tag:blogger.com,1999:blog-64326930373195913752024-03-05T20:52:36.967+01:00Gigantes y cabezudosUnknownnoreply@blogger.comBlogger201125tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-57809487388395970572014-04-10T09:28:00.000+02:002014-04-10T09:30:17.724+02:00Encuentro con Teresa Berganza<div align="justify"><i>El próximo martes 15 de abril nos honrará con su presencia la gran Teresa Berganza. A sus ochenta años la gran mezzo-soprano española sigue siendo tan activa, tan moderna y tan genial como siempre. Sergio Castillo recapitula para nuestro blog su paso por Zaragoza antes de esta visita.</i></div><br />
<div align="center"><img src="https://lh6.googleusercontent.com/-nPHrf8AvD7A/U0XUzHjkOuI/AAAAAAAABm4/ULuuXhWwjf0/s500/TeresaBerganza.jpg"></div><br />
<div align="justify">Teresa Berganza y Victoria de los Ángeles han sido las dos únicas cantantes españolas del rutilante firmamento lírico español que, bien por las fechas en que se desarrollaban las temporadas líricas zaragozanas, bien por los títulos seleccionados por la dirección artística del teatro, nunca participaron en las funciones de ópera de Zaragoza. Su canto fue acompañado por el piano y, el lied, la canción española y arias de ópera y romanzas de zarzuela protagonizaron sus recitales.<br />
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El año 1986 fue muy importante líricamente hablando para los melómanos aragoneses. En las Fiestas del Pilar, en el Real Seminario de San Carlos dio Victoria de los Ángeles un recital en Zaragoza, acompañada al piano por Manuel García Morante. Un mes más tarde, en el Gran Teatro Fleta se presentaba la Antología de la Zarzuela de Tamayo, en la que, entre otros, cantó Pedro Lavirgen la jota de <i>La Dolores</i> poniendo fin a la representación y, en el verano de ese año, un cinco de agosto, el recital de Teresa Berganza en el marco del II Festival Internacional de Música “Florencio Repollés” que organizó la Diputación de Zaragoza en el Monasterio de Veruela. Un año antes había cantado en dicho espacio Monserrat Caballé.</div><br />
<div align="center"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/pV4I12TNBR8" width="420"></iframe><br />
<span style="font-size: xx-small;">Siete canciones populares. No. 5 Nana - Teresa Berganza y Félix Lavilla</span></div><br />
<div align="justify">Fue posiblemente la primera actuación en tierras zaragozanas de la soprano madrileña. Ni Emilio Reina en su libro Un siglo de música en Zaragoza (1888-1985) recoge actuación alguna de Teresa Berganza antes de 1985 en la capital del Ebro. Acompañada por Juan A. Álvarez Parejo al piano, cantó arias de las óperas de Pergolesi, Haendel, Mozart, Rossini, Thomas, Massenet y Bizet, en la primera parte y, en la segunda, canciones españolas de los compositores Toldrá, Guridi, Turina y Falla. Antes del descanso, finalizó el recital con la inmortal “Habanera” de Carmen, y el final del concierto fue con tres de las <i>Siete Canciones Populares españolas</i> de Falla, jota incluida.<br />
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La última aparición de Berganza en Zaragoza fue el 6 de febrero del 2006, en la Sociedad Filarmónica de Zaragoza, con su hija Cecilia Lavilla y acompañadas por el mismo Álvarez Parejo. Sonó en el Auditorio de Zaragoza la música de Monteverdi, Haendel, Paisiello, Haydn, Mozart, Mendelssohn, Gounod, Massenet, Dvorack y Donizetti. El final, de bis, fue con el <i>Duetto de Gatos</i> de Rossini.</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Sergio Castillo">Sergio Castillo</a> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-59103743227656442872014-03-26T22:29:00.000+01:002014-03-26T23:52:58.482+01:00300 aniversario del nacimiento de Gluck<div align="center">
<img alt="Christoph Willibald Gluck painted by Joseph Duplessis" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8e/Christoph_Willibald_Gluck_painted_by_Joseph_Duplessis.jpg/483px-Christoph_Willibald_Gluck_painted_by_Joseph_Duplessis.jpg" height="400" /><br />
<span style="font-size: xx-small;">Christoph Willibald Gluck - J. Duplessis (fuente: Wikipedia)</span></div>
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Mañana tendrá lugar nuestra tertulia mensual, dedicada en esta ocasión a uno de los compositores que cambiaron el destino de la ópera, Christoph Willibald Gluck, cuando se va a cumplir el 300 aniversario de su nacimiento, un 2 de julio de 1714. Gluck es el eslabón que nos permite transitar desde la ópera entendida bajo los códigos netamente barrocos hasta el género acabado y único que nos legó Mozart. Gluck, tan admirado por ese otro revolucionario que fue Wagner, fue el responsable de la gran reforma de la ópera durante el siglo XVIII. Su reforma pretendía sobre todo acrecentar la valía dramática de la ópera, durante el barroco a menudo volcada en la mera recreación estética, a través de líneas vocales floridas y llenas de fantasía, pero muy frecuentemente huecas, faltas de un compendiado dramatismo.<br />
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Grosso modo, Gluck fue abundando en esta reforma con cada una de sus composiciones, desde la primera (<i>Artaserse</i>, de 1741) a la última (<i>Écho et Narcisse</i>, de 1779), si bien son <i>Orfeo y Euridice</i> (1762 en su versión italiana, 1774 en su versión francesa), <i>Alceste</i> (1767 en su versión italiana, 1776 en su versión francesa), <i>Ifigenia en Taulide</i> (1774), <i>Armida</i> (1777) e <i>Ifigenia en Tauride</i> (1779) las que resumen de un modo más paradigmático su transformación del género. Dicha transformación (siempre indicada sobre la ópera seria) podría concretarse, sintetizada de un modo académico, en varios puntos:<br />
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<li> acotación de los recitativos secos, ahora también orquestados, y supresión generalizada de las arias da capo, rompiendo progresivamente con la rigidez y los convencionalismos barrocos en las formas musicales. Aria y recitativo debían guardar una natural continuidad, y se intenta vincular a ciertos personajes con determinados motivos musicales.</li>
<li> revisión de la ornamentación superflua, no vinculada directamente con el texto y el argumento, sino meramente escrita para el lucimiento de los solistas. Los grandes números vocales tenían lugar, pero siempre que el libreto lo justificara. La música debía servir al texto y al drama, y no al contrario.</li>
<li> búsqueda de un mayor dramatismo argumental, entendido a su vez como un ideal de realismo y verosimilitud expresiva, huyendo en lo posible de la reiteración argumental propia del barroco.</li>
<li> protagonismo de los coros, convertidos casi en un personaje más de la trama, habida cuenta de su presencia musical, retomando el ideal griego de la tragedia. De igual manera la orquesta pasa a desempeñar un papel descriptivo y con peso propio, no limitándose a jugar el rol de un mero acompañamiento musical para las voces. Estamos así ante el principio de lo que más tarde sería la orquesta propia del Romanticismo.</li>
<li> mayor unidad de la partitura, vinculando los temas de la obertura, entendida ya casi como una breve sinfonía, con el desarrollo posterior del drama.</li>
</ol>
A pesar de su valor histórico, la reforma propugnada por Gluck no gustó a todo el mundo, siendo muchos los defensores del estilo italianista previo contra el que dicha reforma se extendía. De hecho, Gluck no planteó una cruzada al barroco como tal, sino a una determinada forma italiana de concebir la ópera. En este sentido, es elocuente recordar la conocida como "Querella de los gluckistas y los piccinnistas", que dividió al público parisino allá por 1779. Tras unos años de creciente disputa y rivalidad entre Gluck y el italiano Piccinni, el intendente de la ópera de París determinó encargar a ambos componer una ópera sobre el mismo tema, la <i>Iphigénie en Tauride</i>, buscando con ello una pugna que situase a París en el centro de la ópera, frente a su capitalidad natural por entonces, situada en Viena.<br />
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<div align="center">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/zQHTblcylF0" width="420"></iframe><br />
<span style="font-size: xx-small;">Iphigénie en Taulide - Ò malhereuse Iphigénie (Mireille Delunsch, Les Musiciens du Louvre, Marc Minkowski)</span></div>
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Fue Gluck quien completó antes su partitura, estrenándola con gran éxito en mayo de 1779. El trabajo de Piccinni tardó dos años más en llegar, estrenándose en enero de 1781 con muy escaso éxito, ratificando la ya esperada victoria de Gluck, de algún modo decidida de antemano.<br />
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De todo esto y mucho más podremos hablar mañana en nuestra tertulia mensual. ¡Os esperamos!<br />
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<div style="text-align: right;">
Alejandro Martínez</div>
</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-80230643708650199142014-03-19T07:00:00.000+01:002014-03-19T07:00:01.187+01:00El ¿verdadero? argumento de Carmen (y IV)<div align="justify"><i>Último acto de </i>Carmen<i>, de Bizet. Si os perdisteis los anteriores, podéis recuperarlos <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/ArgumentoCarmen">aquí</a>.</i></div><br />
<div align="center"><img src="https://lh6.googleusercontent.com/-Osg8s8th_hE/UyjVqZfY0rI/AAAAAAAABlE/qDudeIgghrc/s461/Teresa%252BBerganza%252BPlcido%252BDomingo%252BEtc%252BClaudio%252BAbbado%252B%252BDomingoBerganza.jpg" ><br />
