cano

Crónicas de funciones: Roméo et Juliette (AGAO, 19/11/11)

2011-11-21T10:33:00.000-08:00

Siguiente título en la temporada de la ABAO y turno ahora para Romeo y Julieta de Gounod.

A pesar del quizá excesivo minutaje de la obra, hubo unas cuantas cosas relevantes: lo mejor vino de la mano de Caballé-Domenech y la Sinfónica de Navarra. Esta orquesta es la mejor de las que suelen pasearse por el Euskalduna. Y la batuta fue de muy alto nivel: había técnica, había gesto, había intenciones, había criterio y había resultados, porque todo lo que intentó le salió. Bravo, bravo.

Vamos con los cantantes.

Ciofi: Es muy complicado valorar a una cantante TAN inteligente pero con un instrumento tan pobre en origen y además hoy tan mermado. De algún modo fue un leve error de cast. Ciofi sigue teniendo medios para dar lecciones como ligera, pero como lírica pura es evidente que naufraga, sin graves y sin un centro carnoso y cómodo para recrearse. Las páginas de ligera pura que tiene el rol fueron de impresion, y a todo lo demás le puso muchas ganas, mucho criterio y mucho teatro del bueno, pero la voz tiene las limitaciones que tiene. Así pues, gran cantante, artistaza, pero limitada o irregular como Juliette.

Bros no llegó a estar tan cómodo en el rol de Romeo como lo encontré este mismo año en la Bolena o en el Werther. La sensación de primera lectura fue constante durante toda la funcion. Y quizá no podía ser de otro modo porque debutaba el rol, pero le falto despegar del todo, sentirse menos tirante arriba, recrearse, etc. No obstante, sigue cantando con un gusto exquisito, con un timbre cada vez menos nasal y con más centro, en un francés casi impecable. En suma, notable noche la suya, un debut convincente, pero le he visto en mejor forma este mismo año.

Secundarios resultones tirando a flojos. Pero nadie estorbó en demasía.

Y la puesta en escena de Arnaud Bernard (que acertó de pleno con su pasado Falstaff) me pareció muy floja. Muy pobre dirección de escena, sobre todo pésima en los movimientos corales, ruidosísimos. Y la escenografía tan blanca y tan básica... Lo mismo hubiera valido para una Gioconda que para este Romeo que para dos o tres títulos más. La omnipresencia de un blanco sin significado ni contribución escénica me dejo un mejorable sabor de boca.

Resumen, pues, notable noche de ópera, con destellos de gran trabajo y momentos mucho más flojos, ni mejor ni peor que el Boccanegra que abrió la temporada.

fdo. Alejandro Martínez

Crónicas de funciones: Die Walküre, Teatro de la Maestranza, Sevilla, noviembre 2011

2011-11-15T10:51:00.000-08:00

A continuación, un par de crónicas, levemente dispares en algunos puntos, sobre las funciones de Die Walküre programadas por el Teatro de la Maestranza de Sevilla en este mes de noviembre. La primera crónica corresponde a la función del estreno y la segunda a la del lunes 14.

Función del estreno

Para mi, la noche del pasado viernes fue mágica. Fue de esas representaciones que queda para siempre grabada en el personal libro de experiencias operísticas. ¿Fue una función perfecta? Eso es muy difícil hoy por hoy y menos con Wagner. Pero hubo muchas pinceladas de maestría y, sobre todo, hubo tres pilares sobre lo que se le levantó una noche muy especial.

El primer pilar fue Pedro Halftter. Creo que el aficionado de Sevilla va ha haciendo justicia a este gran director. Personalmente es casi la razón principal por la que me desplaze al Maestraza. No sólo ha aportado a lo largo de estos años su maestría si no que ha puesto en escena obras infrecuentes pero de una indudable calidad y que son muy difíciles de ver en nuestro país. Su dirección de la Walkiria fue muy ponderada, siempre atenta a los cantantes, elegante y lírica, sin pecar en excesos, premeditadamente lenta, buscando más la intimidad que el dramatismo y la pompa. Fue genial oír a esa extraordinaria Sinfónica de Sevilla (que también pecó de algún despiste sobre todo en los vientos).

Una Walkiria con un buen Wotan es impagable y ese fue otro de los méritos de la representación. Volle estuvo enorme, genial, con una voz perfecta para el papel, matizando, interpretando, viviendo su papel. Ya se ha dicho la perfección de su confesión del II Acto, cuando fue poco a poco desgranando su fracaso como dios. Lo mejor de la noche vocalmente, sin duda.

Había visto la puesta de la Fura en los dvds de Valencia. Ganas me dieron de tirarlos en cuanto volviera a casa. Nada que ver con la maravilla que es ver esta excelente recreación de la Tetralogía en directo. El sentido poético de la obra no se olvida en manos de la tecnología si no que esta se pone a su servicio haciendo que sientas todas las pasiones que fluyen por la obra. No me gustó el vestuario pero eso era lo de menos ante la extraordinaria concepción de la dramaturgia wagneriana. Una obra como esta bien dirigida teatramente vale el triple.

De el resto, todo estuvo entre el bien y el sobresaliente. Abajo del nivel musical podría la Fricka de Vermillon, aunque le daría un bien. Bravo por el Sigmund de Ferrero. Torear con ese toro germano siendo de una tradición musical tan distinta merece todos los elogios. No es una voz heroica pero cantó con muchísima intención. El más flojo en pontencia vocal. Excelente Lang como Siglinde, aunque a veces chillona y basta, pero es que vivía en una caverna, y preparaba pata de jamón chamuscada. Mejoró mucho en el II Acto y lo bordó en su frase del III. Herlitzius fue una Brunilda rebelde y ágil, con una voz adecuada para el papel, entregaa y vivaracha como atriz, resuelta y valiente en lo musical. No será de referencia pero se defendió como una jabata. Bien, muy bien las walkirias (excepto una, mezzo, que se oía viejuna -siento no saber su nombre pero terminaba en inde-).

Que gran noche, como disfruté, como lloré en los adioses, como aplaudí, como agradecí que Wagner sea bien servido. No hacen falta grandes estrellas (que siempre vienen bien), hace falta ilusión, una gran batuta y alguien que dirija la escena amando a don Ricardo. Siempre a sus pies.

fdo. Javier del Olivo

Función del lunes 14

Acudía con mucha ilusión y grandes expectativas a esta función de La Valquiria. Sobre todo, por tanto leído en estos últimos años sobre la puesta en escena de la Fura. Y también, es cierto, por un cast un tanto desconcertante y por un foso del que esperaba mucho. Y... no todo fue tan estupendo. Me alegra mucho leer lo mucho que disfrutó mi querido Stiffelio. Yo lo pasé muy bien, me emocioné al final, pero encontré muchos claroscuros en la función. Vamos por partes...

Empecemos por Ferrero. Nunca antes le había escuchado, así que ignoro cuál ha sido, en concreto, su evolución vocal. Estoy al tanto de qué cantaba antes, pero me cuesta imaginar que esa voz fuese la de un lírico limitadito. Para nada. De entrada, cuestiono lo dicho aquí por otros asistentes, ya que desde paraíso no aprecié problema alguno de volumen, ni de proyección. Y aquí hay que matizar, porque se confunden algunas cosas, creo. Es evidente que la de Ferrero no es una voz de spinto, ni de heldentenor sobrado; no es más que un lírico con peso, pucciniano, que va bien arriba, que canta seguro. La voz está bien colocada, corre, tiene presencia, volumen, técnicamente no es reprochable. Pero las facultades naturales no le han dado un grave más que correcto y justito de volumen, aquí sí, básicamente porque tiene que descolocar un poco para encontrarlo. Y carece también de un centro terso, acariciador, tan importante para el segundo acto, donde precisamente estuvo más flojo. En todo caso, salvó un Siegmund con muy buenas impresiones. No hay que olvidar que era su segunda función con el rol. Aunque se veía que el papel está cogido con pinzas todavía, es muy meritorio sacar adelante con tanta convicción un rol tan importante. Su primer acto fue irregular, sobre todo por dos problemas: uno escénico, que es su pasividad, pues se le vio muy poco metido en la dinámica de la Fura; y otro vocal, pero no técnico, sino de prosodia, ya que tiene un alemán mejorable, por dicción y por fraseo, sobre todo. La dinámica de la frase wagneriana sonaba demasiado pucciniana, digamos. Y cada fraseo demanda lo suyo. Se comió también alguna nota, caló alguna otra, todo ello pecata minuta, pero hay que reseñarlo. Valoración final, pues, notable alto. Sí, porque no fue espectacular, no fue arrebatador, pero fue convincente, y me alegró encontrar a un cantante español que canta sin forzar un rol que demanda lirismo y peso vocal a partes iguales. ¿Una encarnción limitada? Por supuesto... pero está en el buen camino y me pareció un Siegmund muy meritorio para ser su segunda función con el rol.

Lang compuso una comprometida Sieglinde, en el doble sentido del término: muy comprometida con el concepto de Sieglinde de la puesta en escena, con ganas de dar mucho de sí vocalmente; pero también comprometida en el sentido de algo limitada, condicionada. En concreto, condicionada por unas facultades vocales que ya se muestran mermadas. La voz está cada vez más agría, no es bella, no es tersa, pero arriba, cuando todo entra, tiene pegada, se despliega y ofrece un metal importante. Pero eso no pasa siempre, es irregular. Y el grave no está, por mucho que lo busque. Además, tarda en calentar la voz y no compone la Sieglinde lírica, jóven, entre inocente y luchadora, esa mujer que descubre un mundo fuera de Hunding, sino una lectura mucho más enfática, con apenas "mundo interior", digamos. Fue a más, desde un muy bueno "Du bist der Lenz" hasta el final del primer acto, y lo dio todo, al borde del fallo, durante el segundo acto. Así pues, brava por darlo todo, pero... las limitaciones fueron evidentes.

El Hunding de Ulyanov fue un auténtico troglodita, derrochando voz de forma muy poco productiva. Se limitaba a sonar y sonar, y desaprovechó dos o tres inflexiones clave en el texto, para hacer otras cosas. Voz había, y por arrobas, pero... poco más.

El mejor de la noche, sin la menor duda, fue un sorprendente Volle. Curiosamente, era el que más reservas me generaba dentro del cast previsto. Siempre he tenido a Volle por un decente y correcto barítono lírico, pero con unos medios limitados y un canto de un lirismo un tanto tosco. Ahí está su buen Beckmesser, como ejemplo de lo que yo tenía en mente antes de la función. Pues bien, todo lo contrario, se superó a sí mismo, y con creces, y me convenció desde su primera intervención hasta sus maravillosos adioses. Emocionatísimos esos últimos cuarenta minutos de música, todo el dúo con Brünhilde y su largo monólogo. Qué forma de decir, de sentir el texto, de mirar a su hija, y sin forzar en ningún momento la voz, siempre con una colocación impecable, una voz homogénea. Sus anteriores intervenciones fueron geniales. Recuerdo claramente esos dos impactantes "Das Ende" y también los dos "Gehe" que acaban con Hunding. Estuvo genial ahí. Puro teatro cantado. Grande, grande. Me emocionó mucho el final de la función. Así pues, un Wotan de altura, como no imaginaba encontrarme. La voz carece de graves notables, pero eso no es problema en un intérprete que basó su retrato del papel en mucho más que puro efectismo vocal en dos o tres momentos puntuales. Lo que hizo Volle fue un retrato completo y complejo, vocalmente bien servido y escénicamente intenso. Bravísimo, por tanto.

Vermillion y Herlitzius estuvieron bien. Sobre todo Brünhilde, durante todo el tercer acto, hizo una gran labor, muy escénica, vocalmente en forma. El segundo acto fue más flojo, también tardó en calentar la voz, pero en conjunto fue una BrÜnhilde más que aseada, lo cual ya es mucho vista la complejidad vocal del papel. Y Fricka sí que adolece de una técnica más precaria, es una cantante menos imaginativa, pero a cambio entendió perfectamente el papel, en lo dramático, y se ajustó por completo a la propuesta de la Fura. Vocalmente no fue espectacular, pero sí más que digna.

El foso y Halffter: de notable muy alto, digamos. Es una lástima que Halffter se haya conformado con una lectura efectista, de grandes rasgos, de subrayados de brocha gorda, y no acuda apenas a crear tensiones, a detener el tiempo, buscar la magia. Buscó un sonido limpio, grande, lujoso, reconocible, una lectura firme, directa, pero también de un sólo trazo. Me pareció muy flojo su trabajo con los cantantes. He leído en otras crónicas, en prensa, que frenó el volumen de la orquesta para no taparlos. Para nada... no diré que metiera "ruido", porque aquello no era ruido en ningún sentido, pero sí buscó volumen y sonido. No me dio la impresión de quedarse con las ganas de meter más volumen al foso. Pero decía que me pareció flojo su trabajo con los cantantes porque no les daba apenas la más mínima entrada. Lo cual no es un problema en sí mismo, salvo cuando un cantante te lo reclama de forma evidente, como le sucedió a Ferrero durante el segundo acto, en un par de ocasiones, que buscaba la referencia de Halffter sin encontrarla, así que entró a destiempo en dos intervenciones, una levemente antes y otra levemente después. Eso Halffter lo podía haber evitado perfectamente. También hubiera podido ordenar mejor el coro de valquirias, que sonó un pelín aturullado (buenas voces, a todo esto). La respuesta del foso fue en general muy buena. Salvo alguna pifia menor del viento metal, todo estuvo en orden, destacando la muy alta calidad de las cuerdas. Así pues, la parte musical fue de muy alto nivel, pero podría haber dado mucho más de sí, con un Halffter menos conformista y resultón.

Sobre la puesta en escena de la Fura... buff... tanto que decir. No diré que me decepcionó, pero sí diré que me supo a poco. Me pareció un poco previsible y con más inconvenientes que hallazgos, en una valoración global. Doy por seguras de antemano dos cosas: la primera, que no estaba demasiado ensayado el trabajo escénico en estas funciones del Maestranza, por lo que me han comentado varios amigos que ya vieron este Anillo en Valencia, mucho mejor engranado. Por tanto, hubo un problema de preparación que hizo que no todo funcionara cómo y cuándo debiera. Y en segundo lugar, doy por supuesto que la propuesta escénica para esta jornada cobrará más sentido vista en el conjunto general de todo el Anillo tal y como la Fura lo ha trabajado. Vista, sin embargo, la Walkiria aislada, hay muchas cosas que me dejaron un sabor agridulce.

La primera, las proyecciones: en algunos momentos, hermosísimas y muy bien traídas, muy en sintonía con lo que sucedía en el foso, pero creo que son un elemento del que se abusa, confiando a él demasiados momentos de la función. Se me hicieron un tanto repetitivas, casi previsibles. Una lástima, porque en dos o tres momentos, sobre todo en el final del primer acto, el efecto es magnífico.

El segundo elemento que me genera dudas son las gruas que elevan, traen y llevan a diversos personajes desde el segundo acto. Sé que son un guiño a los móviles originales, etc, etc... pero... ¿nadie se ha dado cuenta de que es muy cansino ver a los técnicos constantemente en escena, como moviendo los hilos de esos gigantescos guiñoles? A mí me pareció más contraproducente que un hallazgo. Dicho de otra manera: muy vistoso, pero no me decía nada sobre lo que estaba pasando en escena. Muy vistoso, repito, pero muy vacuo. Puro derroche "técnico" que no me llevaba a ninguna parte. Vistoso sí, desde luego, eso no lo negará nadie. Pero a mí se me hicieron un poco cansinas las grúas tanto rato en escena.

Y el tercer elemento, el más descacharrante, es el móvil que aparece al cierre del segundo acto. Totalmente inutil, probablemente muy caro, tanto por los costes de la propia estructura como por la cantidad de gente que moviliza para montarlo, y... ¿para qué? Totalmente ausente de significado. Igual es que no le pillé el punto a esa propuesta, pero me pareció innecesario.

Así pues, la puesta se queda en dos o tres hallazgos escénicos del primer acto (esa Sieglinde atada, como un perro, por ejemplo), una iluminación bien pensada, dos o tres guiños efectistas (pero muy caros, supongo), y un hermoso final del tercer acto (pero no memorable, ya que hemos puesto de moda la palabrita de marras...). Tanto escuchar y leer sobre la puesta de la Fura y... me supo a poco. Igual es que mis expectativas eran muy altas... No me pareció una mala puesta en escena, en absoluto, pero sí una propuesta sobrevalorada. Qué le vamos a hacer..

fdo. Alejandro Martínez

Crónicas de funciones: Boris Godunov, Palau de les Arts, Valencia, 11/11/11

2011-11-12T11:01:00.001-08:00

Se inauguraba estos días la temporada lírica del Palau de les Arts de Valencia, con las funciones de Boris Godunov, en siete escenas, esto es, la versión original de 1869 con el añadido de la escena del boque de Kromy, de la versión de 1872.

Los grandes atractivos que ofrece la plaza valenciana siguen recayendo en la lujosa orquesta que viste su foso y el magnífico coro que completa el equipo. Todo ello, incluso en manos de una batuta tan joven como la del nuevo titular Omer Meir Wellber, que no tiene más de 30 años.

Este Boris contaba además con un solvente bajo para el rol titular, Orlin Anastassov, al que pudo verse hace unas semanas también por España, como Fiesco, en el Simon Boccanegra programado por la ABAO bilbaína.

En el apartado escénico se ofrecía una propuesta clásica y cinematográfica, en coproducción con el Teatro Regio de Torino, a cargo del directo de cine Andréi Konchalovski. Clásica, pero entendiendo que lo clásico no significa repetir viejas claves, acomodarse en lo rancio o caer en lo evidente. Clásica porque no busca otra cosa que trasladar a un teatro verosimil, directo y eficaz la historia que se trae entre manos, sin traslaciones temporales, guiños conceptuales, etc. Algo, por cierto, a lo que se presta, y mucho, esta ópera, y con excelentes resultados, a la vista de las magníficas propuetas escénicas para Boris que firmaron Willy Decker o Herbert Wernicke.

Konchalovski opta por moverse cómodo en su terreno cinematográfico y busca sobre todo dibujar una escenografía visual, a cargo de Graziano Gregori, basada en una austeridad escénica (grandes planos, símbolos evidentes, etc.), un eficaz movimiento de las masas escénicas y una impecable iluminación (a cargo del propio Konchalovski). El vestuario, firmado por Carla Teti, ofrecía el único, pero ominpresente, ingrediente de historicismo escénico puro y duro. Todo ello contribuye a crear grandes imágenes, grandes fotogramas, si bien no contribuye a facilitar la narratividad en una ópera con un argumento a veces un tanto enrevesado y desde luego nada lineal, dada la sucesión de escenas incomunicadas entre sí de forma directa. Se trata, pues, de una propuesta clásica, pero no por ello apolillada, que no ofrece ninguna vuelta de tuerca genial en torno a esta ópera, como si hacían los citados Decker o Wernicke, pero que sirve con más eficacia que dificultad a esta ópera.