</div><br />
<b>Acto IV</b><br />
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<div align="justify">En el cuarto y último acto volvemos a Sevilla. Es tarde de toros y asistimos a una encantadora escena costumbrista con niños, soldados, putarracas, toreros, vendedores, es decir todo lo que llevamos viendo desde el acto primero, pero todo a la vez, que siempre hace más mono. Carmen está en Sevilla para ver a Escamillo, que para sorpresa de propios y extraños se ha convertido en su nuevo amante. Pero las putarracas amigas suyas le avisan de que les ha parecido ver a Don José escondido. Y, en efecto, allí está. Acaba de volver de Pamplona tras la muerte de su madre, y no es que por una vez Micaela hubiera acertado con sus visiones. La madre de Don José estaba como una rosa de pitiminí, pero en cuanto vio a su militar retoño entrar por la puerta de la casa, se le cruzó el cinco por ocho del zortzico y no volvió a levantar cabeza. Para aliviar sus sufrimientos hubo que recurrir a la eutanasia pasiva, a la activa y a la perifrástica, pero al final Don José, deshecho en llanto, enterró a la pobrecilla, y de paso consiguió por fin dar esquinazo a Micaela, que le tenía la cabeza loca con sus mentecateces. Como creo que ya hemos mencionado en alguna ocasión, Don José es tonto de remate, así que en vez de aprovechar para irse a tomar las aguas a algún elegante balneario para reponerse, lo que hace es irse corriendo a Sevilla a comprobar si Carmen le engaña o no con el torero, aunque para averiguar eso no hacía falta irse hasta el Guadalquivir, porque hasta en Groenlandia saben que Carmen le ha puesto unos cuernos del tamaño de la Giralda.</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/r5Hh-3QjhGM" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Carmen: escena final - Teresa Berganza y Plácido Domingo</font></div><br />
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<div align="justify">En fin, que allí se encuentran Carmen y Don José, y el navarro empieza en plan bobo, que si tú ya no me quieres, que si me tienes que querer, que hay que ver, con lo que yo he hecho por ti, que te he sacrificado mi vida entera, provocando en Carmen bostezos de hora y cuarto. Don José, conviene recordarlo aquí, es profundamente memo, y en vez de hacer lo que sería más lógico, es decir, esperar tres días a que a Carmen se le pase el furor toreril y probar suerte de nuevo, se viene arriba y empieza con las amenazas, que si tú verás lo que haces, que si tú no sabes de lo que soy capaz, que si a ver si te vas a arrepentir. Carmen ya ni le contesta, y se pone a ver si pasa el nivel 93 del Candy Crush, que lleva días atascada. Y entonces Don José se pone hecho una fiera, y le dice a la gitana que es lo peor, que es más mala que la tos, y que ha decidido olvidarla y rehacer su vida matriculándose en la UNED para estudiar un máster en tecnología de los alimentos y un doctorado en lenguas moribundas. Y claro, a Carmen (bueno, a Carmen y al resto del reparto, al coro, a la orquesta, al público, y a la familia del público hasta el segundo grado de consanguinidad) le da la risa. Pero no una suave sonrisa, no, una risa estentórea y atragantada, que no mejora nada en el momento que Escamillo sale de la plaza y resulta que esta mañana le ha vestido un mozo de estoques nuevo, y le ha puesto la taleguilla para el lado que no es, y tiene, según sus palabras, "la cebolleta muy sensible". Total, que Carmen se ríe como una enloquecida, se ríe hasta que no puede más, se ríe hasta que se muere de risa. Tendida queda en el suelo, y a Don José, que no sé si lo habíamos dicho ya pero no es más tonto porque es física y químicamente imposible ser más tonto, no se le ocurre nada más que ponerse a dar gritos diciendo Carmen mía, Carmen mía, yo te he matado, con lo que la policía se lo lleva y el suspiro de alivio de todos los presentes agita el telón mientras desciende sobre la escena. <br />
<br />
FIN</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Jesús Aguado">Jesús Aguado</a> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-34912003091513893042014-03-12T07:00:00.000+01:002014-03-12T07:00:01.015+01:00El ¿verdadero? argumento de Carmen (III)<div align="justify"><i>Continuamos con el argumento de </i>Carmen<i>, de Bizet. Si os perdisteis los dos primeros actos, podéis recuperarlos <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/ArgumentoCarmen">aquí</a>.</i></div><br />
<div align="center"><img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/db/Georges_Bizet_par_Henri_Meyer.jpg" height="500"><br />
<font size=1>Caricatura de Georges Bizet - Henri Meyer ( fuente: Wikipedia)</font></div><br />
<b>Acto III</b><br />
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<div align="justify">El tercer acto se desarrolla en la guarida de los contrabandistas, situada en un lugar remoto y oculto en la sierra agreste y montaraz. Ha pasado un cierto tiempo, y los dos protagonistas están hasta el gorro el uno del otro: Carmen, pasados los tres días de media que le duran los enamoramientos, ya solo ve en Don José lo mismo que los demás, es decir, que tiene un encefalograma más plano que una zapatilla de esparto. Don José, por su parte, pese a lo débil de su conexión con la realidad, se da cuenta de que el peso que lleva días notando en la frente no es una migraña, sino los cuernos que Carmen le está empezando a poner hasta con el encargado del guardarropa, al que todos hasta entonces conocían como "La Moderna". Toda la banda de contrabandistas y meretrices está a su vez hasta el gorro de las tontunas de la pareja, y en estos y otros amorosos coloquios pasan alegremente los días en el remoto refugio. Carmen quiere consultar al destino, así que llama al canal de Televidencia, donde Sheherazade Gonzaless, tras consultar el tarot de los ángeles, le dice que le ve un futuro muy prometedor en el campo de la ingeniería de telecomunicaciones, y que un señor moreno, alto y apuesto le hará tres churumbeles como tres soles. Carmen, que es muy larga, no se queda en la superficialidad de las palabras de la videnta, sino que interpreta semejantes augurios como un anuncio de que su muerte está cerca, pero sigue haciendo lo que le sale de sus morenas partes. </div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/wJisMQMA61A" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Carmen: Je dis que rien m'épouvante (Micaela) - Mirella Freni</font></div><br />
<div align="justify">Al remoto refugio, oculto en lo más lejano de la montaraz sierra, etc., llega nada menos que Micaela, para horror de todos los presentes. La trastornada navarra, por aprovechar el bono del AVE, vuelve a las andadas, y le dice a Don José que ha tenido una visión en la que una pobre anciana moribunda agoniza entre estertores. En realidad lo que había visto Micaela era un programa de María Teresa Campos, pero como previamente se había metido en el cuerpo medio Vademecum, estaba ella como para distinguir la realidad de la ficción. En estas andan, que si me voy a Pamplona o no, cuando al remoto refugio, oculto en lo más lejano etc., y para el que Radiotaxi está pensando en establecer una tarifa estable dado el trasiego de pasajeros, llega Escamillo, que no tiene otra cosa que hacer que irse al monte a buscar a Carmen para tirarle los tejos delante de toda la banda delictiva, gran parte de cuyos miembros está con medicación para soportar tanta payasada. Carmen le pone ojitos al gallardísimo torero y Don José se muere de celos, pero acaba yéndose con Micaela, más que nada para que la chiquilla deje de berrear como una mula que la viejecita dichosa está rodeada de seres perversos y depravados y que se condenará eternamente si Don José no acude al rescate. Cuando el navarro se marcha, la banda hace una asamblea para elegir un nuevo emplazamiento para su refugio, más tranquilo y solitario, y acaban trasladándose todos a la calle Preciados de Madrid, seguros que aparecerá menos gente por allí que por las dichosas montañas agrestes y amenazadoras. <br />
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(continuará)</div><div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Jesús Aguado">Jesús Aguado</a> </div><br />
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-31333597897274005242014-03-05T07:00:00.000+01:002014-03-05T08:51:38.575+01:00El ¿verdadero? argumento de Carmen (II)<div align="justify"><i>Continuamos con el argumento de </i>Carmen<i>, de Bizet. Si os perdisteis el primer acto, podéis recuperarlo <a href="http://operaaragon.blogspot.com.es/2014/02/el-verdadero-argumento-de-carmen-i.html">aquí</a>.</i></div><br />
<div align="center"><img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Henri-Lucien_Doucet_-_Carmen.jpg/275px-Henri-Lucien_Doucet_-_Carmen.jpg"><br />
<font size=1>Celestine Galli-Marié (1840–1905), la mezzosoprano que estrenó el papel de Carmen - Henri Lucien Doucet ( fuente: Wikipedia)</font></div><br />
<b>Acto II</b><br />
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<div align="justify">El acto segundo cambia radicalmente, y nos encontramos con que todo el protagonismo recae en una ONG dedicada a dar tratamiento a niños que han sufrido acoso en la escuela. El sujeto por el que se interesan es un caso realmente difícil: un sevillano de pura cepa, cuyos padres, que se creían en la cresta de la onda, no tuvieron otra ocurrencia que ponerle de nombre de pila "Lilas". Con dos eles, que eran ellos muy afrancesados, pero Lilas, al fin y al cabo, y Pastia de apellido, con lo que a la criatura en el colegio no es que le pegaran sus compañeros de vez en cuando, es que los turnos de las palizas venían ya en la Programación General Anual del centro y pasaban por el Consejo Escolar y todo. La ONG había establecido un plan de actuación de urgencia con el chaval, que incluía retirarle la custodia a los padres, y montarle un negocio al nene, que ya estaba crecidito, para intentar que comiera caliente de vez en cuando. El bueno de Lilas pidió que le ayudaran a abrir una enoteca / gastrobar, pero en la ONG, que en realidad era una tapadera del presidente del Sevilla para blanquear dinero procedente del tráfico de costaleros, le dijeron que lo único que les quedaba era el kit de taberna inmunda de putas y contrabandistas, así que el lila de Lilas (perdón, Lillas) tuvo que conformarse. <br />
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Lo cierto es que el negocio no le va nada mal, pues lo encontramos lleno de los dos tipos de parroquianos que constituyen su target, es decir, putas y contrabandistas, completando el aforo los militares del regimiento del pobre Don José, que van allí a ahogar en alcohol sus escasos ratos de ocio. Ni que decir tiene que Carmen es el alma del local, enloqueciendo hasta el delirio y sin remedio a todos los hombres que pasan por la taberna, excepto a los contrabandistas, que están muy metidos en sus chanchullos para prestar atención al grupo que forman Carmen y dos amigas, que se están preparando en secreto para abandonar el mundo del vicio y presentarse a los castings de La Voz. En estas y otras milongas andan todos, incluyendo al superior de Don José, que frecuenta la taberna con la intención de frecuentar ciertas partes de la anatomía de Carmen, que se niega a pasar por la cama si el capitán no pasa antes por caja. Don José, a todo esto, lleva varios meses en un oscuro y húmedo calabozo en el que no halla más compañía que la de una avecilla que le cantaba al albor ni más consuelo que pensar día y noche en su adorada Carmen, de ensortijados cabellos negros como la pez. <br />
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Lillas ha contratado recientemente los servicios de una agencia de publicidad, y como primera estrategia para visibilizar el negocio y que la clientela se le sanee un poco, trae a hacerse un bolo nada menos que al famosísimo torero Escamillo, que casualmente fue el proyecto anterior de la ONG: con ese nombre, figúrense lo que le habrían dado al infeliz en las capeas en sus duros años de maletilla. Pero ahora es una figura consagrada, y su presencia en la taberna hace que todo el lumpen que por allí pulula se ponga como las locas a cantar a voz en cuello canciones sobre la fiesta nacional, el valor, la hombría, la fugacidad de la vida, la eternidad de la muerte y todos los temas típicos del desinhibido canto popular. También sirve para que Escamillo le eche el ojo, cómo no, a Carmen. Pero con Carmen no hay nada que hacer, porque está pesadísima con su Don José y su Don José, que no se le cae de la boca, y tiene a todo el reparto, incluyendo al coro, hasta más arriba de la peluca con su tozudez. </div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/elWJgtXQuUo?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Carmen: Votre toast(Habanera) - Gerald Finley<br />
(un ¿verdadero? argumento se merece una versión diferente)</font></div><br />
<div align="justify">Cuando por fin se marcha Escamillo con todo su séquito, los contrabandistas se quedan en la taberna planeando sus contrabandismos, para lo que necesitan a las chicas, pero Carmen sigue empeñada en que ella no se mueve porque espera a su Don José, ya que se ha enterado de que el inocentón ha salido hoy de la cárcel. Y, efectivamente allí llega el recién degradado a soldado raso, que en su primer día de libertad llega corriendo a buscar a su noviecita. La Carmen lo recibe con las extremidades abiertas, lista para dar rienda suelta, por fin, a toda su lujuria, pero, queriendo crear un clima de tensión y tórrido deseo, pierde el tiempo miserablemente en cancioncitas, de manera que cuando por fin se ponen a consumar su amor, suena a lo lejos el toque de retreta, y Don José le dice que tiene que irse. La que le monta Carmen no está en los escritos, le llama mariquitusa y afirma que el navarro prefiere la compañía de sus musculosos y sudorosos compañeros con el torso desnudo (se diría incluso que la moza se detiene un instante de más en la perturbadora imagen) a la suya, cosa que no se explica, porque en sudores no les va a la zaga, y en excesos capilares, tampoco. <br />
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En medio de la bronca aparece el capitán, que insiste en pretender a la gitanaza, lo que provoca un terrible enfrentamiento entre los dos machos, que inmediatamente se quedan con el torso desnudo para dirimir sus diferencias. Carmen empieza a ponerse un poco mosca cuando Don José empieza a deshacerse en elogios sobre los tatuajes que luce el capitán, y aún más cuando el superior murmura un par de comentarios apreciativos sobre la musculatura del otro, y le sugiere un aceite corporal que resaltaría aún más los poderosos músculos de sus hombros. Dándose cuenta de que su reciente decisión de depilarse el bigote puede empezar a jugar en su contra, Carmen reacciona amenazando con grabarlo todo en vídeo y colgarlo en las redes sociales, lo que provocaría un escándalo en la milicia de dimensiones colosales. Los dos perturbados varones vuelven a su ser y retoman la pelea con gran violencia para ahuyentar cualquier duda sobre su orientación, y Don José por fin decide renunciar a su vida en la milicia para irse con Carmen a contrabandear todo el día y a vivir una vida romántica y llena de peligros.<br />
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(continuará)</div><div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Jesús Aguado">Jesús Aguado</a> </div><br />
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-45062774366926690822014-02-26T07:00:00.000+01:002014-03-04T22:40:22.406+01:00El ¿verdadero? argumento de Carmen (I)<div align="justify"><i>Don José es un militar que se enamora perdidamente de Carmen, una gitana que trabaja en la fábrica de tabaco de Sevilla. Micaela, novia de Don José, llega a Sevilla... o no, quizá no es exactamente así la historia. Jesús Aguado nos cuenta, en una serie de cuatro entradas, el ¿verdadero? argumento de la ópera </i>Carmen<i>, de Bizet </i></div><br />
<div align="center"><img src="https://lh5.googleusercontent.com/-5Gh1YIxWfQI/Uw0U203gkjI/AAAAAAAABic/4KaSKyatF6k/s500/carmen%2520-%2520garanca.jpg"><br />
<font size=1>Elina Garanča como Carmen ( Foto: Ken Howard/Metropolitan Opera)</font></div><br />
<div align="justify"><b>Acto I</b><br />
Esta es la historia de un niño que nació en un soleado día de primavera en Pamplona. Su madre, que era muy rumbosa, le puso por nombre Don José, convencida de que el bebito llegaría a hacer grandes cosas en la vida. A los tres días estaba completamente desengañada, porque en seguida se dio cuenta de que el adorable chiquillo era más tonto que una mata de habas, así que apretó los dientes y aguantó como pudo hasta que el nene tuvo edad de merecer, lo apuntó a la Guardia Civil, lo empaquetó lo mejor que supo y lo mandó por SEUR a Sevilla, con la idea de que la Benemérita y la madre patria, en orden a elegir, le aguantaran las tontunas al angelito. <br />
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Y efectivamente, en Sevilla lo encontramos, hecho un pincel, con su reluciente uniforme y toda su parafernalia, integradísimo en la vida de su regimiento, lleno de gallardos soldados siempre dispuestos a quedarse en camiseta y a socorrer a una damisela en apuros. Y la damisela a la que les da por socorrer es nada menos que Micaela, que, oh casualidad, también es de Pamplona, y está en Sevilla buscando a Don José para darle un recado de su madre. Lo mejor de todo es que en realidad Micaela no conoce ni de lejos ni a Don José ni a su madre, que desde que se libró del retoño por vía militar se ha dedicado con gran éxito al zortzico-fusión. Resulta que Micaela es una trastornada de la vida, una desventurada que abusa de todo tipo de sustancias, y que, tras una dramática intervención por parte de su familia, decide ponerse en terapia. Y acaba de salir de su primera sesión y resulta que lo ha entendido todo mal, porque ha ido puesta hasta las cejas, y la pobre no distingue lo que le dice el terapeuta de lo que le dicen las voces que oye en su cabeza, así que se hace un lío, se compra un billete de AVE y se presenta en Sevilla diciendo que busca a un tal Don José como podría decir que busca la receta de la empanada de zamburiñas. Así que, claro, llega ante Don José, se pone a hablarle de su madre, y el pobre, al que la milicia le ha mejorado el tipo pero no el sentido, se autoconvence de que la politoxicómana ésta es en realidad una niña de Pamplona con la que él jugaba de niño, sin darse cuenta de que su amiguita de la infancia se llamaba Purrusaldita y no Micaela. De mal en peor, vamos.<br />
<br />