La función tuvo un nivel muy notable, despegando claramente en los momentos de mayor impacto visual y musical a cargo del multitudinario coro, lo mismo que en los monólogos a cargo del protagonista, Boris Godunov.

Vocalmente, Anastassov se muestra mucho más cómodo y desahogado cantando en ruso que en italiano. La vocalidad eslava facilita su colocación y la emisión resultó más liberada y presente que en otras actuaciones presenciadas. Actoralmente pecó de un excesivo histrionismo en los momentos de máximo enloquecimiento del personaje, forzando casi una caricatura del poder de Boris más que aproximando una posible sintonía entre el espectador y sus remordimiento. Quizá buena parte de este resultado pueda atribuirse a las intenciones de Konchalovski. En todo caso, vocalmente estuvo a gran altura. Renunció al lucimiento en las dos o tres subidas al agudo más comprometidas, por evidente falta de medios ahí, pero a cambio ofreció un centro lleno de fuerza, un fraseo intenso, controlado, capaz de medias voces, de tensiones y dinámicas. Un estupendo trabajo. No es Ghiaurov, aunque físicamente se dan un aire, pero dudo que haya hoy en día un Boris mucho mejor que él (quizá el veterano Salminen, quizá el siempre interesante Pape). Tanto en la escena de la coronación como en la escena final estuvo sobresaliente.

Nikolai Schukoff decepcionó levemente. Mejor dicho: convenció plenamente, y con creces, en el rol de Grigori, pero no parece esa la voz que aspira a cantar, o que canta de hecho, roles de Wagner y Strauss con naturalidad y frecuencia. Una opción muy solvente para este rol, pero habrá que verlo como Bacchus en la futura Ariadne que se presentará en Valencia.

Muy notable el Pimen del experimentado Alexánder Morozov. Una voz grande, con buena proyeccion, con presencia, no especialmente notable por color o belleza, pero eficaz para dar vida al viejo monje.

Teatralísimo y vocalmente sostenible y digno el Varlaam del imponente Vladímir Matorin.

Impresentable la presentación vocal de Konstantín Plúzhnikov como Shúyski. Literalmente sin voz, entre el parlato inaudible y el grito inevitable. Digno de olvido.

Correcta la Xenia de Ilona Mataradze, lo mismo que el resto de intervinientes con partes pequeñas.

En conjunto, pues, una intensa velada, vocalmente a la altura, con algunos detalles mejorables, con un solvente protagonista, y con un lujo de prestaciones en el foso y en el coro.

La labor del joven Omer Meir Wellber fue muy notable, todavía más para una batuta con tan poco rodaje. Probablemente mucho mérito recae en los profesores del foso, pero lo cierto es que escogió bien los tempi, subrayó bien las dinámicas, sostuvo las tensiones adecuadas, trabajó bien con el coro, diferenció bien los planos y melodías. En fin, un trabajo que no admite apenas reproches.

Buen inicio de la temporada del Palau de les Arts. Ojalá esa orquesta dure muchos años, porque es todo un lujo en este país.

fdo. Alejandro Martínez

Crónicas de funciones: Tristan e Isolda (ABAO) y L´elisir d´amore (AGAO)

2011-11-10T04:16:00.001-08:00

En un fin de semana tuvieron lugar dos representaciones líricas, en Bilbao (ABAO) y en Pamplona (AGAO), con un mismo hilo conductor: el amor, el amor arrebatado que puede provocar un filtro en elcaso de la ópera wagneriana, o el amor producto de un elixir vendido por un charlatán de la mano de Donizetti.

Visto y oído el Tristan e Isolde de Bilbao, que en los papeles estelares cantaron Torsten Kerl, Jennifer Wilson, Elena Zhidkova, Matthew Best y Alan Held y, comparándolos con la modesta producción del Teatro Gayarre, enla programación de la AGAO y, siendo sabedor que en esta producción no están lasinstituciones vascas, ni la Fundación BBVA, ni Iberdrola ni demás mecenas, la entrega, la pasión y el canto de los intérpretes de L´elisir d´amore llegaron más al corazón y al sentimiento del espectador navarro que el de los solistas wagnerianos. Por que éstos no se amaban y esa no pasión se acentuó con la mala fortuna vocal de los intérpretes. Fue más intensa la "furtiva lacrima" de Leonardo Capalbo que la muerte de Isolde; hubomás entusiasmo y efusión en el gayarre que tal vez hubiera emocionado al públicobilbaino, tanto con el dúos y las arias interpretadas por Yolanda Auyanet, com odivertido con los aragoneses Carlos Chausson y Isaac Galán, a pesar de la fragilidad de la orquesta ode la puesta en escena -aquí se notan los medios y las genialidades- que para nada teníaque ver con la magnífica del Tristán bilbaíno.

Nuevamente el David golpeó a Goliat.

Fdo. Johnny Guitar

Audio de la primera conferencia del ciclo dedicado a la Zarzuela

2011-11-08T01:17:00.001-08:00

Queridos amigos, para aquellos que no pudisteis asistir a la conferencia del pasado día 2, a cargo de José Miguel Loscos, titulada "La vuelta al mundo en la zarzuela", la tenéis ya disponible en nuestro blog, en el siguiente enlace:

Os recordamos que la próxima charla tendrá lugar este viernes, día 11, a cargo de María Sanhuesa, que nos hablará de los orígenes de la zarzuela.

La conferencia tendrá lugar a las 19 horas en el salón de actos del Museo Ibercaja Camón Aznar (MICAZ).

Gracias por vuestro apoyo y seguimiento. Os esperamos el viernes.

Programa de actividades - Noviembre y Diciembre

2011-10-28T04:07:00.000-07:00

Queridos amigos, os damos a conocer la programación de actividades que hemos previsto para noviembre y diciembre:

- un ciclo de cuatro conferencias dedicado a la Zarzuela

- una conferencia del profesor Roger Alier sobre la historia de la ópera en Zaragoza

- y dos tertulias líricas, dedicadas a los aniversarios de Liszt y Mahler.

En el siguiente folleto encontraréis más información sobre fechas, horarios y lugares.La entrada a todos los actos es gratuita y libre, abierta no sólo a nuestros socios sino a todo el público interesado.

Podéis encontrar información más detallada en nuestra página en Facebook:

https://www.facebook.com/OperaAragon

Novedades discográficas: La Bruja, de R. Chapí.

2011-10-08T05:40:00.000-07:00

El 10 de dicembre de 1887, Ruperto Chapí estrenaba, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, la zarzuela en tres actos La Bruja. Con libreto de Ramos Carrión y Vital Aza, esta zarzuela "grande" supone en el género lírico español una nueva aportación musical superior a las producciones de la época. Si en la década de los años 50 tenía lugar la grabación de La Bruja protagonizada por unos jóvenes intérpretes -Alfredo Kraus y Teresa Berganza, dirigidos por Benito Lauret- este año de 2011, el sello discográfico Deutsche Grammophon ha editado una nueva edición fonográfica. En los papeles principales José Bros y Nancy Fabiola Herrera dirigidos, esta vez, por el maestro Miguel Roa con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Grabación en directo con la toma en el Teatro de la Maestranza con motivo de su puesta en escena en el 2009. Fue estrenada esta producción en el año 2002 en la Zarzuela bajo la dirección escénica de Luis Olmos. Con un buen estudio de la obra, con textos y fotografías de la producción, incopora el libreto hablado en el texto editado. Un Bros vocalmente pletórico, acompañado por Herrera que aporta un delicioso papel a la Bruja/Blanca. Destacan dúos brillantes o la celebérrima jota navarra. Los secundarios muy cumplidores. Totalmente recomendable.

fdo. johnny guitar

Crónicas de funciones: Simon Boccanegra, ABAO, 24/09/11

2011-10-06T01:29:00.001-07:00

Breve crónica de la función inaugural, el pasado 24 de septiembre de 2011, de la LX Temporada de la ABAO con el verdiano Simón Bocanegra. Éste, interpretado por George Gagnidze, estuvo acompañado por Aihnoa Arteta (Amelia), Stefano Secco (Adorno), Orlin Anastassov (Fiesco), S. Piazzola (Albiani) entre los protagonistas. La orquesta era la Sinfónica de Euskadi y el Coro de la Ópera de Bilbao, todos dirigidos por Donato Renzetti. La puesta en escena de Hugo de Ana.

Un brevísimo resumen sería que Arteta, debutante en el rol, fue lo mejor de la velada -sobre todo a partir del dúo con su padre-, junto al Fiesco de Anastassov. Correcto en general Gagnidze, aunque constantemente limitado por las exigencias del gran rol que es el Boccanegra. De más a menos Piazzola y Secco. Se hubiera preferido un tenor menos lírico y con un punto más dramático para la parte de Gabriele Adorno.

En el foso, sobraba un metal casi atronador, en una vulgar dirección de Renzetti que, según rezaba el programa de mano, "está considerado entre los directores italianos más importantes del mundo" (sic.). Y la puesta en escena ciertamente vulgar, hubiera servido para cualquier otra ópera de corte historicista.

En suma, comienzo notable, con altibajos, y con un cierto aire de rutina, como es costumbre en las funciones bilbaínas.

Enlace con más información: aquí.

fdo. johnny guitar

Primera Tertulia Lírica (29/09/2011)

2011-09-22T02:02:00.000-07:00

Estimados amigos, desde la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta hemos pensado en el interés que podría tener la realización periódica de unos encuentros a modo de tertulia entre los aficionados a la lírica de nuestra ciudad. Dichas tertulias comenzarán en septiembre, con una primera convocatoria el día 29, jueves.

En principio tendrán una periodicidad mensual. Para esta primera reunión hemos pensado en comentar juntos las temporadas líricas de los principales teatros de nuestro país, así como cualquier otro asunto que pueda surgir durante el desarrollo de las tertulias. Éstas tendrán un carácter informal y están abiertas a cualquier invitado, no sólo a los miembros de nuestra Asociación. Nos gustaría, en cualquier caso, que estas tertulias fueran también un aliciente para conseguir progresivamente el apoyo de más socios. La Fundación "Casa de Ganaderos" colaborará con nosotros cediendo su salón de actos para estos encuentros. De tal forma que la primera de estas tertulias queda convocada para el jueves 29 de septiembre, a las 19:00 horas en dicha ubicación, situada en la calle San Andrés, número 8, en pleno centro de Zaragoza.

La entrada será obviamente gratuita y estáis todos invitados, seáis socios o no.

Os esperamos. Recibid un cordial saludo hasta entonces.

Campaña para la captación de patrocinadores y socios

2011-09-12T09:22:00.000-07:00

Queridos amigos, estamos buscando patrocinadores para nuestras próximas actividades. Si se os ocurre alguna empresa o algún particular interesado en financiar nuestras iniciativas, no dudéis en sugerirlo o en ponerle en contacto con nosotros. Hay muchas formas de contribuir a nuestro proyecto. En este sentido, os recordamos lo importante que es para nosotros la figura del socio.

Actualmente, por 60 euros al año, repartidos en dos cuotas de 30 euros al semestre, nuestros socios tienen derecho a la asistencia gratuita o bonificada a todas nuestras actividades. Os animamos a concretar vuestro apoyo a nuestro proyecto formalizando vuestra adhesión como socios. Son sólo 60 euros, pero sumados los de muchos socios nos permitirían trabajar con una mayor perspectiva.

Gracias por vuestro tiempo. Recibid un afectuoso saludo.

Ley de Mecenazgo

2011-09-07T00:28:00.000-07:00

Hoy, en Heraldo de Aragón, se publica esta breve nota firmada por nuestro presidente, Alejandro Martínez, apoyando la elaboración en Aragón de una Ley de Mecenazgo:

Con la llegada al gobierno del nuevo equipo Popular, se anuncia en el horizonte la necesidad e inminencia de una Ley de Mecenazgo. La inminencia quizá no sea tal, pues una ley de tal alcance no puede resolverse en poco tiempo, pero la necesidad si se antoja irrebatible. En tiempos donde el grifo público apenas gotea y en un modelo de gestión empresarial donde la responsabilidad social, por imperativos coyunturales, casi siempre se traduce en solidaridad social y casi nunca en inversión cultural, es preciso impulsar un marco legal que invite a las iniciativas privadas a destinar parte de sus beneficios al sostenimiento cultural. En este sentido, una ley de mecenazgo debería ser la solución para las iniciativas ciudadanas con vocación cultural que carecen de recursos propios suficientes, pero que se traen entre manos proyectos interesantes y sostenibles. Para que dichos proyectos no dependan en exclusiva de la mano generosa del Estado, que cualquier día puede cerrarse, es preciso implicar a empresas y a colectivos privados en este tipo de patrocinios. Esa situación ayudaría a implantar la idea de que la cultura es un asunto de todos, incluidas las empresas de la región, y no una competencia pública que los gobiernos gestionan. La cultura también está en manos de los propios ciudadanos, asociados, que pueden gestionar proyectos culturales si se alcanza un maridaje de patrocinios públicos y privados. El modelo no es nuevo, en cualquier caso. Tanto la situación en Estados Unidos como el caso de algunos países vecinos nos da la imagen de una dinámica cultural en España inusitada. El mecenazgo no es una fórmula más para que el Estado recaude fondos para los proyectos que apoya, guiado por la habitual "dedocracia". Al contrario, es la solución para que cada iniciativa cultural pueda "buscarse los cuartos", al margen de las restringidas ayudas públicas, a menudo adjudicadas de antemano. Los gobiernos, en suma, con una buena ley de mecenazgo, no escogerían el destino de esas inversiones, se limitarían a desempeñar un rol regulador. Y es que la cultura no demanda subvenciones a fondo perdido, sino inversiones y condiciones favorables para el despegue de sus proyectos, sostenibles a medio plazo con su propia dinámica. La cultura no es insostenible por necesidad, pero tampoco puede depender por entero de cómo sople el viento en las cuentas públicas. Es urgente, pues, trabajar en una Ley de Mecenazgo, pero los detalles de dicha regulación darán la clave, en su momento, para concluir si hemos aprovechado la coyuntura adversa o si hemos sancionado una realidad ya asfixiada. Si una Ley de Mecenazgo se dibuja en la agenda de nuestra política cultural, es preciso poner en marcha mesas de trabajo con las asociaciones culturales que podrían valerse de su regulación.

Alejandro Martínez Rodríguez

Presidente de la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta

Crónicas de funciones: Die Frau ohne Schatten, Festival de Salzburgo.

2011-09-03T10:24:00.000-07:00

Al reflexionar sobre una representación de Die Frau ohne Schatten (en este caso la reciente producción del Festival de Salzburgo), la obra más ambiciosa del tándem Strauss-Hofmannsthal, parece necesario no olvidarse que se trata de una ópera cuatro veces difícil. En primer lugar se encuentran las dificultades instrumentales, que suponen un reto no solamente en los atriles sino también en el podio al tener que lidiar el director con una masa orquestal superior a los 100 profesores. La batuta de la representación corrió, en este caso, por cuenta de Christian Thielemann quien supo ponerse al frente de la maquinaria orquestal que parece estar mejor engrasada para esta endiablada partitura, la Filarmónica de Viena. Se trata de una partitura hecha para la formación y a la que Thielemann tiene tomada la medida: versión suficientemente femenina en los fragmentos de voluptuosidad orquestal y de epatante belleza y suficientemente aristada en aquellos momentos de gran volumetría sonora (las tubas wagnerianas, colocadas a la izquierda del foso, se hartaron de ofrecer bramidos "demoníacos", como Strauss les atribuyera, como en las incisivas repeticiones del lamento del halcón en el gran cambio de escena del primer acto). Sólo pondría reparo a unos tempi excesivamente lentos por momentos, especialmente en el primer acto, en los que Thielemann gustó en recrearse con los lánguidos fraseos straussianos. En definitiva una versión más matizada, más extrema, que la de un Solti, por ejemplo. Además, fue un auténtico lujazo poder escuchar todos y cada uno de los instrumentos en los que Strauss pensó, incluidas las espeluznantes fanfarrias llamando al juicio desde detrás del escenario.

En segundo lugar están las dificultades vocales que suponen un reto para el numerosísimo elenco de cantantes y coros (incluido uno de niños), especialmente para el quinteto principal. De ellos triunfaron especialmente, a mi parecer, los tres cantantes con los roles más desagradecidos y, en cambio, no se lucieron o, directamente, fallaron, los dos cantantes con los roles más lucidos. Evelyn Herlitzius (La mujer) y Michaela Schuster (Nodriza) pusieron toda la carne vocal en el asador y, si bien en ocasiones eligieron la entrega y el canto decibélico frente a una aproximación más matizada (en este sentido Schuster se lleva unos puntos más de delicadeza frente a Herlitzius), no puede negarse que fueron las grandes triunfadoras de la noche al haber defendido con justicia dos papeles tan poco amables. El tercer cantante que se entregó hasta el final a pesar de lidiar con el papel más breve y quizás más endiablado fue Stephen Gould (El emperador), que supo entregarse en sus dificilísimas intervenciones de los dos primeros actos (donde sólo canta 5 ó 10 minutos de forma completamente aislada a lo largo de grandes intervalos de tiempo) y coronar con justicia en el dúo y cuarteto finales. La cruz de la moneda la ofrecen Wolfgang Koch (Barak) y Anne Schwanewilms (La emperatriz). El primero no porque haya ofrecido una mala noche sino porque desaprovechó el papel más agradecido (tanto vocal como dramáticamente) de toda la ópera y se mostró inaudible en algunos concertantes. La segunda porque directamente está muy lejos de poder ofrecer una lectura musical adecuada de su papel. Esta vez sí audible (a diferencia de su Mariscala madrileña del pasado diciembre) pero reservona en todo momento y con un agudo tirante, feo, cercano a la ruptura (en la grabación de la ópera puede comprobarse su "solución" al vergonzoso agudo en la escena del sueño del segundo acto), insuficiente para colorear las frases extraterrenales de la Emperatriz. De nada sirve que, por fortuna para nosotros, ofreciese una escena en el templo que, en lo dramático, podríamos calificar de excepcionalmente buena. Probablemente se deba a su falta de quilates vocales lo que le impide extrapolar toda la entrega y saber hacer de esta escena tan importante al resto de la ópera. Por lo que respecta a los papeles menores todos fueron servidos con justicia (Markus Brück, Steven Humes, Andreas Conrad: los hermanos, Rachel Frenkel: el halcón, Peter Sonn: la aparición, y las diferentes voces, guardianes y sirvientas) con excepción del relevante Mensajero (Thomas Johannes Mayer) que falló estrepitosamente en la primera escena de la ópera al no escucharse prácticamente ninguna de sus intervenciones (¡"Er wird zu Stein!" debe dar miedo!). Los coros (el de adultos y el de niños) aportaron la definitiva categoría vocal de la representación.