A todo esto, los soldados y la población masculina de Sevilla en general está pendiente de una gitana con mucho tronío que trabaja en la fábrica de tabacos y que enamorisca a propios y extraños con su gracejo y su singular belleza racial. Carmen ejerce de espíritu libre, lo que traducido a lenguaje coloquial quiere decir que hace lo que le sale de sus partes sin pararse a pensar en consecuencias. La historia de la muchacha es bastante peculiar de por sí: Carmen es una chica de buena familia, concretamente es hija de un próspero industrial de Tarrasa, y tras estudiar dos carreras y tres master en prestigiosas universidades y doctorarse en psicopatología ultramolecular de los péptidos anabólicos se encontró con una mano delante y otra detrás y pasando más hambre que Carpanta en cuaresma. Convencida de que necesitaba un cambio radical, se pasó una semana entera a dieta estricta de Telecinco, tras lo cual se hizo mechas californianas, ingles brasileñas, y rompió a putear con entusiasmo. Se fue a Sevilla para no avergonzar a su muy tradicional familia, y en poco tiempo se labró una reputación en toda la ciudad. Cuando conoce a Don José, el exceso de sombra de ojos y el amoniaco del tinte le juegan una mala pasada, ya que, aturdida por los efluvios químicos y por su obstinación en no ponerse las lentillas, tarda toda una habanera en darse cuenta de lo que todo el mundo se da cuenta al instante: de que Don José es tonto de capirote. Como no ve tres en un burro, le tira una flor pensando que es el contenedor de residuos orgánicos, y el memo de Don José la recoge de inmediato y se la guarda en la pechera para intentar, sin éxito apreciable, mitigar un poco el indiscutible hedor a chotuno que despedía el mozo, poco aficionado al agua y al jabón.</div><br />
<div align="center"><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/-Y5YRDUxGC8?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Carmen: L'amour est un oiseau rebelle (Habanera) - Elina Garanča </font></div><br />
<div align="justify">Poco después, mientras Don José pasa el rato con sus viriles compañeros de regimiento, llega un aviso de que se está produciendo una pelea en la fábrica de tabacos, y, cómo no, la protagonista es la racial Carmen. Lo que ocurre, en realidad, es que la empresa está planeando lanzar un ERE brutal que dejará al 93% de la plantilla en el Parque de María Luisa tomando el sol, y han contratado a Carmen como infiltrada para espiar a los enlaces sindicales por vía del conocimiento carnal. Y resulta que las compañeras de la joven se han enterado tanto del carácter de infiltrada de la muchacha como del carácter digamos íntimo del espionaje que estaba llevando a cabo sobre los mencionados enlaces sindicales, que a la sazón ejercían de novios y/o maridos de varias miembras de la plantilla, y han convocado una puesta en jarras y una decidida acción de tirar del moño a la interfecta, pero ella, más chula que un ocho, se defiende a navajazos hasta que llega la guardia. Y cuando llega la guardia, resulta que es Don José el encargado de llevar a la rea al cuartel. Pero la moza se da cuenta en seguida de que el memo de Don José lleva su flor guardada, y como, para mayor suerte, le ha dejado una mancha en la camiseta, es pan comido para la astuta morenaza (teñida) convencer al simplísimo militar de que la flor lo ha hechizado y que ama apasionadamente a la gitana. Una vida truncada por no tener un quitamanchas a mano, ya ven ustedes. Total, que Don José, que ya en su estado natural tiende al babeo, al sentirse enamorado directamente anega la fértil vega del Guadalquivir con su saliva, y se presta a todo lo que Carmen le manda, que básicamente va a consistir en dejarla escapar. Pobre Don José, atontado, enamorado, degradado y encarcelado. Mucho participio para tan poca neurona.<br />
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(continuará)</div><div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Jesús Aguado">Jesús Aguado</a> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-32323840558873981762014-01-29T07:00:00.000+01:002014-01-29T07:00:02.037+01:00Alfredo Kraus en Zaragoza<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-qzuN85WTkgQ/UugKeZ2l0yI/AAAAAAAABfw/DhktykNEz0U/s500/Alfredo%2520Kraus.jpg" height="400"></div><br />
<div align="justify">La Comisión de Festejos del Ayuntamiento de Zaragoza se preguntaba por el caché que tendría el tenor Alfredo Kraus para poder interpretar el papel de Jesús (en principio adjudicado a un barítono) en la zarzuela <i>Gigantes y Cabezudos</i> de Manuel Fernández Caballero. Esta reunión tuvo lugar el 9 de agosto de 1963<sup>1</sup>. La idea era representar dicha zarzuela en el Teatro Principal, con motivo de las fiestas de la patrona de la ciudad, el mismo día 12 de octubre y con Ana María Olaria en el papel protagonista de la misma.<br />
<br />
Sin embargo, habría que esperar dos años más para que el insigne tenor debutase en Zaragoza el 28 de mayo de 1965. Ese año, la Temporada Oficial de Ópera organizada por el Ayuntamiento zaragozano constaba de tres títulos: <i>Tosca</i>, <i>Manon</i> y <i>Carmen</i> que se representarían los días 27, 28 y 29 de mayo, respectivamente, aunque la idea municipal era, a priori, hacer cinco títulos. No pudo ser.<br />
<
<i>Manon</i> de Massenet fue la ópera elegida para el debut de Afredo Kraus<sup>2</sup> junto a la soprano María Luisa Cioni, en el papel protagonista. Junto a ellos, el barítono José Simorra en el papel de Descaut y el bajo Julio Catania en el rol del conde Des Grieux. Junto a ellos cantaron, César Munain, Antonio Cabanes, Fuensanta Riera, Eduardo Soto y Julián Carpintero. Coros del Liceo y la Orquesta Sinfónica “Luis Aula” bajo la dirección del maestro Adrián Sardó, completaron el elenco operístico.<br />
<br />
Al día siguiente de la función, la prensa zaragozana llenó de titulares sus hojas. <b>Maravillosa representación</b> (Noticiero), <b>Triunfo de Alfredo Kraus y Luisa Cioni</b> (Heraldo de Aragón) <b>Extraordinario triunfo</b> (Amanecer). Y los críticos Felipe Bernardos, Aranda y Hermanos Albareda que habían consignado la expectación que el debut del tenor canario causó entre los amantes zaragozanos de la lírica, señalaron en sus crónicas acerca de su actuación: <i>Su afinación depuradísima, la sensibilidad que le hizo ser ovacionado en todo momento, su voz flexible y matizada, de timbre luminoso y amplio registro, arte depuradísimo, técnica excelente y perfila las notas y afina con prodigiosa precisión</i> fueron las notas escritas sobre el canto de nuestro protagonista.<br />
<br />
Al final de la representación, y dadas las numerosas muestras de cariño y afecto que le profesó el público zaragozano presente, el tenor se dirigió a ellos agradeciéndoles su inolvidable acogida y prometiendo volver a Zaragoza.<br />
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<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/yfq5actRdkU" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Alfredo Kraus durante el homenaje a Miguel Fleta en el centenario de su nacimiento (10/10/1998)</font></div><br />
Alfredo Kraus sería uno de los cantantes habituales del coliseo zaragozano junto a Monserrat Caballé y Bernabé Martí, en las Temporadas de Ópera de Zaragoza. Las siguientes funciones que cantó Kraus en el Teatro del Coso fueron, en 1966 <i>La Favorita</i> con Laura Didier y José Simorra; en 1969 <i>Les pêcheurs de perles</i><sup>3</sup>; en 1970 <i>II Puritani</i> con María Fleta; nuevamente en 1973 <i>Manon</i> con María Fleta y también en <i>Don Pasquale</i> con la nieta de Miguel Fleta, Ives Bisson, Loris Gambelli y Enrique Serra; en 1974 <i>Il barbiere di Siviglia</i>; en 1975 <i>Werther</i> con Elena Obraztsova, Dolores Cava y Vicente Sardinero; en 1976 <i>La Favorita</i> con Michele Vilma, Giorgo Zancanaro y Leonida Bergamonti además de <i>Lucia de Lamermoor</i> con Maddalena Bonifacio y Antonio Blancas, Leonida Bergamonti y Dalmacio González, su última aparición en una ópera completa en Zaragoza.<br />
<br />
Ese mismo año de 1976 participó con María Fleta, y otros cantantes de la Temporada de ese año, en el homenaje pro monumento del tenor Miguel Fleta, organizado por el Ayuntamiento, en el Teatro Argensola el 3 de junio. Ambos cantantes Fleta y Kraus interpretaron, con piano, el dúo del primer acto de <i>Manon</i> de Massenet que alcanzó <i>un grado de perfecto lirismo en las voces de estos dos grandes cantantes</i>, como así señaló la crítica especializada.<br />
<br />
Casualmente sería en ese mismo Teatro donde volvería a actuar el tenor Kraus años después, una vez finalizadas las temporadas oficiales de ópera. Fue un recital con piano el 3 de julio de 1986. El Teatro Principal estaba cerrado por reformas (1985-1987).<br />
<br />
Su última aparición en Zaragoza, sería en el Auditorio municipal, con motivo del centenario del nacimiento de otro insigne tenor, Miguel Fleta, precisamente quien da nombre a nuestra asociación.</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Sergio Castillo">Sergio Castillo</a> </div><br />
<font size=1> <sup>1</sup> A.M.Z. Actas de la Comisión de Festejos. 1963. f 20v.<br />
<sup>2</sup> Su cachet por esta función ascendió a 150.000 ptas.<br />
<sup>3</sup> Su cachet fue de 220.000 ptas.</font><br />
Unknownnoreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-89634623511782728452014-01-22T07:00:00.000+01:002014-01-22T07:00:01.076+01:00Algunas reflexiones sobre Werther, de Goethe y de Massenet <div align="center"><img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0f/Goethe_1774.JPG/758px-Goethe_1774.JPG" alt="Goethe, Johann Wolfgang: Die Leiden des jungen Werthers. Erstausgabe 1774 - Wikipedia: Foto H.-P.Haack" width="400"><br />
<font size="1">Primera edición de "Las tribulaciones del joven Werther" (Fuente: Wikipedia. Foto H.-P.Haack)</font></div><br />
<div align="justify">Más de cien años separan las dos obras, la de Johann W. GOETHE, titulada Las tribulaciones del joven Werther, publicada en 1774, y la ópera de Jules MASSENET, con libreto de Blau, Milliet y Hartmann, estrenada en 1892.<br />
<br />
Cien años que dieron para mucho tanto en el ámbito literario como en el operístico. Al menos dos movimientos culturales las separan y las unen: el Romanticismo y el Realismo. El texto de Goethe nació en los albores del pre-Romanticismo alemán, de lo que vino a llamarse el <i>Sturm und Drang</i>, movimiento que significaba “Tormenta e Ímpetu”. No vamos a hablar aquí del eterno debate acerca de si Goethe es un representante del clasicismo o del pre-romanticismo, porque ese es un tema del que se ha escrito mucho y por personas que saben del tema mucho más que quien firma estas líneas. Nos centraremos en algunos de los aspectos de la adaptación de la obra de Goethe al drama musical. Y no olvidaremos que han pasado más de cien años entre la una y la otra. Y que aunque la ópera parezca plenamente romántica, tal vez no lo sea tanto, si nos atenemos a lo que en realidad fue el movimiento romántico.<br />
<br />
No debemos confundir “romanticismo” con lo melifluo, sentimental, con lo que habla de amores apasionados sin más. El Romanticismo, y muy especialmente el alemán, hunde sus raíces en el deseo de plenitud, de absoluto, de divinidad. Y en su imposibilidad. Su necesidad apasionada de vivir los deseos lleva a la tristeza profunda, al dolor vital, al suicidio en algunos casos, como en el del joven Werther. Y es tal imposibilidad de que el hombre sea dueño y señor de su propia vida, y de que lleve a cabo sus deseos de inmensidad y de vida intensa, lo que le hace caer en la melancolía, en la desesperación. En eso que ahora se llama “depresión”, pero que antes se llamaba “melancolía”. Algo que los antiguos pensaban, sin conocer nada sobre predisposición genética, que se relacionaba con el desequilibrio entre los cuatro <b>humores</b>, o elementos líquidos (sangre, flema, bilis amarilla, bilis negra), que componían el ser humano. Según las viejas teorías médicas, especialmente la de Teofrasto, que fue quien ligó los <i>humores</i> a los caracteres de las personas, la melancolía se daba cuando había un exceso de “bilis negra”. <br />
<br />
Pues bien, eso parece ocurrirle al Werther de la ópera de Massenet. Lo primero que se dice de él es que es come y bebe poco, que es educado, distinguido, soñador y melancólico. No ocurre así en el texto literario, que es muy diferente en muchos aspectos. Vamos a comentar algunos de ellos: <br />
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<ul><li type="disc">La obra de Goethe es epistolar. Werther le escribe a su amigo Wilhem y le cuenta lo que es su vida en el lugar al que se ha trasladado. Le escribe cartas, aunque el estilo es más el de un diario en segunda persona. A veces hace referencia a las misivas recibidas, pero nunca aparecen en el texto, por coherencia narrativa. El hecho de que todo aparezca a través de los ojos del protagonista, implica que apenas haya diálogos entre los personajes. Tampoco aparecen los soliloquios de Charlotte, que sí se dan en la ópera, o los de Albert. En Goethe, a ambos los vemos a través de la mirada de Werther.<br />
<br />
<li type="disc">La primera carta aparece fechada el cuatro de mayo, en primavera. En cambio, la ópera comienza en julio, por lo que el tiempo interno es menor. Con eso los libretistas han conseguido una mayor intensidad emocional, que es lo han ido buscando en todos los cambios que han realizado en el texto original para adaptarlo a la teatralidad.<br />
<br />
<li type="disc">Se han eliminado en el drama musical casi todas las referencias anteriores a la aparición de Charlotte. En la ópera aparece ya en el primer acto, y se la nombra en la primera escena, entre el padre y los niños. No es así en la novela. En las primeras cartas, Werther habla del lugar maravilloso, paradisiaco, que ha encontrado. Habla de la naturaleza, de la armonía que le supone su contemplación, su respiración. Dice que querría ser un abejorro para poder exhalar el perfume de todas las flores. Es su deseo de vivir aquí y ahora cada instante. Será precisamente esa imposibilidad de pensar en más allá que el momento presente que le aporta infelicidad, lo que le hará suicidarse. La necesidad de vivir plenamente lo que le rodea es lo que crea el carácter del personaje. Su enamoramiento será un elemento más. Y la plasmación real y tangible de la desesperación. Werther ha comprado un jardín, que es el lugar en el que se siente a gusto con él mismo y con el mundo. El jardín es el paraíso. Su paraíso. Y lo cultiva y lo contempla. Y consigue esa armonía de su microcosmos con el macrocosmos. Una armonía que desaparecerá en el momento en el que conoce a Charlotte, a la que llama una y otra vez “ángel”, pero que será quien provoque su desesperación y su muerte. En la ópera, la alusión a Charlotte como ser angelical es la de “ángel del deber”, lo que justifica todos sus actos, también el de no caer ante los requerimientos de Werther. Los libretistas hacen que el protagonista cante su primera aria junto a la casa de Charlotte. Y es en esa aria cuando habla de la Naturaleza en los términos románticos que hemos comentado antes: “Ô, nature… mère adorable et pure”. La naturaleza como madre protectora. El jardín edénico del que se sale y al que se pretende volver.<br />
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<div align="center"><img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/57/Grasset-Werther.jpg" alt="The poster for the French premiere of the opera Werther by Jules Massenet - Eugène Grasset" height="400"><br />
<font size=1>Poster para el estreno en Francia de Werther (1893) - Eugène Grasset (fuente: Wikipedia)</font></div><br />
<li type="disc">En la ópera, los primeros que aparecen son los niños, los hermanitos de Charlotte, que están ensayando una canción de Navidad. Una canción que reaparecerá al final, en los últimos momentos. Se crea de esta manera una estructura circular, que subraya todavía más la magnitud trágica, y el contraste del dolor de Werther y de Charlotte con la Navidad y los ajenos e inocentes cantos infantiles.<br />
<br />
<li type="disc">En la novela, Werther admira a Albert y lo considera el mejor de los hombres. En un momento le dice que le pedirá las pistolas porque va a hacer un viaje. Albert le contesta que cuando quiera que se las pida. Lo hará al final de la novela. Cuando ya ha hablado por última vez con Charlotte y ha decidido suicidarse. Manda a su criado y Albert le dice a Charlotte que las coja y se las dé. Albert no sospecha lo que va a pasar, pero Charlotte se las entrega vacilante y temblorosa. En la ópera, solo se alude a las pistolas en el segundo caso, por lo que se vuelve a subrayar el dramatismo. Albert sí entiende lo que Werther va a hacer con ellas, y Charlotte lo comprende tan bien que sale de su casa para ir a la de Werther, al que encuentra ya moribundo.<br />
<br />
<li type="disc">En la obra de Goethe no se produce el encuentro final entre los dos enamorados. Werther muere ante Alberto y el padre de Charlotte, y ante los niños mayores. Ella ha enfermado con el disgusto y se teme por su vida. En la ópera hay una escena final en la que Charlotte y Werther se declaran su amor en el lecho de muerte del joven. Un dúo de gran intensidad emocional, como los tres anteriores, uno por acto. <br />
<br />
<li type="disc">La hermana que sigue en edad a Charlotte, Sophie, tiene once años en la novela, pero es una señorita de más edad, “platónicamente” enamorada del propio Werther en la novela. <br />
<br />
<li type="disc">La lectura de los versos de Ossián también aparece en la novela. De hecho, ahí Werther lee varias páginas. En la ópera, solo algunos versos, que se han convertido en una de las más bellas arias del tenor de la historia de la ópera: “Pourquoi me réveiller, ô souffle du printemps?” Se elimina un texto que rompe la intensidad dramática de la conversación entre los dos protagonistas, y se concentra la identificación de los versos osiánicos con los sentimientos de Werther que, además, ha sido su traductor. <br />
</ul><br>
<div align="center"><iframe width="500" height="315" src="//www.youtube.com/embed/OY2hod34Nfk?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><div align="center"><font size="1">Werther (J. Massenet) Rêve... extase... bonheur! - Jonas Kaufmann & Sophie Koch</font></div><br><br>
Podemos concluir diciendo que el libreto de la ópera ha buscado en todo momento centrarse en la historia de amor imposible entre Werther y Charlotte. Y en darle un contenido sentimental y apasionado que la novela no tiene. Al menos no en el sentido melifluo que se respira en la ópera. En este sentido podríamos decir que la ópera es un resultado de cierto romanticismo manierista, si me permiten la expresión. Se ha olvidado de la verdadera esencia platónica del Romanticismo. De hecho, como hemos dicho, el “ángel” que es Charlotte en Goethe, sin calificativos, se ha convertido en Massenet en un “<i>ange du devoir</i>”, un ángel del deber.
El Werther de Goethe fue una obra famosísima en su época. Además de consecuencias literarias y artísticas notables, tuvo al menos dos consecuencias en absoluto relacionadas con el mundo de la palabra o de la música: se puso de moda que los hombres llevaran chalecos amarillos, como el del protagonista; y se produjo una oleada de suicidios entre enamorados jóvenes varones que quisieron emular el comportamiento del joven Werther.