En tercer lugar se encuentran las dificultades de los diferentes ambientes, tonos y atmósferas del gran número de escenas de la ópera, y que son un reto para los responsables de la presentación visual. Si algo puede decirse de esta nueva (y seguramente costosísima) producción del Festival es que destaca sobremanera por el dominio técnico del aparato escénico (especialmente la iluminación) así como el trabajo actoral. Sería una injusticia no destacar la tarea desarrollada por los profesionales involucrados en la misma. El verdadero problema reside en que el director de escena Christof Loy falla estrepitosamente al proponer una visión de la ópera que pretende resaltar sus cualidades intrínsecas con una argumento alternativo que, además de no aclarar los aspectos más confusos de la misma, resulta más oscurantista y, a posteriori, sonrojante. Asistí a la representación tras haber leído los breves apuntes incluidos en la página web del Festival y con el ánimo de comprender y asimilar una visión diferente de esta ópera. Tras un primer acto en donde la primera media hora se asemejó a una versión de concierto el cansancio llegó con el segundo y tercero en el que los cambios de las luces de grabación indicaban la existencia de una trama alternativa que en ningún momento se llega a desentrañar. Incapaz de desenmarañar la madeja y cansado de la repetición de los mismos tics una y otra vez (por enésima vez asistimos a las quejas del ingeniero de sonido por los ruidos producidos por los cantantes), opté por olvidarme de las acciones que se representaban sobre el escenario. Sólo dos detalles me parecen realmente destacables de esta producción: la sustitución del sueño de la emperatriz por la visión de los técnicos de sonido y asistentes transmutados en infantes, y la aparición postrera de la nodriza justo en los acordes finales de la ópera. Todo quedaría así en una desafortunada realización escénica si no fuera porque ya en el hotel pude leer con calma la "trama personal de la ópera" que Loy nos ofrece en el librito de la ópera (en definitiva, lo que explicaría lo que se vio durante la representación). Mi indignación no pudo ser mayor al comprobar que un planteamiento preliminar que podría dar juego se convierte en una sucesión de naderías cuya explicación en negro sobre blanco no me provocó más que sonrojo y vergüenza. La trama alternativa, con sus cantantes viejos y nuevos, sus parejas de cantantes con problemas conyugales está cogida con pinzas, es trivial hasta extremos insufribles (a años luz de la poética de peso que Holfmannsthal pone encima de la mesa) y se demuestra tan poco trabajada que en los momentos en que Loy no sabe cómo cuadrar su visión con lo que sucede en escena llega a explicaciones como las que siguen (copio literalmente de la traducción inglesa del libro): "Frau. B is flirting with ideas about deceiving her husband and is not embarrased to mention it in front of other women. It is no less disturbing to the Empress that Herr. B., who's rather drunk, is bringing hungry people in off the street and feeding them" o "The laws of nature seem to have been rendered invalid. Mothers no longer want children, and men want to kill their wives. As B. makes to strike his wife dead, the whole world seem to crumble. Even the Nurse is seized with deadly fear. Higher powers are at work."

Finalmente están las dificultades de un libreto complejo, intrincado y, en última instancia, simbolista, y que son un reto para el público que asiste a la representación. Afortunadamente, pese a las limitaciones que hemos señalado, el público se mostró receptivo y entregado a esta nueva producción salzburgiana de la Sin Sombra. La última había sido hacía 19 años (existe grabación en DVD del evento) y no es de extrañar que un público como el del Festival haya sabido apreciar la superación de los obstáculos para poner en escena este "Hauptwerk". Si además unimos el hecho de que, por tercera vez en el Festival, se pudo disfrutar hasta la última nota de la ópera (cercana a las 3 horas y media de duración) podemos entender el entusiasmo al acabar cada uno de los actos y, especialmente, al finalizar la función.

En este sentido (el de la completitud de la ópera) me gustaría recoger la argumentación que sobre ella realiza el director musical, también extraída de la traducción inglesa del librito de la ópera, pues más allá de la defensa acérrima de una partitura que ama, demuestra cómo unos artistas se ponen al servicio de la obra para ensalzarla mientras que otros la utilizan para perpetrar sus naderías: "There is a great deal to be gained by dropping the cuts, particularly in Act Three, where the expulsión of the Nurse is far more compelling if it is preceded by the quartet Nurse/Messenger/Dyer's Wife/Barak with its musical 'waves'. And then there is the melodrama in the scene with the Empress in the temple […] Strauss was making deliberate use of an additional and exceptionally effective technique and I would be very loath to do without it. […] it is only right that the audience should be given the opportunity to experience this pinnacle of Strauss's creativity in all its extraordinary richness-without cuts". Amen.

fdo. Ignacio F. Rúa

Crónicas de funciones: recital de S. Keenlyside, Festival Internacional de Edimburgo

2011-08-26T09:39:00.001-07:00

Festival Internacional de Edimburgo, Usher Hall, 19 de agosto de 2011

Simon Keenlyside, Malcolm Martineau

El programa del Festival anunciaba un recital con cinco autores de caracteres tan diferentes como Mahler, Strauss y Schubert por un lado y Duparc y Debussy por otro. El detalle de los títulos en el programa de mano nos revelaba que las canciones elegidas giraban (como suele suceder en los recitales de Simon Keenlyside que combinan lied y mélodie) en torno al amor y la Naturaleza.

El primer grupo de canciones fue el dedicado a Mahler, alternando canciones a partir de poemas de Rückert con otras extraídas de Des Knaben Wunderhorn. El recital empezó con una interpretación algo insegura de Ich atmet' einen linden Duft; Keenlyside pareció sentirse bastante más cómodo con Des Antonius von Padua Fischpredigt, cargado de ironía, y a partir de ahí todos, intérpretes y público, entramos de pleno en la música. La perla de este primer bloque, Liebst du um Schönheit. ¿Se puede transmitir humildad cantando? Porque la canción sonó tierna y humilde, una hermosa interpretación.

La primera parte continuó con los compositores franceses. De Duparc escuchamos dos de sus canciones más conocidas, Le manoir de Rosamonde y Phidylé, que sonó vibrante y urgente; una lectura algo alejada de la habitual, más soñadora, pero igualmente convincente. De la pasión en Duparc pasamos a la exquisitez en Debussy, cuatro canciones encabezadas por una elegantísima versión de Nuit d'étoiles.

Con la segunda parte volvimos a los compositores alemanes, en primer lugar Strauss. Sin duda, la sentida interpretación que Simon Keenlyside ofreció de Befreit fue el momento más intenso del recital y Malcolm Martineau nos concedió una pausa más larga para recuperar el aliento (porque el público también se queda sin aliento a veces) antes de volver a hablar del deseo con Epheu y Ständchen.

El recital acabó con Schubert. Sea por la debilidad tantas veces confesada de Keenlyside por este compositor, sea por la mía propia, no pude evitar la sensación ya con las primeras notas de que Schubert es... otra cosa. De la melancólica Auf der Donau a la brillante Im Walde, pasando por la serena Der Einsame y, sobre todo, la imponente Prometheus. Espléndido.

Dos propinas, An den Mond in einer Herbstnacht (con la que los intérpretes buscaron algo de frescor que aliviara el calor que hacía en el auditorio) y una nueva serenata, esta vez de Brahms, cerraron la velada. Una vez más, el tándem Keenlyside-Martineau nos había regalado un estupendo recital. Una vez más, gracias.

fdo. Elvira

Crónicas de funciones: Der Rosenkavalier, 19/07/11

2011-07-24T00:08:00.000-07:00

El Caballero de la Rosa es una de las óperas que menos me gustan de Strauss, a pesar de que la Mariscala sea uno de mis personajes favoritos. Entre escenas de gran belleza, encuentro numerosos pasajes reiterativos y tediosos. Bien, la representación del pasado martes en Munich ha resultado ser una de los mejores Caballeros que haya escuchado en vivo.

Empezando por la escena clásica, clasiquísima, de Otto Schenk (1972), preciosista y absolutamente dieciochesca. Luminosa y llena de detalles para disfrutar recorriendo el escenario con la vista. Es tan vistosa que en la apertura del telón en el segundo acto (casa de Faninal) el público rompió a aplaudir espontáneamente. Vestuario a cargo de Jürgen Rose, a juego con la escena, lógicamente, bellísimo y lujoso, a base de sedas y encajes que lucían imponentes aún desde el segundo piso del teatro.

En el foso, además de la siempre solvente Orquesta Estatal de Baviera, estaba el director Constantin Trinks, que ofreció una lectura de la partitura poco lírica para mi gusto, además de soltar la rienda de la orquesta demasiado en ocasiones, con las dificultades que eso supuso para que los cantantes pudieran atravesar el espeso muro sonoro de Strauss.

Vocalmente, la noche fue una fiesta. En el papel de la Mariscala debutaba Anja Harteros, soprano un poco irregular que cumplió con creces. No será la mejor Mariscala que yo haya escuchado (en directo, el premio se lo lleva Martina Serafin) pero sonó elegante y timbrada, tal vez un poco plana en el aspecto interpretativo, aun consiguiendo transmitir la serena melancolía del personaje. A su lado estaba la gran mezzo Sophie Koch como Octavian, prodigiosa. Ofreció todos los matices posibles en una línea de canto absolutamente impecable. Una maravilla, también escénicamente. La tercera voz femenina era la de Sophie, Lucy Crowe, una joven soprano de voz angelical que daba perfectamente el tono del personaje, aunque todavía tiene que desarrollarse mucho para afrontar otros papeles. Sin embargo, su timbre delicado resultaba muy adecuado para la joven Sophie.

Peter Rose era el barón Ochs. De presencia rotunda, exhibió un canto sin complejos, bien proyectado y muy cómico. Muy acertado también Martin Gantner como Faninal, una pena que su papel sea tan limitado, porque posee una voz muy noble. El resto de los numerosos cantantes en escena también resultaron notables. A destacar especialmente Ingrid Kaiserfeld como la intrigante Marianne y Piotr Beczala como el cantante italiano, que pasó bastantes apuros en los endemoniados agudos de su bellísima aria. En resumen, una representación muy bien conseguida tanto a nivel escénico como, primordialmente, musical.

Enlace con imágenes de la producción.

fdo. Alicia Cano

Crónicas de funciones: Rusalka, 18/07/11

2011-07-23T23:56:00.000-07:00

Si la historia de la desdichada ondina que quiere ser humana siempre me ha parecido muy triste, con la producción de Martin Kusej para la Ópera Nacional de Munich, Rusalka no es triste, es desoladora. Kusej transforma el cuento de hadas en una narración sobre abusos sexuales y mentes perturbadas, donde el Espíritu del Agua es un secuestrador y violador de niñas (inspirado, por cierto, en los casos reales de Natasha Kampusch y Josef Fritzl), que mantiene a las "ninfas" en un húmedo sótano con la complicidad de Jezibaba, su alcoholizada esposa. Cuando Rusalka consigue escapar de ese sórdido ambiente la espera el mundo real, donde solo logra encontrar una depravación parecida, para acabar en un psiquiátrico completamente trastornada. La dirección de Kusej no deja ni un resquicio de esperanza, y lo más sorprendente de su propuesta es cómo encaja a la perfección tanto con los personajes como con el libreto, aunque en esta versión frases como "corramos, hermanas, que si el Señor de las Aguas nos atrapa tendremos que darle un beso" toman un sentido un tanto escalofriante. Como siempre, una torsión del cuento original como esta puede desagradar a algunos y entusiasmará a otros. Yo solo puedo decir que es profundamente fiel a la esencia de la historia a pesar de los cambios y que es honesta, llena de estudiados detalles y al servicio de los cantantes. En mi opinión, una de las mejores producciones que haya visto en teatro.

Musicalmente, la noche también brilló a notable altura. La Orquesta Estatal de Baviera sonó, como siempre, estupendamente. Bajo la batuta de Tomas Hanus la partitura de Dvorak cobra un lirismo exacerbado, una intensidad que puede resultar excesiva a los que están acostumbrados a lecturas más sobrias.

Vocalmente, la estrella, la protagonista y la triunfadora de la noche fue la joven soprano Kristine Opolais. Solo se puede decir que ella es Rusalka. Después de ver su conmovedora e intachable interpretación en Munich costará escuchar a otra cantante en el papel. Brillando en el agudo, se queda un poco corta por abajo, pero consigue transmitir tanto con su bellísima voz y su arrolladora presencia en el escenario que resulta hipnótica. Con un personaje y una interpretación como la de Opolais es fácil que el resto de cantantes queden en un segundo plano. Empezaría destacando el Príncipe de Piotr Beczala, un tenor con un bello timbre muy apropiado para el papel, aunque pasó algún apuro en el agudo en ciertos momentos, en general resultó una soberbia interpretación, especialmente la escena final con Rusalka y la muerte, con una media voz prodigiosa. Notable también Alan Held como el Espíritu del Agua, aunque su voz un tanto mate desmerece un poco la maravillosa partitura de bajo.Correcta Janine Baechle. Poco más se puede decir de ella, ya que cumplió pero sin destacar especialmente. En cuanto a Nadia Krasteva, que cantaba el breve pero intenso papel de La Princesa Extranjera, fue vocalmente lo más flojo de la noche. Su voz de mezzo pura no puede con las exigencias de la princesa, y resultó bastante tosca y forzada en el agudo (recientemente pude escucharla como Éboli en Berlín y no hay comparación). Los comprimarios (Evgeniya Sotnijova, Angela Brower y Okka von der Damerau como las ninfas, Ulrich Ress como el cazador y Tara Erraught como el chico) cumplieron. El público disfrutó muchísimo, en cualquier caso, y las ovaciones finales se alargaron por varios minutos, levantándose el telón en numerosas ocasiones. Una grande, grandísima, noche de ópera.

Enlace con imágenes de la producción.

fdo. Alicia Cano

Crónicas de funciones: Don Giovanni, Munich, 17/07/11

2011-07-23T03:07:00.000-07:00

Hay propuestas escénicas innovadoras, provocadoras y sin embargo interesantes. Y hay otras que encajan en las dos primeras categorías pero fallan estrepitosamente en la tercera. La visión de Don Giovanni ideada por Stephan Kimmig para la Ópera Nacional de Baviera que hemos visto en Munich esta temporada es del segundo grupo. Elementos gratuitos (el anciano que aparece en escena en varias ocasiones), incongruencias (un protagonista nihilista y salvaje en el primer acto convertido en un simpático amo de casa en el segundo), detalles traidores al libreto (Don Giovanni cantando la serenata a Donna Elvira)… nada que empañara la maravillosa música de Mozart, en cualquier caso, pero el mensaje que apetece lanzar al señor Kimmig es “si no puedes mejorarla, déjalo estar”.

Dejando caer la producción, pues, en un benévolo olvido, he de destacar como la protagonista de la noche a la orquesta magistralmente dirigida por Constantinos Carydis. Pocas veces he oído tanta expresividad, tantos detalles sonoros saliendo del foso. Unos tempi completamente adecuados a lo que pasaba en escena, unos pianissimi increíbles, unas pausas llenas de dramatismo, una dirección que acariciaba la partitura… Vocalmente, sin embargo, la noche fue irregular. En el sector sobresaliente, una vez más, Gerald Finley como protagonista. A estas alturas de su carrera Finley tiene el papel tan interiorizado que parece cantar sin esfuerzo. Matizando como nos tiene acostumbrados, no se le puede poner un pero.

Alex Esposito cantaba Leporello. Con una voz grande y bien proyectada, su timbre un tanto tosco pone un contrapunto adecuado con la delicadeza de la voz de Finley. Buen actor, podría objetarse que cargara demasiado las tintas en el histrionismo del personaje. Se llevó la gran ovación de la noche.

De las tres damas hay que darle la mejor nota a Laura Tatulescu como Zerlina. Muy musical, con una línea de canto elegante y un timbre homogéneo, apetece escucharla de nuevo a ver cómo evoluciona. Véronique Gens no estuvo acertada en el primer acto, con unos agudos estentóreos e incapaz de regular las dinámicas. Mejoró bastante en el segundo, marcándose un Mi tradi l’alma ingrata notable. Sin embargo en conjunto fue una Donna Elvira algo decepcionante.

También irregular Erin Wall como Donna Anna, aunque en media mejor que Gens y especialmente maravillosa en su aria del segundo acto, demostrando notable poderío vocal. Solvente Phillip Ens como el comendador en su pequeño papel. Y dejo para el final lo peor de la velada: Levente Molnár como Masetto, completamente fuera de estilo, intentando suplir su falta de recursos vocales con exagerados movimientos escénicos y Joseph Kaiser como Don Ottavio. Tal vez tuviera una mala noche, tal vez el papel sobrepasa su capacidad vocal, pero fue incapaz de llevar a buen puerto un papel tan extraordinario, musicalmente hablando, como el que Mozart escribió para el tenor. Especialmente difícil fue su subida al agudo, donde desafinó notablemente, tanto que incluso recibió varios abucheos tras su segunda aria.

Una representación con luces y sombras, por tanto, disfrutable, pero que, con un reparto más homogéneo, se habría convertido en inolvidable.

Enlace con imágenes de la producción.

fdo. Alicia Cano

El ciclo de recitales en los medios de comunicación

2011-07-02T10:45:00.000-07:00

Durante estas semanas la Asociación trabajó en la difusión del ciclo de recitales, con el consiguiente eco en los medios de prensa locales. A continuación os ofrecemos algunos recortes de prensa y enlaces a noticias que se hacen eco de nuestros recitales:

El Periódico de Aragón - Anuncio del recital

Heraldo de Aragón - Anuncio del recital

Heraldo de Aragón - Antón Castro entrevista a Hevila Cardeña y Marco Moncloa

El Periódico de Aragón - Breve nota de Javier Ares sobre la ópera en Aragón

Revista Ritmo - Breve nota sobre el ciclo de recitales

Heraldo de Aragón - Crónica del recital

Crónicas de funciones: recital de zarzuela, Teatro Principal, 28 de junio de 2011

2011-07-02T10:25:00.000-07:00

La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta cerró el pasado martes 28 de junio su primer ciclo de recitales, con la actuación de la soprano Hevila Cardeña y el barítono Marco Moncloa, acompañados ambos al piano por Mikhail Studyenov. Ofrecieron un programa dedicado íntegramente a la zarzuela, con fragmentos de "La de manojo de rosas", "Bohemios", "La canción del olvido", "Luisa "Fernanda", "El guitarrico", "El puñao de rosas", "Don Gil de Alcalá", "El cabo primero", "El maestro Campanone" y "El barberillo de Lavapiés". Con un teatro más lleno de público que en la anterior velada, el recital fue de menos a más, desde un titubeante inicio con "La del manojo de rosas", hasta una segunda parte de altura. Las voces calentaron rápido, hacían buen maridaje, tanto por color vocal como por desempeño escénico, y ofrecieron un recital ciertamente notable, intercalando piezas más infrecuentes con fragmentos más populares. El acompañamiento de M. Studyenov estuvo a la altura durante todo el recital.