¡Para que luego digan que no es peligroso leer!</div>
<div align="right"><a href="http://operaaragonenpruebas.blogspot.com/search/label/Ana%20Alcolea">Ana Alcolea</a></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-37914148414510910392014-01-15T08:00:00.000+01:002014-01-15T08:00:08.966+01:00Verdi en el Teatro Principal de Zaragoza<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-AY0fbSamk7A/UtW44SVEXQI/AAAAAAAABc0/spzizdjXPZ4/s500/Teatro%2520Principal.jpg"><br />
<font size=1>Teatro Principal de Zaragoza</font></div><br />
<div align="justify">Cuando finaliza el bicentenario del nacimiento de Giuseppe Verdi, no estaría de más recordar cuáles, de sus numerosos títulos, fueron estrenados en el Teatro Principal de Zaragoza desde los inicios del siglo XX hasta el final de la temporada oficial de ópera que, desde la década de los años sesenta hasta 1978, organizó el Ayuntamiento zaragozano.<br />
<br />
La ciudad de Zaragoza contaba con numerosos teatros y tanto ópera como zarzuela, y opereta en menor medida, se alternaron en sus escenarios. El Principal de Zaragoza era el referente cultural de la misma pero no podemos obviar al Teatro Circo, Pignatelli, Iris, Argensola, Fleta, etc entre los numerosos coliseos zaragozanos que recibían la visita de los melómanos. Además, la ciudad de Zaragoza era lugar de estrenos importantes o el escenario donde rápidamente se estrenaban, sobre todo el repertorio lírico español. Sirva como ejemplo que el primer <i>Otello</i> se estrenó en el Principal el 5 mayo de 1909, pero ya en 1901 una compañía italiana llevaba a los escenarios <i>Ernani</i> o <i>Un ballo in maschera</i>.<br />
<br />
Un rápido recorrido sobre las tablas del teatro del Coso indicaría que desde enero de 1908 a abril de 1919 se representaron en sus tablas <i>Rigoletto</i>, <i>Il Trovatore</i>, <i>Un ballo in maschera</i>, <i>Aida</i> y <i>Otello</i> con las llamadas Gran Compañía de Ópera italiana o tan solo de Ópera italiana o las numerosas compañías de empresarios españoles que acudían al Principal con regularidad.<br />
<br />
<i>Aida</i> fue representada todos los años entre 1909 y 1914, <i>Trovatore</i> en 1910, 1912 y 1914; <i>Otello</i> en 1909 y 1910; <i>Rigoletto</i> en 1910 –en castellano- y en 1912, 1914, 1915, 1917 y 1918; <i>Ernani</i> en 1912 y 1916.<br />
<br />
Más importante fue la actuación en mayo de 1926 de una Compañía de Ópera que contaba con la figura estelar de Hipólito Lázaro. <i>La Traviata</i> y <i>Aida</i> estuvieron en cartel en mayo de ese año, siendo Radamés el genial Lázaro. Al año siguiente, sería la Compañía de Mercedes Capsir quien pondría el título de <i>Rigoletto</i>, al igual que la de Ofelia Nieto, también en 1927.<br />
<br />
No hay que olvidar, por su repercusión artística, al Teatro Circo, que fue el escenario donde cantó Miguel Fleta entre mayo y junio de 1925. <i>Aida</i> fue puesta en escena el 31 de mayo por el tenor aragonés, pero por sus tablas se representaron otras Aidas junto a Rigolettos, Trovadores y Otellos.<br />
<br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/Rn08-QGhFus" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Il Trovatore (fragmentos). F. Bordoni, M. Caballé B. Martí. Teatro Principal de Zaragoza, 1973</font></div><br />
En los años de la postguerra, la soprano María Espinalt cantó <i>La Traviata</i> –diciembre de 1940- y al año siguiente se interpretaban nuevamente <i>Rigoletto</i> y <i>Aida</i>. <i>Traviata</i> y <i>Rigoletto</i> en 1942, <i>Aida</i> en 1943 y 1946, donde actuó con la Compañía Ercole Casari, el afamado Gigli en el rol de Radamés. <i>Rigoletto</i> en 1944 y en 1946; <i>La Traviata</i> nuevamente en 1949.<br />
<br />
En la década de los cincuenta Tito Schipa protagonizó un recital donde cantó entre otras arias algunas de <i>Rigoletto</i>. Y habrá que esperar a la Temporada Oficial del Ayuntamiento de Zaragoza para seguir disfrutando de los títulos verdianos: <i>La Traviata</i> en 1962 con Ana María Olaria en el rol titular; <i>Rigoletto</i> y <i>Trovatore</i> en 1967; al año siguiente <i>Aida</i> y <i>Traviata</i>; en 1969 <i>Rigoletto</i>, que supuso el debut de María Fleta. El año 1972 aportó <i>Un ballo in maschera</i>, <i>Aida</i> y <i>Trovatore</i> fueron representados en 1973. Los últimos cinco años de las temporadas fueron para <i>Rigoletto</i> en 1974, nuevamente <i>La Traviata</i> en 1975, <i>Aida</i> en 1976 y el año de 1977 fue para <i>Don Carlo</i> y <i>Luisa Miller</i>.<br />
<br />
Las voces que cantaron los títulos verdianos, además de las citadas sopranos fueron, entre otras, Monserrat Caballé, Bernabé Martí, Vicente Sardinero, Juan Pons, Mirna Lacambra, Pedro Lavirgen, Manuel Ausensi, Jaime Aragall, José Carreras, María Aguerri, Ángeles Gulín, Luis Lima, Antonio Borrás, Julio Catania entre los artistas españoles y Aldo Protti, Anna Novelli, Flaviano Labó, Bianca Berini, Marco Stecchi, Gianfranco Casarini, Peter Glossop, Janet Coster, Leonida Bergamonti, Michele Vilma, Ana Maccianti, Mª Luisa Cioni, Eduardo Cittanti, Luciano Saldari, entre los extranjeros.</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Sergio Castillo">Sergio Castillo</a> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-15881558111196353322013-12-20T18:19:00.000+01:002014-01-21T23:04:16.925+01:00Ópera y Navidad: Werther<div align="justify">Llegamos a fechas señaladas con las que la ópera guarda también una relación especial. "<i>Noël! Noël! Noël! Jésus vient de naître, Voici notre divin maître..</i>", cantan los niños ya a en la primera escena. Estamos todavía en julio y los niños han comenzado a ensayar ya sus cánticos navideños. Un hermosísimo dúo entre Werther y Charlotte, preñado de melancolía, resume su encuentro y su forzosa distancia:</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="236" src="//www.youtube.com/embed/JbJwCHBPpeQ?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">En el acto segundo, tres meses más tarde y con Charlotte ya desposada con Albert, aquella vuelve a encontrarse con Werther. Ambos, conteniendo sus sentimientos, se despiden confiando en volverse a ver para Navidad: "<i>Vous reviendrez...bientôt... tenez... à la Noël!</i>".</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/0-cUxkUwzeM?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">El acto tercero nos sitúa de lleno en Nochebuena. Charlotte está en su casa leyendo de nuevo las cartas de Werther, interrogándose por el poeta, por su destino e incapaz de explicarse cómo pudo dejarle escapar:</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="236" src="//www.youtube.com/embed/gDYQuwRW9Z4?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">Werther aparece entonces en escena, súbitamente, y lee para Charlotte una de sus poesías. Es el momento del conocido "<i>Pourquoi me réveiller</i>"</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/9qt9vyqrVqo?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">El cuarto acto comienza con una música terrible, que presagia un desenlace funesto. Massenet expone aquí una introducción orquestal de gran intensidad para meternos de lleno en esa noche de nieve agitada y angustiados sentimientos </div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="236" src="//www.youtube.com/embed/Y87CYOofMwQ?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">Charlotte sale en busca de Werther pero llega demasiado tarde y le encuentra ya moribundo. Ella le confiesa su amor y él le pide perdón. A lo lejos escuchamos de nuevo el fatídico "<i>Noël! Noël! Noël!</i>" del primer acto. Werther fallece en los brazos de Charlotte mientras los niños entonan un villancico:</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="236" src="//www.youtube.com/embed/XCt11ApkkGk?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="236" src="//www.youtube.com/embed/RVb4tyuHVPY?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">Una Nochebuena teñida de negro, sin duda, triste y tremebunda, pero retratada por Massenet de un modo fascinante y hermoso.</div><br />
<hr width=50% align="center"><br />
<div align="justify">Queremos cerrar esta última entrada del año en el blog con un pequeño regalo en formato de primicia. Durante los últimos meses hemos estado trabajando en nuestra segunda producción de una ópera escenificada. Pronto os daremos todos los detalles, pero queríamos despedir 2013 compartiendo con vosotros una grata noticia: por fin, Carlos Chausson debutará en el Teatro Principal de Zaragoza el próximo 29 de abril de mano de la Asociación Aragonesa de la Ópera. <br />
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¡Feliz Navidad a todos!</div><br />
<div align="right">Junta Directiva<br />
Asociación Aragonesa de la Ópera</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-10407775775976547632013-12-04T07:00:00.000+01:002013-12-04T07:00:01.856+01:00Elvira de Hidalgo<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-5NtdOlidrS0/Up5V4Zt3AGI/AAAAAAAABaM/5XNwzjjg4Rc/s512/Elvira_de_Hidalgo_1.jpg" alt="Elvira de Hidalgo" height="400" /><br />
<font size=1>Elvira de Hidalgo</font></div><br />
<div align="justify">Tras el arte incomparable de Maria Callas, que el lunes hubiera cumplido 90 años, hay un pedacito de lírica aragonesa. O mucho más que un pedacito, si somos estrictos. Porque la maestra que dio forma a la voz dotadísima y singular de Callas, la maestra que forjó su técnica absoluta no fue sino una turolense, Elvira de Hidalgo. Nacida en Valderrobles en 1891, fue la maestra de Callas en Atenas entre 1938 y 1943. Pero había sido mucho más en el mundo de la lírica durante las décadas anteriores.<br />
<br />
Con sólo dieciséis años, tras estudiar en Barcelona con María Barrientos y en Milán con Melchor Vidal, debutó como Rosina de El barbero de Sevilla en el teatro San Carlo de Nápoles. A partir de entonces desarrolló una fulgurante y muy reconocida carrera como soprano de coloratura, especialista en papeles con escritura de agilidad como Gilda de Rigoletto, la Lucia de Donizetti o Elvira de I Puritani.</div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/YX8AiPsWwxI?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">Actuó en todos los grandes teatros, desde los primeros coliseos europeos de Milán, Londres, Viena, París, Roma, Madrid o Barcelona a los grandes templos americanos, como el Metropolitan de Nueva York o el Colón de Buenos Aires. Actuó junto a nombres que son ya historia de la ópera, como Tita Ruffo, Chaliapin, Stracciari, Fleta o Battistini. Podemos hacernos cargo de su fama si atendemos a que fue la soprano elegida para representar en 1916 a Rosina en la conmemoración en la Scala de los cien años de El barbero de Sevilla.<br />
<br />
Tras su retirada en 1936 se dedicó a la docencia, instalándose en Atenas hasta 1949. Después se mudó a Ankara y recaló finalmente en Milán, donde falleció en 1980, con casi noventa años de edad. Cuando nos referimos a los grandes nombres que Aragon dio a la ópera durante el siglo XX siempre reparamos en Fleta y Lorengar, pero convendría también reparar de vez en cuando en la notable trayectoria de Elvira de Hidalgo.</div><div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Alejandro Martínez">Alejandro Martínez</a> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-90900101457829532402013-11-27T08:00:00.000+01:002013-11-27T08:00:03.816+01:00Verdi y el trovador en la Alfajería<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-zyY87eV-FI8/UpTRK3-fUjI/AAAAAAAABZM/7U-QBHAhqU8/s576/la%2520foto%25202%2520Trovatore.JPG" alt="Verdi y el trovador en la Alfajería" width="400"/><br />
<font size=1>Foto: David Guirao</font></div><br />
<div align="justify">La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta ha querido continuar su celebración del bicentenario de Verdi con una publicación que se suma así al ciclo de conferencias sobre el compositor organizado en primavera y a la gala con sus coros y fragmentos orquestales del próximo 12 de diciembre, en el Teatro Principal.<br />
<br />
En esta ocasión, se trata de una guía didáctica en torno a Il Trovatore, uno de los títulos de la llamada 'trilogía popular', junto a La Traviata y Rigoletto. Varias escenas de esta ópera se desarrollan precisamente en Zaragoza, en el Palacio de la Aljafería. No en vano su torre más emblemática lleva el nombre de 'torre del trovador'.<br />
<br />
El objetivo de esta publicación es conjugar al mismo tiempo la figura de Verdi, el argumento de Il Trovatore y la riqueza patrimonial de la Aljafería, en un material ilustrado y de tono desenfadado al tiempo que instructivo, que contribuya así a acercar la ópera a un público más joven y familiar.<br />
<br />
La guía, que ha contado con el respaldo de las Cortes de Aragón para su edición, está ilustrada por el dibujante David Guirao y cuenta con textos de Carlos Millan, responsable de Gozarte.<br />
<br />
<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-7Dvem2X0e-M/UpTRKy67-II/AAAAAAAABZI/wpiw9_xDBOM/s512/la%2520foto%25201%2520trovatore.JPG" alt="Verdi y el trovador en la Alfajería" height="400" /><br />
<font size=1>Foto: David Guirao</font></div><br />
Esta publicación, que todos nuestros socios recibirán de forma gratuita, se distribuirá próximamente por varios canales, pero puede adquirirse de momento escribiendo a info@operaaragon.es</div><br />
<div align="right">Junta Directiva<br />
Asociación Aragonesa de la Ópera</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-9932632804461148462013-11-13T07:00:00.000+01:002013-11-13T07:00:00.755+01:00Carlos Chausson, un aragonés internacional<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-w4h0XRyf6IQ/UoJztNvc3NI/AAAAAAAABW0/x9zIf2CuBtg/s720/la%2520foto%25201.JPG" width="450", alt="Carlos Chausson" /><br />
<font size=1>Carlos Chausson</font></div><br />
<div align="justify">Estos días se desarrollan en Oviedo los ensayos para la puesta en escena de Don Pasquale, con el protagonismo del zaragozano Carlos Chausson. Seguramente Chausson sea el cantante español más internacional de cuantos tenemos en activo. Pocos atesoran una trayectoria tan dilatada, estable y exitosa como la suya, con presencia reiterada en los más renombrados teatros, desde el Covent Garden de Londres a la Ópera de París pasando por la Ópera de Zurich, y por supuesto, todos los teatros españoles. En el tramo final de su carrera, Carlos Chausson es la envidia de muchos de sus colegas más jóvenes, habida cuenta de la frescura y vitalidad de su instrumento, y a la vista de su genial desempeño en escena. Desde los tiempos de Pilar Lorengar, Aragón no había dado un cantante con semejante talento. Su trabajo es uno de los más apreciables de la lírica española de las últimas décadas y ya va siendo hora de que aquí, en su casa, en Zaragoza, en Aragón, nos hagamos cargo de su valía. Sirvan pues estas líneas como un minúsculo homenaje, testimonio del cariño y respeto que la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta guarda por la figura de Carlos Chausson.<br />
<br />
Pronto os anunciáremos la presencia de Carlos Chausson en nuestra agenda de actividades para el primer semestre de 2014.</div><br />
<div align="center"><img src="https://lh4.googleusercontent.com/-zejvB2-8vmg/UoJztT-8IrI/AAAAAAAABW4/XW4WK-SgII0/s512/la%2520foto%25202.JPG", height="450" alt="Carlos Chausson" /><br />
<font size=1>Cartel de <i>Don Pasquale</i> - Ópera de Oviedo</font></div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/k-gZjRIymZw" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Carlos Chausson en la III Gala de entrega de los Premios Líricos de Ópera de Oviedo</font><br />
</div><div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Alejandro Martínez">Alejandro Martínez</a> <br />
Presidente de la Asociación Aragonesa de la Ópera</div><br />
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-70413501980842109412013-11-06T07:00:00.000+01:002013-11-06T15:28:23.341+01:00Tertulia sobre Der Kaiser von Atlantis. Anotaciones<div align="center">
<img alt="Der Kaiser von Atlantis" img="" src="https://lh3.googleusercontent.com/-PSLBvcjLsQ0/Unlx9U-4hRI/AAAAAAAABVY/NdcwC6ASn_U/s500/assaigKaiser.jpg" /><br />
<span style="font-size: xx-small;">Imagen del ensayo general de <i>Der Kaiser von Atlantis</i> en el Teatro Principal de Zaragoza. Foto: José Miguel Marco</span></div>
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<div align="justify">
La tertulia del mes de octubre se dedicó a las reflexiones que había suscitado la puesta en escena de la primera producción de la Asociación, <i>Der Kaiser von Atlantis</i>. Tanto los socios como el público asistente manifestaron una común sensación: asistieron a un espectáculo duro, emocionante, pero muy bien resuelto. Unánime fue también la elogiosa valoración que hicieron de la Orquesta Reino de Aragón, del director Sánchez-Verdú y de las voces, destacando las de Marta Mathéu y Toni Marsol por su entrega y por sus respectivos momentos musicales de mayor lucimiento. Todos destacaron también la general entrega actoral del equipo de cantantes, destacando el logrado y difícil papel de Walter Castillo.<br />
<br />
Una de las asistentes a la tertulia manifestó su total implicación personal con la música y la puesta en escena de Martha Eguilior. Dijo haberse sentido incluso incómoda y tensa con algunos momentos de la dramaturgia; pero no como un demérito de la misma sino como un rasgo para destacar el gran impacto dramático de la propuesta. En este mismo sentido, se destacó en la tertulia el gran silencio que había en la sala durante toda la representación. Un silencio que daba cuenta de la gran implicación del público con lo que sucedía sobre el escenario.<br />
<br />
<div align="center">
<img alt="Der Kaiser von Atlantis" img="" src="https://lh6.googleusercontent.com/-lilKY9r33tA/Unlx9Uj79gI/AAAAAAAABVc/bw1-Miduqjk/s500/tertuliaKaiser.jpg" /></div>
<br />
<br />
También se suscitó una leve discusión sobre la austeridad de la escenografía, a cargo de Cristiana Baldetti. Varios socios indicaron que ese era precisamente un rasgo, buscado, de la puesta en escena, que intentaba recrear el último ensayo de <i>Der Kaiser von Atlantis</i> en Terezin. Sobre la dramaturgia y sus momentos de mayor impacto, por violencia explícita o contenido sexual, se comentó lo adecuado de su crudeza, aunque quizá prolongada en exceso, eclipsando en algún momento el protagonismo de la música.<br />
<br />
En líneas generales, y a modo de conclusión, se valoró muy elogiosamente el esfuerzo de la asociación con esta arriesgada y valiente propuesta, así como lo logrado, digno y profesional del resultado musical y escénico.</div>
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<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-74261501603196268422013-10-30T07:00:00.000+01:002013-10-30T09:00:27.506+01:00Algunas reflexiones en torno al mito de Don Juan<div align="center"><img src="https://lh4.googleusercontent.com/-guZ7gYAMAOE/Um2QJsL0j-I/AAAAAAAABUc/B3fGy8gtfuA/s500/don_giovanni_estrena.jpg" /img><br />
<font size=1>Cartel del estreno de Don Giovanni, el 29 de octubre de 1787 en Praga</font></div><br />
<div align="justify">En estas fechas de primeros de noviembre, existe la tradición de representar las obras que recogen el tema y el mito de Don Juan. ¿Por qué esto es así? La explicación hay que buscarla en el estreno del Don Juan Tenorio de José Zorrilla. Tuvo lugar el 28 de marzo de 1844 y fue un fracaso. Zorrilla vendió los derechos de la obra y no volvió a obtener ingreso alguno por ella. Por eso, en su madurez, no perdía ocasión de criticarla… Se volvió a poner en escena un 2 de noviembre, coincidiendo con el día de los Difuntos. Como en la segunda parte de la obra hay apariciones fantasmales, y muchas de sus escenas tienen lugar en el cementerio, tuvo una calurosa acogida y un rotundo éxito. Desde ese momento, se representa en España en torno al 1 y al 2 de noviembre, festividades de Todos los Santos y de los Difuntos. <br />
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<a href="http://www.operaaragon.es/images/documentos/O&L02_DON%20GIOVANNI.pdf" target="_blank">(leer más)</a></div><div align="right"><a href="http://operaaragonenpruebas.blogspot.com/search/label/Ana%20Alcolea">Ana Alcolea</a></div><br />