Ofrecieron ambos cantantes un bis, en respuesta a la calurosa ovación recibida al concluir el programa previsto: se trató de un arreglo preparado por la propia madre de Marco Moncloa, Dolores Marco, en sus días maestra de canto, que combinaba el dúo de "La verbena de la Paloma" con partes de "La revoltosa". Acertado cierre para una velada de zarzuela que concluyó con un nivel musical notable, con una digna asistencia de público y con la sensación, por parte de la Asociación, de que su proyecto tiene sentido, tiene público, ha acertado con el espacio escénico para desempeñarse, y en suma, avanza sobre seguro. Lentos, pero seguros, y siempre atentos a un compromiso ineludible con la calidad artística de las propuestas que ofrezcamos.

La Asociación ha dedicado muchas horas de esfuerzo a preparar este ciclo de recitales. Desde este blog queremos agradecer a los artistas que han colaborado su generosidad y su cercanía. Sin su compromiso con este proyecto hubiera sido todavía más difícil ofrecer proseguir con nuestra labor. Gracias también a los socios que han creído en nuestro proyecto y al público que decidió acompañarnos en este estreno como programadores de conciertos.

fdo. Alejandro Martínez Rodríguez

* * *

La zarzuela tiene su público en Zaragoza y así lo demostró al acercarse al Teatro Principal donde tenía lugar el segundo recital de la Asociación Aragonesa de la Ópera. Un recital, que acompañado al piano por Mikhail Studyenov, iban a protagonizar el barítono Marco Moncloa y la soprano Hevila Cardeña.

El programa presentado fue un compendio de romanzas y dúos conocidos por los melómanos, pero también por otras piezas musicales que no suelen ser habituales ni en recitales ni en representaciones. De las primeras, "La de manojo de rosas", "Bohemios", "La canción del olvido" y "Luisa "Fernanda". De las segundas, "El guitarrico", "El puñao de rosas", "Don Gil de Alcalá", "El cabo primero", "El maestro Campanone" y "El barberillo de Lavapiés". Los cantantes remataron la velada con los celebérrimos dúos de "La Revoltosa" y "La verbena de la Paloma".

Moncloa, un buen barítono dominador de las notas en el registro central y bajo fue el protagonista de la velada sobre todo en las piezas solistas de "El guitarrico", "Luisa Fernanda" con la romanza "los vareadores" y "La canción del olvido", destacando, sobre todo por su dote actoral en "El maestro Campanone". De buena dicción y soltura triunfó asimismo en los dúos protagonizados con la soprano. Tal vez, excpeto el primer dúo -y primera pieza del recital- donde se mostraron tal vez algo fríos, fue un programa interpretado de menos a más.

La soprano Hevila, a la que a su canto le acompañaba una esbelta figura y a la que dotó con dos espectaculares trajes- mantón de manila incluido-, es una soprano ligera con un importante centro y algo más apurada en la zonas altas. Y aunque su dicción no era tan perfecta como el de su acompañante su línea de canto fue de gran belleza sobre todo en la plegaria de "Don Gil".

Ambos entregados, cantando con acentos costumbristas de madrileñismo o de andaluz, redondearon con gracejo el dúo de Paloma y Lamparilla. Fueron acompañados discretamente por Studyenov.

El público braveo a lo largo del recital y la sonrisa de todos fue constante en el Teatro.

fdo. johnny guitar

Segundo recital - Zarzuela, 28 de junio

2011-06-21T03:36:00.000-07:00

Queridos amigos, os recordamos que el segundo recital de nuestro primer ciclo como Asociación tendrá lugar el próximo martes 28 de junio, a las 20,30 horas, en el Teatro Principal de Zaragoza.

Su programa está íntegramente dedicado a la Zarzuela, y correrá a cargo del barítono Marco Moncloa y la soprano Hévila Cardeña, acompañados al piano por Mikhail Studyenov.

Interpretarán piezas de Sorozábal, Vives, Soriano, Penella, Serrano, Moreno Torroba, Chapí, Fernández Caballero, Lleó y Barbieri.

Como en la anterior ocasión, las entradas están a la venta en las taquillas del Teatro Principal de Zaragoza y asimismo a través del sistema caitickets.cai.es. Los socios y los amigos del teatro disponen de descuentos especiales si adquieren sus entradas en las taquillas del teatro.

Esperamos contar con vuestra asistencia. Es importante para que la Asociación pueda plantearse repetir este ciclo de recitales en el próximo otoño-invierno. Si apostáis por la lírica en Aragón, acompañadnos en esta cita.

Crónicas de funciones: El Cazador Futivo, Liceo, 20 y 21 de mayo, 2011

2011-05-25T08:24:00.000-07:00

Der Freischütz. 21 de mayo.- primer reparto

Teatro del Liceo

Muchas veces se ha discutido, se discute y se discutirá sobre el valor de la dramaturgia en la ópera. A mi me parece que la ópera es dramaturgia hasta cuando la oyes en disco, es teatro musical y cuando oigo óperas que no he visto nunca representadas me imagino como serían sobre un escenario. La escena tiene una importancia esencial que se equilibra perfectamente con el canto y la música. Pero si quien decide (tanto musical como escénicamente) se olvida de ese equilibrio, el espectáculo se va al traste.

Viene este espiche a cuenta de la representación de ayer de El cazador furtivo. No voy pormenorizar como fue la escenografía, ya se ha comentado por aquí. Solamente quería constatar la impresión de hastío que me produjo la dirección de escena. Tuvo aciertos, sí. Pero me quedó la sensación de "vamos a hacer lo que nos de la gana en nombre del arte". Ya sé que el director justificará de mil maneras sus decisiones, que dará un sentido a todo lo que hizo, pero eso no le librará que yo piense que no sabe hacer su trabajo y que no conoce la ópera en absoluto. Es una opinión claro, pero tan respetable como su propuesta fallida.

Y a mi me dio por pensar ayer (para no aburrirme, principalmente, en el teatro). Y ¿qué pensaba? Pues qué criterios tendrá una dirección artística de un teatro para contratar a un cantante u otro. ¿Su calidad contrastada en varias audiciones del papel si lo ha estrenado o en pruebas si es la primera vez? ¿En que hizo hace x años un papel similar y lo bordó? ¿En que hay que contratar a quien ahora lo tiene en repertorio aunque no lo haga especialmente bien? ¿O habrá que pagar favores a agentes u otros elementos? No tengo ni idea. Pero lo de anoche fue para pensar que se ha hecho un Cazador por hacerlo, sin cantantes que den la talla (excepto con Salminen) para un teatro que quiere ser de primera como el Liceo. Fue todo bastante vulgar (no despectivamente si no por lo poco excepcional de todo). Ventris, bueno, voz bonita y poco más que me inspire a viajar para volver a verlo. Schnitzer, vamos, más sosa no se puede estar, y hay gente que se dice aficionada a la ópera y va a Barcelona a verla y no va en Zaragoza a ver a Eugenia Enguita, de traca. Dohmen como es él, ni mejor ni peor que otras veces y Salminen breve pero esquisito. El coro bien. Director y orquesta rutinarios.

En resumen, me aburrí. El Cazador me gusta, no lo destrozaron (aunque Konwitschny lo intentó) pero tampoco hicieron nada para que pasara a la historia. Un negativo para el Liceo (aún le queda algún positivo del Parsifal).

fdo. Stiffelio

Der Freischütz. 20 de mayo.- segundo reparto

Teatro del Liceo

Finalizada la velada operística de El cazador furtivo, unos espectadores señalaron con rotundidad "que aburrimiento de ópera". Evidentemente, mezclaban la representación que habían contemplado (escena de Peter Konwitschny) con la extraordinaria partitura de Weber (libreto de Johan F. Kind) y unos cantantes que no les atraparon. Este resumen se podría generalizar pero, con matices.

Una dirección escénica pobre, desangelada, perdida -incluso en las escenas de "la garganta del lobo"- y muy desaprovechada. Más próxima de una velada en concierto que una representación al uso, y sobre todo muy mal planteada por el regista. No funcionó. A ello habría que sumar el catalán utilizado en determinadas partes de este singspiel, en alemán, habladas por Alex Brendemühl (en el rol del diabólico Samiel).

Una orquesta que sonó con un buen nivel -mejor de lo esperado dadas las críticas que acusa- pero con problemas sobre todo en los metales; y El cazador... sin metales, es... Al menos, el coro superó en calidad a la agrupación musical del Liceo.

De los solistas de este segundo reparto destacaron las voces de Lars Woldt (Kaspar) y la española Elena de la Merced (Ánnchen). Ambos fueron quienes recibieron las mayores ovaciones. Papeles bien cantados, con profundidad y correctamente interpretados, sobre todo el de la soprano. Frente a ellos la protagonista Bettina Jensen (Agathe), correcta, timbrada pero sin emocionar y Lance Ryan (Max) con potente voz pero con un molesto y acusado vibrato. El resto correcto, destacando también en el brevísimo papel de Friedemann Röhling (Eremita) y Manel Esteve (Lilian).

fdo. johnny guitar

Crónicas de funciones: recital Eugenia Enguita, Teatro Principal Zaragoza, 18/05/11

2011-05-19T12:40:00.000-07:00

Ayer, miércoles 18 de mayo, tuvo lugar el primer recital de la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta, a cargo de Eugenia Enguita, soprano, y Jorge Robaina, con un programa dedicado a Mozart, Debussy, Strauss, Händel y Rossini.

Desde el principo la voz corrió fácil, sonó tersa y homogénea, ha ganado cuerpo y entidad en el registro central, y por el momento sin perder lucidez y desahogo en el registro sobreagudo. La voz de Enguita es ahora la de una lírica con sobreagudos y no tanto la de una lírica ligera al uso. Es momento ahora, dada la evolución de su instrumento, de incorporar roles mozartianos más líricos y papeles titulares de belcanto.

La primera parte, con canciones de Mozart, Debussy y Strauss, fue a un tiempo ocasión para el calentamiento vocal y momento de lucimiento para un canto recogido, atento al texto, delicado y poético. La versatilidad de Enguita se pudo comprobar al resolver con idéntica destreza los ensoñadores temas de Debussy y las encendidas páginas de Strauss. Todo un acierto la elección de estas piezas para componer una primera parte llena de pequeños detalles y complicidades.

La segunda parte nos trajó ya un canto spianato alternado con una partitura de coloratura, ya fuera en Händel (Alcina), Mozart (Mitridate) o en Rossini (Il viaggio a Reims). Fue aquí donde Enguita desplegó su virtuosismo con la coloratura (deslumbrante en las páginas de Mitridate) y donde terminó por cautivar a un público entregado, que disfrutó sobremanera del hemoso programa y del estado vocal de Enguita. Una leve fatiga vocal se acusó en la resolución de las notas más graves de la página rossiniana, pero fue un desgaste anecdótico. La soprano se despidió con un bis, una canción de García-Abril estrenada por ella misma hace algunos años.

En resumen: una delicia de recital, tanto por el programa como, sobre todo, por la homogénea, intensa y cuidada resolución técnica y musical de Eugenia Enguita. La voz se encuentra en un momento envidiable. Ojalá encuentre los papeles y los teatros que se merece.

El acompañamiento de Jorge Robaina fue un lujo. Es Robaina un pianista con largo recorrido y evidente experiencia, y mimó de cerca a Enguita, sin forzar los tiempos, favoreciendo los detalles, las dinámicas. Un acompañamiento de excepción, en suma. Ojalá Robaina vuelva por nuestra ciudad para disfrutar también de su valía en el repertorio para piano solista y junto a orquesta sinfónica.

La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta ha dado así su primer paso programando música. Tras mucho esfuerzo, con contratiempos abundantes, pero con ilusión y con convencimiento, ha sido esta la primera piedra de un proyecto que tiene futuro. Queda ahora pendiente la tarea de atraer a más espectadores, seducir a más instituciones públicas y privadas, obtener el apoyo de los medios de comunicación locales, y con ello, antes o después, podremos pensar en un hueco cultural para la ópera en nuestra ciudad.

Esto es sólo el comienzo, pero ha sido un gran comienzo.

fdo. Spinoza

Aquí puede escucharse el recital, grabado desde el interior del teatro y, por tanto, con un sonido mejorable:

Entrevista con Eugenia Enguita - Heraldo de Aragón

2011-05-17T00:57:00.000-07:00

Antón Castro entrevista hoy a Eugenia Enguita, nuestra soprano, en las páginas de cultura de Heraldo de Aragón.

Aquí podéis descargar la entrevista.

Mañana, nuestro primer recital.

2011-05-16T23:51:00.001-07:00

Queridos amigos, mañana, miércoles 18 de mayo, tendrá lugar el primer recital organizado por la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta. Será a las 20,30 horas, en el Teatro Principal de Zaragoza, y correrá a cargo de Eugenia Enguita (soprano) y Jorge Robaina (piano).

Os esperamos a todos. Necesitamos vuestro apoyo y contamos con vuestra presencia. ¡No faltéis!

Entradas a la venta en taquillas del Teatro Principal y en caitickets.cai.es

Crónicas de funciones: Lucia di Lammermoor, ABAO, 14/05/11

2011-05-15T09:20:00.000-07:00

Breves palabras sobre el estreno, ayer, de las funciones de Lucia di Lammermoor con las que la ABAO concluye la función. En general, un nivel global altísimo. De lo mejor que yo he presenciado en el Euskalduna, sin duda.

Damrau es una cantante de 9, capaz de hacer cosas de 10, pero quizá pelín sobrevalorada por efecto de su dimensión mediática. De ahí que algunos quizá esperasen escuchar algo sobrenatural y no, no se escuchó nada sobrenatural. Se escuchó a una soprano con unos medios privilegadísimos, cada vez menos ligera y más lírica, con un sobreagudo que abajo y de cerca se escuchaba con nitidez pero que quizá no llenaba la sala. Pero es una voz homogénea, con los extremos desahogados, con presencia, que corre, etc. El "Verrano a te" y la escena de la locura compensaron una función que comenzó reservando medios y entrega dramática. Pero fue a más, a más, y la escena de la locura fue, como su nombre indica, de locura. De babear con la boca abierta, vaya. Yo quedé muy contento con su Lucia. Desde luego cualquier comparación con Netrebko está fuera de lugar, porque Damrau no sólo "huele" el belcanto sino que tiene los medios para sacarlo adelante. La comparación, en este momento, estaría con lo que todavía pueda hacer Dessay, con lo que esté haciendo Mosuc y con lo que algunas ligeras menos renombradas pero más jóvenes puedan estar haciendo con destreza por ahí. Resumiendo: pedazo de Lucia. No se escucha una Lucia tan bien resuelta todo los días.

M. Fabiano fue la revelación de la noche. La voz es grande, corre, es homogénea, es el instrumento de un lírico pleno, y yo diría que puede moverse con facilidad por estos roles belcantistas y por algún Verdi como Alfredo, etc. El timbre es un pelín áfono, arriba es mejorable la resolución. Llega, y a veces llega muy bien, pero hay alguna tensión, falta enmascarar algún sonido. Pero bueno, es un cantante joven y eso lo limará, sin duda. La voz está ahí y es muy buena. Pero sobre todo hay un cantante entregado, comprometido, sin excesos, con estilo, con un fraseo de primera, con una dicción dignísima para ser un cantante norteamericano. Realmente encarnó a Edgardo desde su primera entrada hasta sus últimas frases a los pies del cadaver de Lucia. Un cantante que nos hizo vibrar con él de principio a fin y que se llevó una sonada ovación (de las más entregadas que yo he escuchado en el Euskalduna).

Pero el que estuvo de matrícula, pluscuamperfecto, fue Tezier. Qué delicia, madre mía. Voz plena, qué fraseo, qué atención a la partitura, dando todas esas notas pequeñas que muchos se pasan por alto, desahogado arriba, gustándose, con una presencia escénica apabullante. Joer... un gustazo escucharle cada vez que abría la boca. Además hizo un Enrico malo, malote, pero sin ademanes veristoides, cantando con una clase y un empaque de primera. Un crack.

Órfila: repito lo dicho sobre su Enrico en la Bolena del Liceo. No es un bajo, la emisión es bastante ventrílocua, los sonidos muy rebuscados para mi gusto. Consigue epatar, sí, y el fraseo es bueno, sí, pero la artificialidad de la emisión me hace muy cuesta arriba disfrutar de sus intervenciones. En todo caso, hizo un trabajo loable y así se lo reconoció el público.

Bravísima la Sinfónica de Navarra y la dirección briosa, lírica y atenta a las voces de Montanaro (un tipo a seguir).

Añado que el Sexteto y el dúo entre Tezier y Damrau fueron de lo mejorcito de al noche. Momentazos.

Conclusión: 1. disfruté como un niño; y 2. Lucia es un operón como la copa de un pino.

fdo. Spinoza

Entrevista en Aragón Radio

2011-05-09T23:58:00.001-07:00

El pasado domingo Juan Carlos Galtier entrevistó a nuestro presidente Alejandro Martínez, en el programa El Auditorio, de Aragón Radio. Hablaron de la lírica en general y de su situación en nuestra comunidad, en particular, haciendo especial hincapié en nuestra Asociación y en el ciclo de recitales previsto para mayo y junio.

Haciendo click aquí puede descargarse el audio con la entrevista.

Día Internacional de la Ópera

2011-05-08T01:20:00.000-07:00

Hoy, domingo 8 de mayo, es el Día Internacional de la Ópera.

¿Se os ocurre mejor forma de celebrarlo que apoyar a la ópera en nuestra tierra con vuestra asistencia al primer recital de la Asociación, el próximo miércoles 18 de mayo, a cargo de Eugenia Enguita?

¡Os esperamos a todos allí!

Recordad: entradas a la venta en taquillas del Teatro Principal y en caitickets.cai.es

Rueda de prensa para difundir nuestro ciclo de recitales

2011-05-06T08:47:00.001-07:00

En la mañana de hoy la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta ha ofrecido una rueda de prensa en el Teatro Principal de Zaragoza para difundir a los medios de comunicación el ciclo de dos recitales que hemos organizado para mayo y junio.

Confiamos en que la repercusión en los medios nos ayude, poco a poco, a ser más conocidos entre los aficionados de nuestra comunidad, aumentando con ello nuestro número de socios, y, sobre todo, a atraer a más aficionados a los recitales previstos para el 18 de mayo y el 28 de junio.

Repercusión en varios medios:

Heraldo de Aragón

ABC

Aragón Digital

Audio de la quinta conferencia del ciclo dedicado a Mozart.

2011-04-29T03:13:00.000-07:00

Ayer concluyó el ciclo de conferencias dedicado a Mozart, con la charla de Jesús Aguado sobre Così fan tute. Gracias a los que nos acompañaron ayer y, en general, a todos los que nos han seguido durante este ciclo. Para quienes no pudieron acudir ayer, aquí está el audio de la conferencia:

Esperamos continuar esta labor de difusión y divulgación de la ópera con nuevos ciclos de conferencias en otoño. Mientras tanto, os recordamos que nuestras próximas citas tendrán lugar en el Teatro Principal de Zaragoza, con los dos recitales que hemos programado. Os esperamos en mayo y junio.

Ciclo de recitales líricos - Mayo y Junio - Teatro Principal

2011-04-26T11:01:00.000-07:00

Queridos amigos, desde la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta hemos querido completar nuestras labores de difusión y divulgación con la programación de un primer ciclo de dos recitales. Son el resultado de mucho esfuerzo y dedicación y esperamos tener vuestra respuesta y apoyo en estas dos actividades. Este es el primer paso para futuras actividades líricas ligadas a nuestra Asociación.

El primer recital, que tendrá lugar el 18 de mayo, tendrá por protagonista a la soprano Eugenia Enguita, acompañada al piano por Jorge Robaina. Interpretarán un programa compuesto por obras de Mozart, Debussy, Strauss, Händel y Rossini.

El segundo recital, el 28 de junio, traerá a un dúo compuesto por el barítono Marco Moncloa y la soprano Hévila Cardeña. Ambos interpretarán un programa íntegramente dedicado a la zarzuela, con composiciones de Sorozábal, Vives, Pérez Soriano, Penella, Moreno Torroba, Serrano, Chapí, Fernández Caballero y Barbieri.

Las entradas, con precios entre 22 y 5 euros, están ya a la venta y pueden adquirirse en las taquillas del Teatro Principal y en caitickets.cai.es.

Los socios de nuestra Asociación se benefician de un descuento del 50% (deberán adquirir para ello sus localidades en taquillas del Teatro Principal). Los Amigos del Teatro disponen asimismo de bonificaciones en taquilla. Hemos establecido también un abono general para ambos conciertos, del que puede beneficiarse cualquier aficionado, sea o no socio. Dicho abono está igualmente bonificado para socios y para amigos del teatro, como corresponda.

Aquí podéis descargar el díptico elaborado para la difusión de este ciclo de recitales.

Y aquí los carteles elaborados con el mismo fin.

Reiterando el esfuerzo y la ilusión con la que se han programado estos recitales, y confiando en contar con vuestro apoyo y compañía en estas dos citas, recibid un muy cordial saludo.

Ciclo de conferencias: "Las óperas de Mozart. Un acercamiento". Quinta cita: "Cosí fan tutte", 28/04/11

2011-04-24T00:56:00.001-07:00

Os recordamos que el próximo jueves día 28 de abril tendrá lugar la quinta conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento, dedicada en este caso a Così fan tutte y que correrá a cargo de Jesús Aguado.

La charla tendrá lugar en el espacio habitual, la sala de conferencias del Museo Camón Aznar de Zaragoza (Ibercaja), a las 19 horas. La entrada es gratuita y estáis todos invitados.

Con esta conferencia concluye el ciclo monográfico que hemos dedicado a Mozart.

Os esperamos a todos el jueves.

Crónicas de funciones: Pelléas et Mélisande, Barbican, Londres, 19/04/11

2011-04-23T09:00:00.000-07:00

El Barbican de Londres y el Teatro de los Campos Elíseos de París reunieron en tres conciertos a la Orquesta de París y a un reparto de ensueño para representar Pelléas et Mélisande en versión concierto. Esta crónica corresponde a la única de esas tres representaciones que tuvo lugar en Londres, el pasado martes, en el Barbican.

Comienzo por lo más admirable de la noche: la lectura de la partitura por L. Langrée y la prestación de la Orquesta de París. Simplemente referencial. Una delicia de principio a fin. Matices mil, tiempos cuidadísimos. Junto al compromiso dramático del reparto, batuta y orquesta consiguieron que la ausencia de puesta en escena no se echase de menos en ningún momento. Una delicia, insisto.

El rol titular recaía en manos de Simon Keenlyside. Y hay que decir que el rol le va ciertamente bien. Vocalmente no es un papel demasiado largo, así que las esforzadas subidas al agudo las pudo acometer sin fatiga, recreándose además con abundantes medias voces y con un fraseo delicadísimo. Su dicción francesa es impecable y el contraste tímbrico con el Golaud de Naouri resultó ejemplar. Un Pelléas irreprochable, en resumen.

Natalie Dessay dejó en casa todo histrionismo, toda posibilidad de exceso, y ofreció una Mélisande delicadísima, frágil, sutil, casi etérea. El timbre ha ganado consistencia en el centro, ofreciendo ahora más cuerpo y lirismo y por tanto un fraseo más acariciador y menos gutural que en los tiempos en que su voz deslumbraba sobre todo en las alturas. Dramáticamente, ya digo, un ejemplo de contención y delicadeza. Estupenda.

L. Naouri quizá diría que fue el mejor cantante de la noche. Vocalmente pletórico, recrea un Golaud admirable, con una evolución psicológica impresionante, con un nivel de matización vocal apabullante y con una intensidad dramática digna de admiración. Una auténtica maravilla, en conjunto. Es una suerte su presencia con este rol en las futuras representaciones de Pelléas en el Teatro Real y en el Liceo.

Impecabe la Geneviève de Lemieux. Una voz que está en su mejor momento y que conviene seguir de cerca.

El Arkel de A. Vernhes también sorprendió para bien. Es Vernhes un cantante ya mayor, quizá en retirada incluso, y ciertamente no demasiado conocido, pero supo cumplir con una partitura exigente, con largos declamados, con una orquestación un tanto pesada en su caso, y compuso así un Arkel humanísimo y vocalmente gastado, sí, pero nunca incapaz de cumplir con la partitura. Muy decente, pues.

Por último, correctísimos K. Gadelia como Yniold y N. Di Pierro como el Doctor. Y en conjunto, pues, una representación en concierto de Pelléas y Mélisande muy próxima a la perfección. A día de hoy cuesta imaginar un reparto más apropiado y una lectura orquestal más idiomática. Fue una delicia de velada. Y Pelléas es una ópera enorme, enorme...

Ah, anécdota del día: a la hora de los saludos, llegaron los dos habituales acomodadores con sendos ramos de flores para Dessay y Lemieux, y entonces Naouri se adelantó a uno de ellos y le arrebató el que era para su mujer, Natalie. Se arrodilló ante ésta, se lo entregó con teatralidad y toda la orquesta en pie entonó un inesperado "cumpleños feliz". Natalie como loca, dando saltitos. Genial, simplemente genial el momentazo.

fdo. Spinoza

Crónicas de funciones: Diálogos de Carmelitas, Viena, 18/04/11

2011-04-23T03:32:00.000-07:00

Diálogos de Carmelitas, de Poulenc, es una obra ante la que no cabe la apatía. Es imposible que una representación de Diálogos no conmueva al espectador. Si además la puesta en escena le saca a la obra todo el partido imaginable. Y si a eso se añade un reparto irreprochable, la función resulta finalmente casi un sueño hecho realidad.

Y así fue en el caso de estos Diálogos de Carmelitas vistos en el Theater an der Wien, el pequeño teatro de la capital austríaca, cada vez más atractivo por sus programaciones. La puesta de Carsen, ante la que sólo cabe decir "Hay que verla", y el reparto presidido por P. Petibon y D. Polaski, recrearon así una representación prácticamente ideal. A ello se sumó una lista de secundarios y comprimarios más que dignos y cumplidores, con alguna grata sorpresa, como Yann Beuron, un lírico de hermosísima voz (será Pelleas el año próximo en el Real), Heidi Brunner, la intérprete de Madame de Croissy, o Michelle Breedt, la intérprete de Madame Lidoine. Es admirable la calidad general de los secundarios en estos teatros centroeuropeos. Petibon y Polaski estuvieron maravillosas.

Desde el foso fue impecable la lectura de B. de Billy, llena de fuerza y de lirismo. Sensacional el trabajo de la ORF Radio-Symphonieorchester Wien. Magníficos.

Ante una representación tan redonda, tan próxima a la perfección, no caben valoraciones más concretas, creo, al modo habitual. Sí diré que la escena final fue sobrecogedora y que salí del teatro con el corazón en un puño. Creo que ese es el mejor resumen posible de la función.

Como anécdota, un error técnico obligó a parar la representación en la transición del segundo al tercer cuadro, durante el primer acto. Imagino que algún telón atascado o similar. No tuvo mayor relevancia.

En resumen: una noche inolvidable.

Crónicas de funciones: La Juive, Zurich, 17/04/11

2011-04-23T03:06:00.000-07:00

Crónica de la representación de La Juive de Halévy, en Zurich, el pasado domingo 17 de abril:

El gran atractivo del reparto, todavía a estas alturas de su carrera, radicaba en la presencia de N. Shicoff, el último gran Eleazar, después del ya clásico Richard Tucker. Shicoff ha paseado este rol durante casi tres décadas por los escenarios de medio mundo. Y no es para menos. Su estado vocal es sorprendente, porque carece ya de un grave solvente y el centro se antoja un tanto desguarnecido, pero el tercio agudo de su emisión está todavía liberado, resulta pleno, colocadísimo, y la voz en directo es enorme, con un metal y un squillo que no esperaba encontrarme en un cantante de sesenta años. Vocalmente resultó un impacto inesperado, francamente. Y en el apartado dramático resulta difícil describir con palabras la literal encarnación de Elezar que Shicoff ha consolidado con el paso de los años. Cada gesto, cada mirada, cada movimiento está calculado y su concentración en escena es impresionante. Tanto en lo vocal como en lo escénico deslumbró ya con el "Dieu, que ma voix tremblante", al inicio del segundo acto, una página casi sin orquestación, con la voz de Shicoff proyectándose clara y desnuda con las plegarias judías por la pequeña sala de la ópera de Zurich. Y su gran momento, el aria "Rachel quand du Seigneur", en el cuarto acto, resultó, como era de esperar, una recreación de enorme impacto dramático. Shicoff tuvo un buen día, vocalmente hablando, y se permitió recrear este pasaje con sosiego, con matices y con un registro agudo desahogado. La lectura que Shicoff hace de este aria, como espectador, te deja literalmente pegado al asiento. Espectacular.

Respecto al resto del reparto, más escuetamente:

- M. Hartelius, como la princesa Eudoxie: cantante habitual en Zurich, posee una coloratura más que aseada y con una proyección más que decente en un teatro de estas dimensiones. Si acaso resulta pelín caprichosa de acentos y con un centro algo gutural. Pero cumplió más que con creces con el rol de Eudoxie, de partida un tanto caprichoso, tanto por línea vocal como por devenir dramático.

- S. Janusaite, como Rachel: posee una voz de lírica plena, bien colocada, tersa, de color agradabilísimo, capaz de medias voces, y si acaso sólo algo estridente en el registro sobreagudo. Además frasea con enorme gusto. No digo que fuese una sorpresa, pero no creo que tenga demasiado que envidiar a otras líricas de más predicamento y difusión. Su Rachel fue emocionante y vocalmente apenas reprochable. Quizá en las páginas más dramáticas y menos líricas del rol se quedase algo corta de medios, pero poco más cabría matizar.

- J. Osborn: decepcionante, tardó mucho en calentar, dejó pasar sin pena ni gloria su primera y gran intervención, "Voici le jour", sin hallar el "click" definitivo para llegar desahogado al registro sobreagudo, tan importante en esta página, e incluyendo un falsete de dudoso gusto. Quizá tuviera un mal día, ya que la voz tardó en estar plenamente fuera y bien colocada, pero no me pareció un cantante a la altura de su buena prensa.

- A. Muff: voz deteriorada, infinidad de pasajes declamados, en fin, mejorable. Y es una lástima, porque se trata de una voz de bajo con un color atractivo y de un cantante con una presencia escénica rotunda. Pero el paso de los años y la deficiencia técnica no dan para más.

En el foso, Carlo Rizzi, con el pulso justo, pero sin arriesgar nada en los tempi, ofreciendo una lectura ciertamente conservadora de una partitura que se presta a giros más personales por parte de la batuta.

La puesta en escena de David Pountney no pasó de lo correcto. Escueta dirección de actores, escenografía que respetaba las indicaciones del libreto y los pormenores de la liturgia judía. Ya digo: correcta, convincente, pero desaprovecha un fecundo libreto, lleno de situaciones escénicas con un potencial dramático por ampliar.

Resumiendo: convincente representación, con notable nivel general, de un título que no es habitual en las programaciones de los teatros europeos, y que cuando lo es, como fue el caso de Zurich, es siempre ligado a la figura de N. Shicoff, que por méritos propios es ya un Eleazar a la altura de los clásicos y que fue, sin duda, el gran atractivo de la representación.

fdo. Spinoza

Crónicas de funciones: Cavalleria rusticana/I Pagliacci - Liceo, 16/04/11

2011-04-23T02:41:00.001-07:00

Breve crónica de la función del sábado 16 de abril de 2011:

- El único cantante en común en ambas óperas, y el gran protagonista de la noche, fue M. Giordani. Tenor siciliano, voz italianísima, dicción impecable, y sobre todo un registro agudo deslumbrante, que manejó a placer. A cambio: un grave áfono, un centro sin cuerpo, tan necesario para un verismo convincente, y un fraseo un tanto lineal. Resultó muy convicente como Turiddu, con una entusiasmante siciliana al comienzo y con un arrebatador "Addio alla madre" al final. Y un tanto más deslucido como Canio, quizá ya algo fatigado por el Turiddu previo. En resumen, el gran triunfador de la noche, aunque con detalles mejorables.

Sobre el reparto de Cavalleria:

- Komlosi: es una lástima que el instrumento resulte tan impersonal y limitado, tanto por arriba como por abajo, porque el fraseo y el trabajo del texto resultaron magníficos. Y las intenciones y los matices estuvieron ahí desde el principio. Fue una Santuzza conmovedora, pero vocalmente un tanto corta. Por otro lado, casi es preferible una recreación así a una que caiga en excesos veristoides.

- Di Felice: barítono italianísimo, eficaz para un rol como el de Alfio, tan básico en lo dramático como en lo vocal. Dudo que sea capaz de cantar legato y sul fiato en páginas verdianas que pidan algo más que frases cortas a pleno pulmón moviéndose en el mezzo-forte constantemente. Muy básico, pues, pero eficaz Alfio.

- G. Costa-Jackson: hermosísima mezzo, pero con una voz prefabricada, de rarísima colocación, forzada, en fin... una decepción.

- J. Barstow: es una vergüenza que una cantante sin voz, literalmente, que bien podría estar retirada en su casa, se pasee de modo cadavérico por los teatros. Sea responsabilidad suya o de quienes la contratan, no es presentable algo así, ni siquiera para un rol menor y tan singular como el de Lucia. Una vergüenza y una lástima, francamente.

Y del reparto de Pagliacci:

- A. Blancas: vocalmente es un desastre, si bien la voz es grande, y va muy bien por arriba, si no se olvida de la afinación, cosa bastante frecuente, por otro lado. Pero el centro y el grave son toda una broma. Y ya digo, es una lástima, porque dramáticamente daba a la perfección con lo que el rol de Nedda demanda. Pero vocalmente fue decepcionante (como era de esperar, por desgracia...).

- V. Vitelli: monocorde, correcto, justito por arriba y por abajo, saco adelante el Prólogo sin pena ni gloria, pero no entusiasmó en ningún momento. Sin más...

- G. Bermúdez: con esa técnica no se puede hacer nada. No hay posibilidad de recrear un mínimo fraseo, etc, etc. Mediocre. Y es una lástima porque el rol de Silvio tiene frases hermosísimas.

- D. Alegret: hermosa voz para un partichino, ofreció una dulce lectura de la serenata "O Colombina". No hay voz ahí para papeles de más entidad, pero resultó idónea para esta parte.

La puesta en escena de L. Cavani tiene un atractivo principal y varias limitaciones. El principal atractivo es su capacidad para sintonizar la representación de estos dos títulos con el contexto estético del cine italiano de posguerra. Es todo un acierto y el giro funciona muy bien. Pero se ve lastrado por dos deficiencias básicas: una escasísima, si no nula, dirección de actores, que bien podrían improvisar esos movimientos y gestos tan básicos; y el inevitable carácter decorativo de una escenografía que se antoja demasiado conservadora. En todo caso, una puesta en escena clásica y como tal eficaz, aunque con las limitaciones citadas.

Desde el foso, decente lectura a cargo de D. Callegari, con algunos momentos de arrebatado lirismo y con otros de monótona recreación. Al menos la irregular orquesta del Liceo estuvo notable, sin grandes inconveniencias y con un sonido mórbido.

fdo. Spinoza

Audio de la cuarta conferencia del ciclo "Las óperas de Mozart. Un acercamiento".

2011-04-16T01:07:00.001-07:00

Ayer tuvo lugar la cuarta conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento. Corrió a cargo de Hugo Cachero, y giro en torno a Le Nozze di Figaro.

Para los que no pudieron asistir, aquí está disponible el audio de la charla:

Gracias a todos los asistentes que nos acompañaron ayer. La próxima sesión, y última, tendrá lugar el próximo día 28 de abril. La charla correará a cargo de Jesús Aguado y girará en torno a Cosí fan tutte.

Recordatorio: mañana, conferencia sobre "Le Nozze di Figaro".

2011-04-14T07:17:00.000-07:00

Queridos amigos, os recordamos que mañana, viernes día 15 de abril, tendrá lugar la cuarta conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento. En este caso Hugo Cachero nos hablará acerca de Las Bodas de Fígaro.

La cita será a las 19 horas en el Museo Camón Aznar (Ibercaja) de Zaragoza.

Esperamos contar con vuestra compañía.

Un cordial saludo hasta entonces.

Ciclo de conferencias: "Las óperas de Mozart. Un acercamiento". Cuarta cita: "Las Bodas de Fígaro", 15/04/11

2011-04-10T03:21:00.000-07:00

Os recordamos que el próximo viernes día 15 de abril tendrá lugar la cuarta conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento, dedicada en este caso a Las Bodas de Fígaro y que correrá a cargo de Hugo Cachero.

La charla tendrá lugar en el espacio habitual, la sala de conferencias del Museo Camón Aznar de Zaragoza (Ibercaja), a las 19 horas. La entrada es gratuita y estáis todos invitados.

Os esperamos a todos el viernes.

También os recordamos que el ciclo continuará con una cita más:

Jesús Aguado - Così fan tutte - 28 de abril, jueves

Audio de la tercera conferencia del ciclo "Las óperas de Mozart. Un acercamiento".

2011-04-08T03:04:00.000-07:00

Queridos amigos, debido a un fallo técnico no disponemos del audio completo de la charla del pasado miércoles, de José Miguel Loscos, en torno a La Flauta Mágica, pero sí hemos podido reconstruir algunos fragmentos puntuales, que os permitirán haceros una idea aproximada de lo que fue.

En la siguiente lista de reproducción encontraréis los fragmentos que hemos podido recuperar:

Disculpad las molestias y recordad que la próxima cita es el viernes 15 de abril, a la hora y en el lugar acostumbrados. Hugo Cachero nos hablará de Las Bodas de Fígaro.

Ciclo de conferencias: "Las óperas de Mozart. Un acercamiento". Tercera cita: "La Flauta Mágica", 06/04/11

2011-04-03T08:34:00.000-07:00

Os recordamos que el próximo miércoles día 6 de abril tendrá lugar la tercera conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento, dedicada en este caso a La Flauta Mágica y que correrá a cargo de José Miguel Loscos.

La charla tendrá lugar en el espacio habitual, la sala de conferencias del Museo Camón Aznar de Zaragoza (Ibercaja), a las 19 horas. La entrada es gratuita y estáis todos invitados.

Aquí podéis descargar el díptico con toda la información sobre el ciclo de conferencias.

Os esperamos a todos el viernes.

También os recordamos que el ciclo continuará con dos citas más:

Hugo Cachero - Las Bodas de Figaro - 15 de abril, viernes

Jesús Aguado - Così fan tutte - 28 de abril, jueves

Audio de la segunda conferencia del ciclo "Las óperas de Mozart".

2011-04-02T00:27:00.000-07:00

Ayer tuvo lugar la segunda conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento. Corrió a cargo de Silvia Pujalte y tuvo a Don Giovanni como protagonista.

Para los que no pudieron asistir, aquí está disponible el audio de la charla:

Gracias a todos los asistentes que nos acompañaron ayer. La próxima sesión tendrá lugar el miércoles día 6 de abril. La charla correrá a cargo de José Miguel Loscos y girará en torno a La Flauta Mágica.

Recordatorio: mañana, conferencia sobre "Don Giovanni".

2011-03-30T23:58:00.001-07:00

Queridos amigos, os recordamos que mañana, viernes día 1 de abril, tendrá lugar la segunda conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento. En este caso Silvia Pujalte nos hablará acerca de Don Giovanni.

La cita será a las 19 horas en el Museo Camón Aznar (Ibercaja) de Zaragoza.

Esperamos contar con vuestra compañía.

Un cordial saludo hasta entonces.

Ciclo de conferencias: "Las óperas de Mozart. Un acercamiento". Segunda cita: "Don Giovanni", 01/04/11

2011-03-28T00:32:00.001-07:00

Os recordamos que el próximo viernes día 1 de abril tendrá lugar la segunda conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento, dedicada en este caso a Don Giovanni y que correrá a cargo de Silvia Pujalte.

La charla tendrá lugar en el espacio habitual, la sala de conferencias del Museo Camón Aznarde Zaragoza (Ibercaja), a las 19 horas. La entrada es gratuita y estáis todos invitados.

Aquí podéis descargar el díptico con toda la información sobre el ciclo de conferencias.

Os esperamos a todos el viernes.

También os recordamos que el ciclo continuará con dos citas más:

José Miguel Loscos - La Flauta Mágica - 6 de abril, miércoles

Hugo Cachero - Las Bodas de Figaro - 15 de abril, viernes

En cuanto dispongamos de una nueva fecha para la conferencia de Jesús Aguado en torno a Così fan tutte os lo haremos saber.

Crónicas de funciones: Werther, Teatro Real, 22/03/11

2011-03-25T12:10:00.000-07:00

La temporada del Teatro Real acomete el último tercio de su programación y el título escogido para este mes de marzo y para los inicios de abril es Werther, el clásico de Goethe revisitado por Massenet, con libreto de E. Blau, P. MIller y G. Hartmann.

Asistí a la función del día 22, con el primer reparto, y estas son mis impresiones sobre los puntos principales:

J. Bros recreó un Werther sobresaliente. Se sintió cómodo y su a veces frecuente irregularidad no se hizo presete en esta ocasión. Vocalmente ofrece lo que el rol demanda: un timbre de lírico pleno, con un centro coloreado y amplio, con graves suficientes, y con un agudo liberado, sin apenas tiranteces. Y sobre todo un fraseo impecable, poético, lleno de medias voces, acentos meditados, ensoñadores. La melancolía y el desgarrador destino de Werther encontraron en su voz una recreación practicamente ejemplar. Bros, ya digo, es un cantante con problemas intermitentes: nasalidades, tiranteces, oscilaciones del agudo. Pero cuando se siente cómodo y lo puede dar todo, es un profesional sobresaliente. Por fortuna esas fueron las condiciones en las que pudo recrear su Werther el pasado día 22. Fue todo un placer para los oídos, francamente.

S. Koch: la voz es grande, tersa, tiene un color agradable, es homogénea, no tiene tiranteces. pero tardó en calentar, el grave y el centro tardaron en proyectarse con plenitud, y ella es un tanto distante en lo dramático, como si estuviera demasiado pendiente de que nada se les escape. Fue sin embargo durante los dos últimos actos cuando desplegó todos sus recursos y se mostró plenamente implicada con el rol. Se marcó una excelente escena de las cartas, y de ahí en adelante todo fueron muestras de una excelente cantante interpretando a una excelente Charlotte. Tardó, pues, en darlo todo, pero lo dio finalmente.

A. Toledano: en exceso repelente, resabida, repipi, y vocalmente tirante, gritona. Una actuación muy cargante y vocalmente muy mejorable. Muy inmerecidos los muchos aplausos que se llevó. Tengo la sensación de que en el Real en cuanto un cantante español y joven se antoja resultón, se le regalan los aplausos con excesiva generosidad.

A. Ódena: no me gustó demasiado. Es una voz estimable y un cantante del que tengo un recuerdo grato desde su Ford de Bilbao. Pero aquí estuvo engolado, engordando y oscureciendo la voz innecesariamente, muy lejos de la entonación y el fraseo que este repertorio demanda. Por cierto: tiene, más o menos, el mismo material vocal, en términos de extensión y color, que Simon Órfila, pero éste canta como bajo y Ódena como barítono. Me parece que realmente ambos son barítonos cortos por arriba y entubados y gruesos por abajo. Teniendo a ambos sobre la escena, en un dúo, sería difícil distinguir quién es el bajo y quién el barítono... Exagero, pero creo que se entiende por dónde voy.

La puesta en escena de Decker resalta el universo bipolar que atraviesa la obra. Dos espacios claramente diferenciados a partir de una clave cromática de contrastes básicos. Escenografía escueta la de W. Gussmann, más atenta a generar sensaciones que a describir espacios, singularmente acentuada por una brillante iluminación (J. Klein). Esta disposición, como decía, acentúa la sensación de una situación bipolar, no sólo ya en referencia al temperamento voluble de Werther. Se da además un claro contraste entre el destino inevitable de Werther y el conflicto pasional de Charlotte, que es realmente el rol donde recae el nudo dramático de la obra.

No he entendido algunas criticas sobre la presencia o no presencia, oportunidad o no, de la pistola en manos de Werther. Ésta aparece cuando se la espera. Tampoco algunas críticas por lo reiterado del panel que se corre y separa los dos espacios de la escena. Apenas se mueve tres o cuatro veces, sin reiteración excesiva. Por cierto, muy bien resuelta la presencia de esos dos irritantes personajes, Schmidtt y Johann, a menudo incómodos, pero en esta puesta perfectamente integrados y resueltos con inteligencia.

La verosimilitud escénica de la muerte de Werther supongo que no pasa ya por un agonía literal, tirado en el suelo rato y rato. Cuando la citada muerte comprende unos diez minutos de música, como poco, es inevitable que haya algún movimiento escénico más. Mientras no salga corriendo, todo guarda el sentido mínimo exigible.

Tampoco es una puesta en escena, como ha insistido alguien, que constriña a los cantantes, ni mucho menos. Más bien todo lo contrario.

Villaume y la orquesta dispusieron la partitura sin imperfecciones. Tan sólo algún tutti un tanto estentóreo, pero en general un trabajo muy loable con las cuerdas, un viento metal afinadísimo y una orquesta que va ganando presencia y definición durante la presente temporada, en manos de varios directores.

La infinita melancolía que atraviesa la partitura de Werther encontró pues una sobresaliente lectura en la citada función del día 22.

fdo. Spinoza

Audio de la primera conferencia del ciclo "Las óperas de Mozart".

2011-03-24T03:24:00.000-07:00

Ayer tuvo lugar la primera conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento. Corrió a cargo de Rafael Rodríguez Villalobos, bajo el título de Il catalogo è questo. Dramaturgias del amor en la trilogía Da Ponte.

Para los que no pudieron asistir, aquí está disponible el audio de la charla:

Gracias a todos los asistentes que nos acompañaron ayer. La próxima sesión tendrá lugar el próximo viernes día 1 de abril. La charla correará a cargo de Silvia Pujalte y girará en torno a Don Giovanni.

Cambio de ponente en la conferencia del miércoles 22

2011-03-22T00:41:00.001-07:00

Estimados amigos,

por indisposición del conferenciante previsto, Jesús Aguado, la charla del miércoles 22 correrá a cargo de Rafael Rodríguez Villalobos (RESAD), que hablará acerca de Il catalogo è questo. Dramaturgias del amor en la trilogía Da Ponte. Disculpen las molestias. Intentaremos encontrar una nueva fecha para la conferencia prevista en torno a Così fan tutte.

Os esperamos el miércoles, a las 19 horas en el Museo Camón Aznar (Ibercaja) de Zaragoza.

Hasta entonces, recibid un cordial saludo.

Ciclo de conferencias: "Las óperas de Mozart. Un acercamiento". Primera cita: "Cosí fan tutte", 23/03/11

2011-03-18T01:44:00.001-07:00

Os recordamos que el próximo miércoles día 23 de marzo tendrá lugar la primera conferencia del ciclo Las óperas de Mozart. Un acercamiento, dedicada en este caso a Così fan tutte y que correrá a cargo de nuestro vicepresidente, Jesús Aguado.

La charla tendrá lugar en el espacio habitual, la sala de conferencias del Museo Camón Aznar de Zaragoza (Ibercaja), a las 19 horas. La entrada es gratuita y estáis todos invitados.

Aquí podéis descargar el díptico con toda la información sobre el ciclo de conferencias.

Os esperamos a todos el miércoles.

También os recordamos que el ciclo continuará con tres citas más:

Sílvia Pujalte - Don Giovanni - 1 de abril, viernes

José Miguel Loscos - La Flauta Mágica - 6 de abril, miércoles

Hugo Cachero - Las Bodas de Figaro - 15 de abril, viernes

Crónicas de funciones: "El estreno de una Artista" y "Gloria y Peluca" - T. Zarzuela, Madrid, 11/03/11

2011-03-16T09:59:00.000-07:00

Crónica de conciertos. El Estreno de una Artista y Gloria y Peluca. Teatro de la Zarzuela, Madrid, 11 marzo de 2011

El Teatro de la Zarzuela ha rescatado un doble programa de zarzuela, El Estreno de una Artista (1852) de Gaztambide y Gloria y Peluca (1850) de Barbieri. Dos obras contemporáneas en el tiempo y de distinto argumento pero que el director artístico -Ignacio García- ha unido con su dramaturgia, encabalgando ambas zarzuelas. Y el resultado es más que notable. El público amante del género lírico español se ha encontrado con dos joyas musicales, pero ante unas zarzuelas, musicalmente hablando, menos populares, menos castizas -aunque aparezcan unas seguidillas- pero más italianas y de una gran talla musical.

La puesta en escena, teatro dentro del teatro, no chirría y los personajes se acoplan perfectamente. Es una propuesta exigente y atractiva e incluso con introducción de "morcillas" alusivas a la política de la actualidad y guiños a la eterna polémica de ópera española, ópera con influencias italianas. El buen hacer del director escénico llevó a programar varios fragmentos de I Capuletti i Montecchi de Bellini en el desarrollo argumental de la zarzuela de Barbieri.

La orquesta titular del Teatro fue dirigida por Pérez Sierra. y a veces sonó con aire del XIX pero no siempre, más cercano a Chueca que a Barbieri. De los cantantes -el reparto estaba encabezado por Marco Moncloa, Marisa Martins, Dolores Lahuerta que sustituía a la anunciada Sonia de Munck y José Manuel Montero-; brilló como cantante y actor Marco Moncloa. Un buen barítono, bella dicción, con voz centrada y buen registro, mejoró notablemente en la obra de Barbieri, especilamente en su famosa cavatina "de las pelucas". Lo mejor de la velada. No lo fue tanto el tenor José Manuel Montero que a veces cantó, un poco áspero y con algunas carencias, como en el aria de Bellini.

A pesar de no cantar De Munck, la soprano Dolores Lahuerta se defendió muy bien en su papel y nos dio un buen ejemplo de soprano de coloratura especialmente en su cavatina de El Estreno y en los dúos con su paternaire. En cambio Martins, aunque cantó con musicalidad su dicción no fue la adecuada. El restó cumplió acertadamente.

Buena noche de zarzuela, buenos compositores y espléndida música. Más títulos a recuperar y, los recuperados que no se olviden.

Aquí pueden encontrar algunos fragmentos de estas funciones registrados en vídeo.

fdo. johnny guitar

Nueva temporada Ópera Nacional de París (2011/2012)

2011-03-12T08:33:00.000-08:00

Hace unos días se daba a conocer la próxima temporada de la Ópera Nacional de París (L´Opera Bastille y Palais Garnier). Los títulos incluidos son:

Salomé

La clemenza di Tito

Faust

Tannhäuser

Lulu

La forza del destino

La Cenerentola

Manon

La dama de picas

La cerisaie

Rigoletto

Pelléas et Mélisande

La viuda alegre

Don Giovanni

Cavalleria Rusticana/Pagliacci

El barbero de Sevilla

Hippolyte et Arice

Arabella

L´amor des trois oranges

Aquí pueden consultar la temporada completa, incluidos los repartos y directores musicales y escénicos previstos.

Ciclo de conferencias: "Las óperas de Mozart. Un acercamiento".

2011-03-01T01:07:00.001-08:00

Desde la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta hemos preparado un nuevo ciclo de conferencias, esta vez dedicado por entero a las principales óperas de Mozart: Don Giovanni, Cosí fan tute, Le Nozze di Figaro y Die Zauberflöte. Se trata de cuatro encuentros en los que cada ponente, en el espacio de una hora y media, condensará las principales ideas y sugerencias para aproximarse a estos títulos, con apoyo audiovisual.

El programa completo comprende:

Jesús Aguado - Così fan tutte - 23 de marzo, miércoles

Sílvia Pujalte - Don Giovanni - 1 de abril, viernes

José Miguel Loscos - La Flauta Mágica - 6 de abril, miércoles

Hugo Cachero - Las Bodas de Figaro - 15 de abril, viernes

Las charlas tendrán lugar en el lugar habitual, la sala de conferencias del Museo Camón Aznar - Ibercaja de Zaragoza, a las 19 horas.

Aquí podéis descargar el díptico con toda la información al respecto.

La entrada es gratuita y estáis todos invitados. Os agradeceremos que deis difusión al ciclo, si creéis que puede haber alguien interesado en asistir.

En breve esperamos anunciaros los dos recitales que hemos preparado para mayo y junio.

Crónicas de funciones: Macbeth, ABAO, 25/02/2011

2011-02-26T09:54:00.000-08:00

En continuidad con su proyecto Tutto Verdi, este mes de febrero la ABAO ponía en escena el tercer título verdiano de esta temporada, Macbeth, tras los pasados Don Carlo e Il Corsaro.

Se trata sin duda de una de las obras más sorprendentes del Verdi previo a la consabida trilogía. Si bien es cierto que la versión que se suele poner en escena es la revisión posterior, más en consonancia con el lenguaje verdiano que encontramos también en Don Carlo, en la revisión de Simon Boccanegra, etc. Esa fue también la versión que pudimos disfrutar en Bilbao, como es costumbre. Una música agitada, un verdadero drama psicológico y a la vez todo un clásico de la literatura moderna occidental, sublimado así Shakespeare bajo el pulso dramático de un inspirado Verdi.

Resulta por tanto difícil no disfrutar del Macbeth verdiano, por irregular que sea la función. El resultado global de estas funciones de la ABAO rondaría el sobresaliente y se quedaría en algunos puntos en un notable alto.

El punto fuerte de estas funciones reside, sin duda, en la voz de Violeta Urmana. Un timbre redondo, carnoso y terso, y una emisión relajada, potente, proyectada con amplitud. Un auténtico placer para los oídos, si añadimos además que resuelve sin problema las páginas de coloratura, salvo algún sobreagudo algo más agrio, y que ofrece un grave hermosísimo y acariciador, perfectamente coloreado acercándose al registro de pecho. Vocalmente, pues, intachable su prestación ayer, si bien tardó un poco en calentar. Excelente "Ambizioso spirto... Or tutti...", sensacional brindis, emocionante "La luce langue" y teatralísima lectura de "Una macchia...". Si bien temperamentalmente pudiera dejar algo que desear, por esa magnánima distancia que Urmana guarda siempre con lo que se trae entre manos. Su Lady Macbeth no es arrojadiza, no es viperina, no ofrece una maldad a flor de piel ni intriga con Macbeth de un modo calculador. Su Lady es también víctima del drama psicológico que presenta Macbeth en escena, y no sólo la responsable de urdir poco a poco el trágico desenlace de su esposo y las calamidades que lo jalonan. En resumen, pues, una sobresaliente Lady Macbeth.

Vladimir Stoyanov va camino de convertirse en el barítono verdiano oficial de la ABAO. Sustituía en este caso a Carlos Álvarez, tristemente apartado de los escenarios desde hace ya varios (quizá demasiados) meses. Stoyanov posee un instrumento auténtico, con un centro bien dotado, una técnica eficaz. Si bien el agudo a veces es tirante, pierde algo de color y no le permite exhibiciones, pero es digno y resuelve sin tensiones innecesarias. Su fraseo, a veces demasiado conservador, fue en este Macbeth más arriesgado y tradujo un empeño teatral mayor, a veces incluso excesivo, con algún leve ademán veristoide. Su Macbeth quedó lejos de representar una creación tan rotunda como la que ofrecía su compañera de reparto, y asimismo está lejos de los grandes representates históricos del rol (de Warren a Cappuccilli pasando por Bruson y compañía). Pero es sin duda un Macbeth digno, sin fallas, regular, y a veces emocionante. Justo lo que cabía esperar de Stoyanov, ya conocido, como decía, por sus anteriores encarnaciones verdianas en Bilbao.

El Bancuo de G. Prestia fue igualmente digno y correcto. El instrumento está ya algo gastado y adolece a veces de una emisión un tanto entubada, pero la voz es la de un bajo cantante italiano auténtico. El fraseo es teatral y en líneas generales su encarnación gozó de presencia y convenció. Su "Come dal ciel..." se llevó una de las ovaciones de la noche, dentro de lo que cabe esperar del reservado público bilbaíno.

S. Secco era el encargado de dar vida a MacDuff. Su timbre es el adecuado, el de un auténtico tenor lírico, con proyección impecable y homogeneidad. Su "O figli... Ah, la paterna mano" fue sensaciona y se llevó otro de los aplausos notorios de la noche. Algunas transiciones al agudo son demasiado musculares y dan la sensación de que Secco tendría dificultades para acometer sin cansancio y tensiones la encarnación de un rol completo de más enjundia. Una voz digna, en suma, para estos papeles, donde puede lucirse incluso, pero quizá no apta para mayores empresas.

La labor del foso, a las órdenes del maestro Renzetti, dio lugar a un Macbeth contenido, elegante, más sombrio que electrizante, ajeno a la tentación de recrear un Verdi superficial o demasiado básico. Lo cierto es que le faltó también, en ocasiones, esa "quinta marcha" verdiana, ese apasionamiento irrefrenable que asociamos a las grandes batutas verdianas (Muti, Abbado, etc). Con las mimbres de ese foso, ciertamente, no se podía hacer mucho más. Muy notable la sección de cuerdas y mejorable la faena del viento metal.

Muy irregular el coro. Sobre todo la sección femenina, muy, muy mejorable, sobre todo en un título como Macbeth, que presenta esos coros de brujas tan comprometidos.

La puesta en escena de Negrín parte de una idea notable, la de subrayar el caracter de thriller psicológico que hay en el seno de Macbeth, que se convierte así en un drama psicológico e interior, donde los escenarios concretos son prescindibles, anecdóticos o convencionales. De ahí que la idea de sumir toda la acción en un vertedero sea acertadísima y traduzca a la perfección en el universo de miserias morales que se desarrolla a lo largo de la obra. El problema es que esta idea de partida, tan atractiva, no evoluciona como debiera y da lugar a ciertas incoherencias entre el texto y la acción. El empleo de una única escenografía para toda la función fue sin duda un problema añadido, si bien paliado por una excelente iluminación y por algunos detalles notables en la dirección escénica, que en conjunto se diría que dio una de cal y otra de arena. Mejorable, en suma, si bien tenía intenciones más que apreciables de partida.

En fin, un Macbeth digno, disfrutable, sin lunares reseñables y con grandes momentos, sobre todo los debidos a Urmana o ese concertante electrizante que cierra el primer acto.

fdo. Spinoza

PD. Se rumorea que los tres títulos verdianos para la próxima temporada de la ABAO podrían ser Luisa Miller, Nabucco y Simon Boccanegra.

Avance temporada Metropolitan Opera Nueva York (2011-2012)

2011-02-23T10:35:00.000-08:00

Hace una semana se dio a conocer también el contenido íntegro de la próxima temporada del Met de Nueva York.

Entre las nuevas producciones se anuncian:

· Anna Bolena, para abrir la temporada: con Netrebko, Garanca, Abdrazakov y Costello, con M. Armiliato a la batuta.

· Don Giovanni: con M. Kwiecien y G. Finley alternándose en el rol titular, junto a M. Rebeka, I. Leonard, R. Vargas, L. Pisaroni o B. Frittoli, entre los nombres más relevantes del cast reunido para la ocasión. La batuta estará en manos de James Levine y de Andrew Davis.

· Siegfried: con Debora Voight, G. Lehman y Bryn Terfel, a las ordenes de Levine.

· Faust: reuniendo a J. Kaufmann, A. Gheorghiu y R. Pape, en un primer cast; y a R. Algna, M. Poplavskaya y F. Furlanetto en el segundo. Con Y. Nézet-Séguin a la batuta.

· The Enchanted Island: un proyecto barroco un tanto sui generis, pero interesante, a cargo de W. Christie y con nombres como D. de Niese, J. DiDonato o D. Daniels en el reparto.

· Götterdämmerung: con W. Meier, H-P. König, D. Voight, K. Dalayman y G. Lehman.

· Manon: con Netrebko y Beczala en los roles titulares.

Además, se han previsto otros abundantes títulos, reponiendo producciones ya estrenadas, para completar la temporada:

· Satyagraha

· El caso Makropulos

· Billy Budd

· Rodelinda

· Khovanschina

· Madama Butterfly

· Tosca

· La Boheme

· Il Barbiere di Siviglia

· L´Elisir d´Amore

· La Fille du Régiment

· La Traviata

· Macbeth,

· Aida

· Ernani

· Nabucco

· Aquí pueden encontrar un completo pdf con todos los datos de la temporada, profusamente ilustrado.

Avance próxima temporada del Liceo (2011-2012)

2011-02-22T14:30:00.000-08:00

El pasado lunes se daba a conocer el avance de la próxima temporada del Liceo de Barcelona, para 2011-2012. Una temporada llena de sombras y luces, irregular, marcada por las apreturas económicas que lastran al Teatro, que podría incluso verse obligado a tramitar un ERE. Se anunció también un aumento de los precios de las localidades, para enojo de los abonados y habituales del Liceo.

La temporada no comenzará en septiembre, como era costumbre, sino en octubre, con un Faust "mutilado", esto es, en versión concierto (algo perfectamente asumible y normal) pero con un programa que incluirá tan sólo las arias, dúos y principales momentos de la ópera. Algo impropio de un teatro del nivel del Liceo. La temporada terminará con la reposición de Aida, un título que ya se vió en el Liceo, y con numerosas funciones, hace tan sólo dos años.

En el apartado de conciertos se anunció, entre otras cosas, la presencia de Jaroussky y la programación de un concierto homenaje a los 50 años de M. Caballé en el Liceo.

Asimismo se anunciaron tres recitales de interés, a cargo de Nina Stemme, Rene Pape y Juan Diego Flórez.

· Aquí pueden consultar el avance oficial, sin los repartos.

· Y aquí pueden consultar la nómina de intérpretes que se conocen por el momento.

En resumen, como verán, puntos fuertes y citas recomendables: Le grand macabre, el doble programa con Zemlinsky, la atractiva Adriana Lecouvreur, la sorpresa del Pelléas y por último la Aida que cerrará la temporada.

Y lo peor: la ridícula propuesta del Faust. ¿Otras Bodas? Unas mejorables Boheme y Flauta. Y una lista de títulos poco interesantes, a priori, debidos a Martín i Soler, Montsalvage, Toldrá, el estreno de Jo-Dali, etc.

Una temporada demasiado irregular y floja para un teatro de la altura y empaque del Liceo.

Novedades discográficas: recuperación de cilindros de cera.

2011-02-22T00:09:00.000-08:00

Recuperadas grabaciones de cilindros de cera.

Recientemente, la Dirección General de Patrimonio Cultural del Gobierno de Aragón ha presentado el libro cd Antiguas grabaciones fonográficas aragonesas 1898-1907. Pertenecen a una colección de 223 cilindros de cera de una familia oscense -donada al Archivo General de Aragón- que recogen interpretaciones españolas y francesas así como grabaciones del violinista y virtuoso, natural de sariñena, José Porta. El volumen está dirigido y escrito por Javier Barreiro, así como la selección de la música. Destacable para la lírica, en el cd se encuentran registradas grabaciones como Las mujeres, sainete lírico de Gerónimo Gimenez; A tí suspiramos!, revista cómica de Fernández Caballero; y del mismo autor la zarzuela Los sobrinos del capitán Grant. Junto a estas piezas suena la voz del barítono del Real madriñelo, Marino Ayneto (1873-193) de Murillo de Gállego que interpreta la melodía "Aspiraciones del alma".

Más interesante para la ópera y la zarzuela, la anterior grabación de otra colección en el mismo sorporte. Titulada Primeras grabaciones fonográficas en Aragón 1898-1903, de una colección de Barbastro, en él están registrados fragmentos de La bohème -por Pilar Pérez-Rigoletto -Sr. Moratilla-, La favorita -Elisa Matiucci-, Marina -Sr. Figuerola-, La Bruja -desconocido-, La alegría de la huerta -desconocida-,El tambor de granaderos -Blanca del Carmen- y de coros de zarzuela como El rey que rabió, Gigantes y cabezudos o de otras piezas de las que no existen grabaciones modernas, Cuadros disolventes, Los cocineros o Los camarones. la grabación se completa con un interesante estudio realizado, también, por Javier Barreiro. Como señala éste, son un auténtico documento musical, sociológico e histórico.

Enlace a la más información sobre los CDs, en la web del Gobierno de Aragón

fdo. johnny guitar

Crónicas de funciones: Matthias Goerne - Zaragoza, 12/02/11

2011-02-14T08:45:00.000-08:00

Notable recital el que ofreció Matthias Goerne el pasado sábado 12 de febrero en el Auditorio de Zaragoza. Organizado por la Sociedad Filarmónica de Zaragoza, Matthias Goerne, acompañado de la pianista Tamara Stefanovich, ofreció un hermosísimo programa consagrado por entero a Beethoven. Tardó un par de lieder en calentar la voz, pero fue a más y la segunda parte resultó una auténtica delicia, con los seis últimos lieder, del ciclo An die ferne Geliebte (op. 98).

Matthias Goerne es un cantante de una sensibilidad sobresaliente. Es cierto que la voz clarea un tanto arriba, el agudo es irregular, pero el centro y el grave son hermosos y auténticos. Y sin duda lo mejor de todo en Goerne es un fraseo cargado de intención, singularmente apropiado para los lieder más lentos, donde su control de respiración (magnífico) le permite recrearse, paladear el texto y dar lo mejor de sí. En suma, recital disfrutable, a pesar del recital paralelo ofrecido por el público: las consabidas toses, el inoportuno móvil, los caramelos de turno... el repertorio completo de molestas interrupciones, que ciertamente irritaron en un momento al cantante, a tenor de su expresión facial.

Goerne, por cierto, visitará el Met de Nueva York dentro de unas semanas, en abril, para ofrecer el rol titular de Wozzeck, junto a la Marie de Waltraud Meier. Una cita, sin duda, a la que a muchos nos encantaría poder asistir. ¿Llegará el día en que no haga falta soñar con cruzar el charco para escuchar algo así? ¿Veremos algún día un Wozzeck en Zaragoza? Tiempo al tiempo...

fdo. Spinoza

Crónicas de funciones: Anna Bolena, Liceo, 25/01/11

2011-01-28T02:54:00.000-08:00

Entre los grandes atractivos de la presente temporada del Liceo barcelonés se contaba el regreso de Gruberova, encarnando esta vez a Anna Bolena. Se anunciaba además una nueva producción, y en el cast previsto se encontraba también Elina Garança, la mezzo por excelencia de nuestros días. Se añadían además tres últimas funciones, con un segundo reparto, que iban a contar con la Bolena de Mariella Devia, la otra gran dama y veterana del belcanto, que finalmente ha cancelado dichas funciones por asuntos personales. Sea como fuere, la primera función de esta serie de Bolenas tuvo lugar el pasado día 20, día en que J. Bros tuvo que ser sutituido por Gregory Kunde en el rol de Percy. Quien escribe estas líneas asistió sin embargo a la segunda función, del día 25 de enero, con el cast previsto ya disponible en su integridad, esto es: Gruberova (Anna Bolena), Garança (Seymour), Bros (Percy), Colombara (Enrico) y S. Prina (Smeton). Vayamos por partes.

La nueva producción no añade demasiado. Francamente, son más los errores básicos que los hallazgos. Me explico. No es nada ingeniosa, ni siquiera útil, una puesta en escena que cuenta con una escenografía estática y que cubre dos tercios de la caja escénica durante media función. Desarrollar media función en apenas un tercio de la caja escénica limita mucho la recreación teatral. De ahí que no encuentre singularmente interesante la escenografía elaborada por R. Lladó. El vestuario de Lluc Castells resultó quizá lo más interesante de la puesta en escena de esta función. La dirección escénica de R. Durán fue correcta, pero se vio limitada por una escenografía torpe, como ya he dicho. La iluminación, de Albert Faura, fue un tanto exagerada, dada la cantidad de reflejos incontrolados que provocaban los elementos dorados de la escenografía. Capítulo aparte merece la presencia, ciertamente ridícula, de figurantes con cabeza de cuervo, como "ambientando" al espectador en el clima funesto que vertebra el destino de Bolena y el sórdido final de ésta en la torre de Londres. Francamente prescindible esta "ingeniosa" propuesta.

En el aspecto vocal hubo un gran nivel general, pero hay que matizar algunas cosas. Empecemos por la "diva" de la noche, Gruberova. No puede sostenerse una Bolena a través de un genial "Al dolce guidami" y de una penetrante recreación del "Coppia iniqua". Así no se construye un papel, no cabe reducir una encarnación dramática al último cuarto de la función. Sobre todo porque lo ofrecido hasta entonces era demasiado caprichoso (portamentos exagerados), mejorable (agudos agrios, coloratura desigual...) o directamente muy defectuoso (un grave inexistente, un centro descarnado, una dicción ininteligible...). Ciertamente sus dos últimas intervenciones, ya citadas, fueron dignas de una gran diva del belcanto, pero todo lo anterior fue digno más bien de una cantante caprichosa, poco comprometida con lo que se traía entre manos o, directamente, sobrepasada por un rol que quizá hace años que debería haber abandonado. En resumen, pues, una Bolena demasiado desigual para merece una valoración global notable.

Así que la gran diva de la noche fue más bien Elina Garança. Una voz plena, redonda, homogénea, aterciopelada, técnicamente resuelta... en fin, no se puede pedir más. A esto se suma que Garança ha mimado al máximo sus dos principales limitaciones, a saber, el grave, ahora perfectamente coloreado con un sutil acercamiento al registro de pecho, y la coloratura, mucho más precisa de lo que recordaba a tenor de registros anteriores. Su encarnación de Seymour fue un desfile continuo de detalles técnicos, una exhibición vocal perfectamente ligada con un compromiso escénico de primera. Su dúo con el Enrico de Colombara, en el primer acto, fue uno de los grandes momentos de la noche. Y su confrontación con la Bolena de Gruberova elevó la tensión al máximo, ciertamente superior Garança, incluso en la subida final al agudo. En resumen, insuperable recreación de Seymour la ofrecida por Garança, de matrícula de honor, ciertamente.

J. Bros es un cantante desigual. Su reciente aparición en el homenaje a Plácido Domingo en el Teatro Real presagiaba una irregular lectura del rol de Percy, que requiere de una transición resuelta y desahogada al agudo. Pero en esa irregularidad a veces consigue encontrarse a sí mismo en plena forma y ofrece una noche prácticamente redonda, como sucedió el pasado día 25. Desapareció la dureza del agudo, desaparecieron las transiciones nasales de su timbre, y el fraseo fue encendido y lírico a partes iguales. La voz corría limpia, y Bros adornaba sus intervenciones con gusto, regalando agudos a placer (un magnífico Do en el "Vivi, tu...") y controlando las agilidades con precisión. Francamente sorprendido quedé por su Percy. Todo un placer belcantista para los oídos.

Carlo Colombara es un bajo que nunca defrauda. Tampoco ofrece unos medios suntuosos y unas recreaciones inolvidables, pero sin duda nos trae a la memoria la naturaleza de un bajo cantante italiano de pura estirpe, con graves suficientes, coloratura aseada, voz homogénea. En fin... intachable aunque tampoco inolvidable. El rol de Enrico VIII es una auténtica delicia, una escritura musical hermosísima, llena de ímpetu y de lirismo, ciertamente una partitura de difícil resolución. Y Colombra la sacó adelante de un modo intachable y con una notable presencia escénica. Así pues, más que notable su contribución a esta Bolena.

El foso del Liceo es un problema. Puede lastrar funciones sobresalientes hasta dejarlas en meramente notables. Ese fue el caso con estas funciones de Bolena. Si bien fue "calentando" con el progreso de la función, lo cierto es que abrió con una "pachanguera" obertura, muy deslucida, desaprovechando más tarde multitud de momentos notables habidos en la partitura. El director musical, Yurkevych, recibió incluso unos notorios abucheos al cierre de la función. Francamente, no creo que el flojo desempeño musical del foso fuera entera responsabilidad suya. Cuando la orquesta, la mera materia prima, no está a la altura, muy genial ha de ser la batuta para llevarla mucho más allá de sus limitaciones. Yurkevych no hizo eso, pero tampoco debería apuntarse como parte del problema, ya que la irregular prestación orquestal del foso del Liceo es la tónica habitual, sea quien sea el director en el foso.

En resumen, por tanto, una Bolena atractiva, pero desigual. Algo deslucida por la pretensión frustrada de la puesta en escena, e igualmente deslucida por la irregular prestación de Gruberova, pero a cambio con la impagable presencia de una Garança en plenitud de facultades, junto a un Bros inspirado y un Colombara más que cumplidor.

fdo. Spinoza

Crónicas de funciones: L´Italiana in Algeri, ABAO, 22/01/11

2011-01-28T00:41:00.000-08:00

Frío en Argel

Por Javier del Olivo

Bilbao, 22/01/2011. Palacio Euskalduna. Gioachino Rossini. L'Italiana in Algeri. Libreto de Angelo Anelli, basado en un texto de Luigi Mosca. Emilio Sagi, dirección de escena. Enrique Bordolini, escenografía. Renata Schussheim, vestuario. Eduardo Bravo, iluminación. Daniella Barcellona, Isabella. Antonino Siragusa, Lindoro. Michele Pertusi, Mustafà. Paolo Bordogna, Taddeo. Carmen Romeu, Elvira. Marifé Nogales, Zulma. Carlos Daza, Haly. Coro de Ópera de Bilbao, Boris Dujin, director del Coro. Orquesta Sinfónica de Euskadi. Michele Mariotti, director musical. 59 Temporada de la ABAO. Ocupación 100%

Algo de las bajas temperaturas que sufría Bilbao el 22 de enero, día del estreno deL'Italiana in Algieri dentro de la 59 temporada de la ABAO (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera), se trasladó al interior del Palacio Euskalduna. Frío estuvo el público, bastante desabrida la orquesta, falto de la necesaria madurez el director, y algo más cálidos los cantantes, que consiguieron levantar la función hasta temperaturas templadas que nunca llegaron a la pasión o el calor.

L'Italiana, primer gran éxito de Rossini en el género que tanta gloria le daría y donde fue un maestro, la ópera bufa, se estrenó en Venecia en mayo de 1813. Sigue la tradición, ampliamente difundida en el siglo XVIII y que llegará hasta bien entrado el XIX, de ambientar la acción de la ópera en el que hoy llamaríamos "cercano oriente". Un mundo donde el exotismo se mezcla con las pasiones, siempre con un fondo de choque de culturas, piratería y tráfico de esclavos. Si bien hay obras que abordan este tema desde el punto de vista más trágico o serio (esta misma temporada hemos podido ver aquí Il Corsaro de Verdi), son más, o por lo menos más las que han perdurado en el repertorio, aquellas que ven el lado más jocoso y divertido del intercambio cultural y amoroso que, inevitablemente, en el libreto se produce. Intercambios, todo hay que decirlo, donde los occidentales siempre salen favorecidos.

L'Italiana in Algieri es buen ejemplo de todo esto. Poco hay que contar de un argumento que aunque muchas veces pueda parecernos con ojos de hoy algo enrevesado y simple, juega siempre con los equívocos, los dobles sentidos, la brusquedad pero al final candidez de los hombres y con la aparente fragilidad, pero resolutiva astucia de las mujeres, siempre triunfadoras cuando cae el telón.

Sobre estos cimientos burlescos, Rossini levanta uno de sus entramados musicales que le han hecho entrar por la puerta grande de la historia operística. Melodías ligeras pero perfectamente equilibradas, llenas de vitalidad, con dificultades canoras que explotan todos los recursos de los artistas, y siempre con ese toque pegadizo que hace que perduren en la memoria del espectador tiempo después de haberlas escuchado. Y para servir todo este festín es necesario que todos los que participan den lo mejor de sí mismos. El Rossini bufo hay que vivirlo, sentirlo y dejar que te invada esa energía que transmite. Si no, malo.

En la representación que nos ocupa hubo de todo. Desde los que estaban en el escenario que sí que vivieron la música, hasta los que, estando en el foso, dejaron bastante que desear.

Dos pesos pesados del canto rossiniano encabezaban el reparto. Como Isabella, la italiana que aparece en Argel, tuvimos a Daniella Barcellona. Esta excelente mezzo hizo todo lo que se esperaba de ella. Su canto no puede ser más apropiado para este papel, y no tuvo ninguna dificultad en toda la tesitura. Las coloraturas salieron con facilidad y las notas más bajas sonaron contundentes y redondas. Fiato solvente y estilo italiano no faltaron para configurar un personaje a la vez gracioso y atrevido. Desde su cavatina de entrada, 'Cruda sorte! Amor tiranno!', hasta la exigente 'Pensa alla patria' (la más aplaudida por un gélido público sabatino) desgranó todas sus armas rossinianas. Quizás le faltó un punto mayor de coquetería, pero estuvo graciosa y expresiva como actriz, sin duda lo mejor de la noche. Michelle Pertusi asumía el papel del tiránico pero al final simplón Bey Mustafá. Es un cantante muy avezado en estos papeles y sobre el escenario del Euskalduna lo volvió a demostrar. El canto rossiniano no tiene secretos para él, aunque se echó de menos una mayor soltura en las coloraturas y una potencia más contundente en general. Pero su voz es bella, bien impostada y proyectada sin dificultad. Aunque buen actor, (excelente sus prestaciones en la desternillante escena del Pappataci), no deslumbró como lo hizo la pasada temporada, que cerró con un espléndido Falstaff.

Antonino Siragusa encarnaba a Lindoro. Su voz de tenor ligero tiene un timbre no muy agradable, y aunque empezó bastante dubitativo en su aria de presentación 'Languir per una bella', donde las dificultades vocales son máximas, fue afianzándose poco a poco, terminando la representación más resuelto y con un dominio mayor de sus recursos. Histriónico, divertido y pizpireto, el Taddeo de Paolo Bordogna. No es éste un barítono de recursos vocales deslumbrantes, pero siempre resulta cumplidor y tiene una técnica que, aunque a veces abusa de notas nasales, le permite que su voz se oiga perfectamente en un teatro tan amplio como el Euskalduna. Correcta, aunque algo chillona, la Elvira de Carmen Romeu, y resolviendo sin destacar Marifé Nogales como la esclava Zulma. A destacar el debutante Carlos Daza que, asumiendo el papel de Haly, capitán de los piratas argelinos, demostró unas indudables dotes cantoras: soltura, bello timbre y excelente resolución de su aria 'Le femmine d'Italia'. Una voz a seguir.

Muy destacado la cuerda masculina del Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, que actuaba en solitario en esta ocasión. Muy buenos actores, mostraron, una vez más, excelente escuela y buen empaste. Pero sufrieron como nadie las descoordinaciones entre la escena y el foso.

Fue este foso, sin duda, el punto más flojo de esta representación. Debutaba en Bilbao el joven director italiano Michele Mariotti. Aunque en su currículum ya aparecen títulos rossinianos dirigidos en lugares tan emblemáticos como Pesaro, en Bilbao demostró bastante inmadurez y poco sentido rossiniano de la dirección. No es fácil dirigir Rossini. Controlar orquesta, coro y cantantes en ciertos pasajes desbocados es peliagudo, y es aquí donde Mariotti estuvo más flojo. Más de una vez hubo esa descoordinación de la que hablábamos entre escena y foso, y toda la representación adoleció de falta de esa garra, de ese arrebato, de esa italianidad alegre y contagiosa que es bandera de este repertorio. Tampoco la Sinfónica de Euskadi demostró ser muy ducha en esta partitura, y anduvo un poco a trancas y barrancas, salvando los papeles en la segunda parte, donde mejoró todo el nivel de la representación.

La dirección escénica llevaba el sello de Emilio Sagi, y eso se vio desde el principio de la ópera, casi siempre para bien, y alguna vez para no tan bien. En el saldo positivo del siempre solvente director asturiano, destacar la belleza y a la vez la simplicidad de la escenografía, debida a Enrique Bardolini. Unos arcos de herradura (construidos en material metálico y brillante) enmarcaban un escenario sencillo donde se sucedieron las distintas escenas con un básico mobiliario oriental. Excelente la idea de ir combinando a lo largo de la representación, tanto en luces (al mando de Eduardo Bravo) como en ambientación y vestuario (responsabilidad de Renata Schussheim), los colores de la bandera italiana: primeras escenas en blancos, rojo en la parte central de la ópera, y verde (más bien turquesa) en las escenas finales. Buena dirección de actores, de los que sacó todos sus recursos cómicos, pero como en otras producciones suyas, tuvo algunos defectos: el uso excesivo de los, por otra parte excelentes, figurantes que en algunas de sus acciones distrajeron innecesariamente de la acción principal. También un poco manido ya el recurso del travestismo, en este caso los eunucos del serrallo, ataviados con unos sostenes que piadosamente podríamos calificar de poco favorecedores. Aún así, hubo hallazgos cómicos, como la escena del nombramiento de Taddeo como Kaimakán, que resultó graciosa y ocurrente.

En resumen, una noche agradable y solvente, como tantas en la historia reciente de la ABAO, pero que nos dejó con la sensación de que podía haber sido mejor.

* Crónica publicada en Mundoclasico y cedida por su autor para nuestro blog:

http://www.mundoclasico.com/ed/documentos/doc-ver.aspx?id=22ed1208-521e-4c4f-a4f8-5173816e3dca

Crónicas de funciones: Iphigenie en Tauride, Teatro Real, 23/01/11

2011-01-27T10:09:00.001-08:00

Las virtudes de esta obra de Gluck brillan por sí solas, pero si además se ven adornadas por una puesta en escena sutil y por una protagonista de primera, la función termina siendo redonda. Es Iphigenie en Tauride una joya del estilo reformista consumado por Gluck. Apenas arias de lucimiento, los recitativos insertos en la continuidad dramática, la música sublime... en fin, una obra prácticamente perfecta, llena de momentos que agarran al espectador y no lo sueltan. Las funciones programadas en el Teatro Real contaban además con el atractivo de la presencia de Plácido Domingo, en ese personal empeño por prolongar su carrera, a veces con fortuna, como fue el caso de esta Iphigenie, otras cayendo en el fiasco más evidente, como sucedió con su Rigoletto para las televisiones de medio mundo. Sea como fuere, la presencia de Domingo era secundaria en estas funciones. La obra de Gluck es ya un atractivo por sí mismo, pero además desde el foso el maestro Hengelbrock brindó un trabajo sensacional, vivaz, lleno de mil detalles, sacando cada vez más partido a una orquesta, la del Real, de la que hace no muchos meses se escuchaban comentarios desiguales, y que parece crecer título a título con la rotación de directores propuesta (o impuesta) por Mortier. El coro lució también a un nivel muy destacable en sus importantes intervenciones. Cabe mencionar que esta vez se situó al coro sentado dentro del foso, junto a la orquesta, siendo sustituido en escena por un acertado ballet, perfectamente compenetrado con la propuesta escénica.

En el apartado escénico la propuesta de Carsen, un nombre que siempre trae a nuestras retinas sugerentes y afinadas lecturas de los títulos más consolidados del repertorio, daba de lleno en el clavo con una dirección escénica que equilibraba en su justa medida el dinamismo y el estatismo, justamente como la partitura sugiere en lo musical. La escenografía austera de Hoheisel, junto a la iluminación del propio Carsen, recreaban con genial precisión la opresión sentimental de los personajes de esta tragedia. Sutiles juegos de luz, elementos escénicos mínimos pero certeros (agua y puñales) y, en suma, una propuesta escénica de altura, llevaron más lejos si cabe la genial música de Gluck.

En el apartado vocal brilló con luz propia la voz redonda, esmaltada, homogénea y tersa de Susan Graham. Sinceramente, no se puede pedir más en una encarnación del rol de Iphigenia. Absolutamente deliciosa su recreación del rol, tanto en lo vocal como en lo escénico.

Un peldaño por debajo estuvo Paul Groves, un tenor ligero que con el paso de los años ha ganado un centro algo más lírico y consistente, quizá a cambio de perder la otrora relativa facilidad en el agudo. En todo caso, fue el suyo un fraseo ortodoxo, comprometido con el estilo de Gluck, y vocalmente no tuvo ninguna intervención reprochable, si bien tampoco ofreció apenas momentos en los que recrease la música de Gluck hasta llevarla más allá de sí. Más que correcto su Pylade, en suma.

El Orestes de Plácido Domingo fue notable. No debemos, ni podemos, engañarnos: con setenta años recién cumplidos es evidente el paso del tiempo, tanto en la fatiga vocal como en la fatiga física, escénica. Pero a la vez el compromiso con la puesta en escena y el esfuerzo vocal de Domingo son admirables. El papel de Orestes se sitúa precisamente en ese centro vocal que todavía mantiene, consistente, hermoso, como si un viejo violonchelo mantuviera intactas sus notas centrales, ajeno al paso del tiempo. La práctica ausencia de agilidades, coloraturas y subidas al agudo comprometidas convierten el papel de Orestes en un esfuerzo relativo para Domingo. Desde luego, mucho más asumible que su participación en el Tamerlano visto en el Real hace unos años y que tiene previsto para esta misma temporada en el Liceo, en versión concierto. De ahí que su encarnación de Orestes resultase notable, convincente, incluso emocionante, pero siempre que situemos estas valoraciones en el marco de su consabido deterioro, innegable a causa del mero paso del tiempo.

En resumen, pues, una función que acertaba de lleno en recrear la tragedia compuesta por Gluck, sobre texto de Nicolas-François Guillard. Tanto musical como escénicamente el conjunto implicado en esta Iphigenie ofreció una función prácticamente irreprochable.

fdo. Spinoza

Crónicas de funciones: Rosenkavalier, Teatro Real, 19/12/2010

2010-12-25T10:26:00.000-08:00

En primer lugar debo decir que El caballero de la rosa es una obra magnífica, que gana mucho en directo. Me sigue resultando un pelín larga, algunos momentos de enredo son reiterativos. Pero en general es una obra deliciosa.

Musicalmente, Tate hizo una labor magnífica. La orquesta del Real sonaba empastadísima, nítida, con presencia, con mil detalles. En fin, deliciosa. Que siga así. Tate salió a saludar al final. Impresionante la fuerza que emana de él.

La puesta en escena de Wernicke y cia. es una gran propuesta, que en directo pierde algo de la genialidad que mostraba en dvd, ya que el juego de espejos no funciona siempre bien, según la ubicación del teatro en la que uno se encuentre. También era mejorable algún detalle de la dirección escénica. Pero bueno, en resumen, una propuesta notabilísima.

Vocalmente:

Schwanewilms, como la Mariscala: todo un descubrimiento escuchar a esta mujer en directo. La voz es de una belleza hipnótica. Inlcuso esos sonidos fijos que aparecen a veces en el registro agudo tienen un atractivo singular, porque son fijos pero vuelan. La voz no es pequeña. En todo momento la escuché perfectamente desde las butacas de delantera. La voz está bien proyectada, controlada al milímetro. Y como Mariscala fue sensacional, paladeando el monólogo, primero, y con sus intervenciones en el tercer acto, después. Maravillosa.

J. Di Donato, como Octavian: me gustó muchísimo. En general, estuvo intachable, tanto en lo vocal como en lo escénico. Quizá alguna subida al agudo un tanto descontrolada y algún grave comprometido, muy esporádicamente. Pero en general, sobresaliente.

O. Sala, como Sophie: empezó soberbia en la entrega de la rosa, pero fue a menos, aunque fue capaz de remontar para el trío y la escena final. Me esperaba algo bastante peor, y la verdad es que el control vocal en la entrega de la rosa fue soberbio.

Hawlata, como Ochs: a ver cómo lo digo... Es un cantante infame. Pero este papel pide un "canto" tan singular. Es evidente que el papel se puede leer de forma ortodoxa, pero Hawlata no hace nada que no hiciera un Edelmann. Es decir, un Ochs grotesco, zafio, demasiado hablado y poco cantado, lleno de sonidos feos, rebuscados. Pero, para qué engañarnos, en este papel todas esas heterodoxias me molestaron menos. Si estuviese haciendo un Leporello o cualquier rol italiano, en fin, cualquier otro papel, el despropósito habría sido total. Pero en un papel como el de Ochs, francamente creo que el horror fue matizable.

Zapata, como el cantante italiano: muy justito. El pasaje no hacía ese "click" necesario, y el agudo no terminaba de entrar, crecer y proyectarse. Digamos que el agudo "tocaba" los resonadores pero no los utilizaba. En fin... la voz es buena, tiene cuerpo, presencia, pero técnicamente ese pasaje no le da ningún juego. Sufrí un poco con sus subidas al agudo, ya digo. Mejorable.

L. Nouri, como Faninal: desde ya debo decir que Nouri es un gran actor y para nada una voz menor, como a veces se sugiere. Va más que bien por arriba y por abajo. Un barítono francamente mejor que unos cuantos que han pasado por el Real. Sus breves intervenciones fueron intachables.

En resumen, pues, una función de un nivel musical notable, disfrutable, con un reparto estupendo, salvo leves lagunas, y con una puesta en escena con marcada personalidad.

Audio y reflejo en prensa de la presentación discográfica de "Amor aumenta el valor"

2010-12-22T02:44:00.000-08:00

Queremos agradecer la presencia de todos los que nos acompañaron ayer en la presentación de la grabación de Amor aumenta el valor de Nebra, junto a Luis Antonio González, director de Los Músicos de su Alteza, y M.ª Eugenia Boix, soprano.

El acto se refleja hoy en la prensa local:

Noticia en El Periódico de Aragón

Noticia en El Heraldo de Aragón

Os dejamos el audio de la sesión, para quienes no pudieran acercarse ayer:

Parte 1:

Parte 2:

Presentación de la grabación de "Amor aumenta el valor". Encuentro con Los Músicos de su Alteza.

2010-12-14T05:12:00.000-08:00

La Asociación Aragones de la Ópera Miguel Fleta ha organizado un encuentro con Los Músicos de su Alteza para presentar su grabación de "Amor aumenta el valor", de Nebra. Se ha programado así un encuentro con Luis Antonio González (director de Los Músicos de su Alteza) y M. ª Eugenia Boix (soprano), que tendrá lugar el día 21 de diciembre, martes, a las 19:00 horas en el Salón de Actos del Museo Camón Aznar Ibercaja en Zaragoza.

Estáis todos invitados. Será un placer encontrarnos de nuevo para charlar y escuchar juntos a Nebra.

Descargar invitación

Crónicas de funciones: Tosca, Florencia, 9/12/2010

2010-12-12T00:06:00.000-08:00

Función del día 9 de diciembre de la Tosca pucciniana. Con un reparto, que según se indicaba era Violeta Urmana (Tosca), Marco Berti (Mario Cavaradossi) y Ruggero Raimondi (Scarpia) en los principales roles. Como secundarios Alessandro Guerzoni (Angelotti), Fabio Previati (Sacristán) y Carlo Bossi (Spoletta). Con la Orquesta y Coros del Maggio Musicale Fiorentino, todos ellos dirigidos por Zubin Metha.

Cuando ya estábamos todos acomodados en nuestras localidades y el director al frente de la orquesta, desde la embocadura del Teatro salió el director del mismo, para indicar que Marco Berti no iba a actuar porque le era imposible cantar. En su lugar otro tenor italiano, Walter Fraccaro iba a representar a Mario Cavaradossi. Este tenor estaba en Florencia dando unos cursos y le ofrecieron la posiblidad de cantar Tosca, mientras durase la indisposición de Berti.

La orquesta sonó fantástica, bien dirigida -sin partitura- por Metha que cuidó a los cantantes, matizando los instrumentos, llevando a momentos de gran exquisited la música de Puccinni. Un gran conjunto que junto a Urmana fue lo mejor de la velada. (por cierto, orquesta que viene con su director a Zaragoza en enero de 2011).

Urmana, cálida, con un gran volumen de voz, buena actriz y buen suicidio, pero a veces un poco áspera en sus agudos, recibió los mayores bravos de la noche y su voz potente se comió a Raimondi y a Fraccaro. Éste fue un tenor correcto durante toda la representación. Y Raimondi, ante todo fue un gran actor que en algún momento cantó -quien tuvo retuvo- aunque mayoritariamnete recitaba con musicalidad pero al que el públicó italiano braveó al finalizar el segundo acto. Aun así una voz que desde la fila quinta del patio de butacas sobresalía ante el buen y atinado coro al finalizar el primer acto, eso sí adelantándose siempre a la música. De los comprimarios señalar que cumplieron sobradamente con sus roles. La regia -de Mario Pontiggia- clásica, totalmente clásica se dejó ver sin sobresaltos.

En resumen, Metha, Urmana y la Orquesta nos ofrecieron una excelente Tosca.