<div align="center"><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/l6zJvktf8Hc?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<font size=1>Madamina, il catalogo è questo (Don Giovanni, W.A. Mozart) - Luca Pisaroni</font></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-52847965510947501512013-10-16T00:10:00.000+02:002013-10-16T00:10:00.059+02:00¿Por qué Verdi?<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-9M9LrN8rdYk/Ul2b2Mj1CMI/AAAAAAAABTw/_WP0XlhvDss/s00-r/Giuseppe%2520Verdi.jpg" alt="Giuseppe Verdi" width=420 /img><br />
<font size=1>Giuseppe Verdi</font></div><br />
<div align="justify">No es difícil encontrar oyentes que aborrezcan el barroco, lo mismo que aficionados que busquen alejarse a toda costa del universo wagneriano. Idéntica situación nos encontramos con muchos otros compositores y repertorios, desde el belcanto a Britten pasando por Strauss. Pero hay, sin embargo, un par de compositores sobre los que reina el consenso y en torno a los que es difícil encontrar líneas de reproche o crítica. Me refiero a Mozart y a Verdi. Inmortales, universales, su música, por algún extraño motivo, es más eterna que las demás. Seguramente el secreto, que no es tal, estribe tanto en lo que nos comunican como en los medios que utilizan para ello. De hecho, en pocas partituras la forma y el fondo se funden de manera tan íntima como en las de Verdi y Mozart. Ambos nos hablan en un lenguaje atemporal, al mismo tiempo elevado y popular.<br />
<br />
Centrémonos en Verdi, de cuyo nacimiento se cumplía el pasado día 10 de octubre el bicentenario. Seguramente el tema central de su obra sea la libertad. Y como reverso de ese tema, la cuestión del amor, que al fin y al cabo no es sino una manifestación tan paradójica como plena de esa libertad. Don Carlo es, para quién escribe estas líneas, el resumen más acabado y perfecto de esa dualidad entre amor y libertad. Cualquiera de sus personajes ejemplifica perfectamente este conflicto.<br />
<br />
Pensemos en el gran papel de Felipe II, no sólo inquieto por las revueltas en Flandes, sino sobre todo "sgraziato genitor, sposo più triste ancor!". Se debate en cada escena entre sus pasiones privadas ("Ella giammai m'amo") y sus obligaciones públicas ("Nel posar sul mio capo la corona"). Su hijo Don Carlo es la manifestación más triste de esa impotencia que trae consigo a veces el amor. Sus dos grandes pasiones, Elisabetta y Flandes, se topan a cada paso con un muro. Elisabetta le es arrebatada nada más comenzar la ópera ('vi saluto, sposa a Filippo Re') y su querido Posa muere por él al acabar el tercer acto ("Io morrò, ma lieto il core"). Posa es precisamente el arquetipo máximo del amor y la libertad entendidas como una misma cosa. Seguramente sin su abnegada amistad por Don Carlos no entenderíamos su total dedicación a la causa de Flandes.<br />
<br />
Finalmente nos encontramos con Elisabetta, el personaje más acabado de esta partitura verdiana. "Io son straniera in questo suolo", nos dice en el tercer acto. No hay mejor resumen para su desgracia. Ella es la víctima colateral y continuada de amores diversos que no se resuelven como debieran: el de Don Carlo por ella ("Tal nome no, ma quel d'altra volta"), el de ella hacía Felipe ("adultera consorte") y los amores de Éboli, bien hacia el monarca ("l'error che v'imputai io stessa avea comesso"), bien hacia Don Carlo ("voi la regina amate!") Al final se ve tan privada de amor como de libertad y sólo le queda aliento para pedir piedad ("se ancor si piange in cielo").<br />
<br />
Éboli es un personaje extraño en esta encrucijada. Un tanto oscuro en su seducción, un tanto a contracorriente de lo expuesto aquí, a primera vista. Y sin embargo, lo cierto es que su conflicto es también el del amor/libertad. Es ya tarde cuando se da cuenta de que lo ha perdido todo ("un di mi resta"), renegando incluso de su belleza ("Oh, don fatale"). Para entonces ha perdido ya a su reina ("oh, mia regina") y a Don Carlo ("lo salveró!"). No ha sabido amar.<br />
<br />
Todos caen entonces bajo esta misma encrucijada, en una ópera que tiene como telón de fondo la implacable represión de una Iglesia entonces cruenta, tan bien encarnada por el Gran Inquisidor. Incluso Felipe II se siente obligado a ceder ante las voluntades de la Iglesia ("dunque il trono piegar dovra sempre al'altare"). Una libertad coartada que en última instancia no es otra cosa que un amor no resuelto, negado y yermo. Verdi inmortalizó con este fresco histórico la universalidad de unas pasiones que, a cualquier escala, determinan nuestras vidas hoy, igual que lo hicieran en tiempo de Felipe II. Por eso Verdi, como Mozart, es universal, atemporal y único.<br />
<br />
¡Viva Verdi!</div><div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Alejandro Martínez">Alejandro Martínez</a></div><br />
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<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/AjyhNQt1078?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen><br />
</iframe><br />
<font size=1>Ella giammai m'amo - Jose van Dam</font></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-4143309036710019792013-10-09T07:00:00.000+02:002013-10-09T08:44:10.490+02:00Algunas reflexiones en torno al mito de Fausto<div align="justify"><i>Esta entrada es el resumen del artículo "Algunas reflexiones en torno al mito de Fausto" de Ana Alcolea, que se puede leer completo <a href="http://www.operaaragon.es/images/documentos/O&L01_FAUSTO.pdf" target="_blank"><b>aquí</b></a></i>.</div><br />
<div style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Faust im Studierzimmer-Georg Friedrich Kersting" height="400" img="" src="https://lh3.googleusercontent.com/-WQlayuO34jA/UlB6yjBwr7I/AAAAAAAABSc/2IxTnx8syWQ/s500/Faust_im_Studierzimmer-Kersting.jpg" /><br />
<span style="font-size: xx-small;">Faust en su estudio - G. F. Kersting</span></div><div align="justify">Los mitos pretenden explicar lo inexplicable. Donde la razón no llega, llega el mito. La literatura está llena de personajes que encarnan aspectos míticos, a veces tan escondidos que no los reconocemos. Fausto es un viejo estudioso que vende su alma al diablo a cambio del conocimiento que le ha sido negado durante años. Siglos después de la existencia de un cierto doctor Faust, el poeta alemán Johann W. Goethe escribió su FAUSTO, que se publicó entre 1790 y 1833. Goethe la escribió durante prácticamente cuarenta años. La obra de una vida.<br />
<br />
Y de eso habla Fausto, de una vida. O por mejor decir, de la VIDA con mayúsculas. Pues Fausto no es solo el viejo profesor que quiere volver a la juventud para disfrutar de la diversión y de las mujeres hermosas. No. Fausto somos todos nosotros. Fausto es el ser humano que se pregunta al final de su vida qué ha hecho con ella. Fausto quiere volver a vivir para arañar cada segundo de su vida y conocer lo que le ha sido vedado. Para amar. Quiere que su vida sea algo extraordinario. Como don Quijote. Mefistófeles estará al servicio de Fausto mientras dure su vida en la tierra. Los papeles se cambiarán cuando Fausto descienda al infierno en el momento en el que pida que un momento dulce y maravilloso se detenga. Ese es el trato pero en realidad, Fausto estará siempre manipulado por Mefistófeles. Y todo ocurrirá durante un VIAJE.<br />
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El viaje es, en la literatura, un símbolo del aprendizaje, del conocimiento, del mundo y de uno mismo: el protagonista conoce partes de él hasta ahora desconocidas, como su capacidad de amar y de matar. El viaje también es una peregrinación hacia el paraíso perdido. Se trata de un viaje circular, que empieza en la pérdida edénica, para volver a la vida eterna, en una suerte de muerte y resurrección. Pues bien, recordemos que la acción de Fausto tiene lugar en Pascua. Empieza y termina en una apoteosis cristiana de la Pascua de Resurrección, en la que Fausto, en la obra de Goethe, asistido por Margarita, asciende a los cielos. <br />
<br />
En la obra hay una presencia evidente del cristianismo, potenciada por la figura del personaje femenino. En Margarita se funden los dos arquetipos de mujer que aparecen en La Biblia y en la mitología griega: la mujer tentadora, que lleva al hombre a la perdición, y la mujer salvadora, la <i>donna angelicata</i> del Renacimiento, que salva al hombre y lo conduce a la perfección. La deshonra de Margarita provoca la muerte de su hermano Valentín. Y será el amor por ella el que salvará del infierno a Fausto. <br />
<br />
En Gounod, el personaje de Margarita mantiene su carácter puro y angelical, aunque en su locura se ve abocada al parricidio. En Goethe, las gotas para dormir que Mefistófeles le da para que su madre no se entere de sus encuentros con Fausto, acaban con la vida de la anciana. Este aspecto no aparece en Gounod. En la ópera, la madre ya está muerta y sí se habla de que Margarita ha tenido un hijo al que ha matado.</div><br />
<div align="center"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/tDhPpupVfzs?rel=0" width="560"></iframe><br />
<span style="font-size: xx-small;">Quel trouble... Salut! demeure chaste et pure - <a href="http://operaaragonenpruebas.blogspot.com/search/label/Roberto%20Alagna">Roberto Alagna</a></span></div><br />
<div align="justify">Margarite es una joven inocente que se deja seducir por las joyas y por las palabras de Fausto, siempre bajo el manejo de Mefistófeles. A partir del hallazgo del joyero y de mirarse en el espejo, Margarita dejará de ser inocente y pura. Y su acción conllevará la muerte de toda su familia: de Valentín, de su hijo y la suya propia. Asimismo, su casa dejará también de ser ese “demeure chaste et pure” del aria del tenor para pasar a ser un lugar de placer. El amor de Fausto y su arrepentimiento salvará a Margarita del infierno, y será llevada al cielo por un coro de ángeles en Pascua. <br />
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La ópera de Gounod no recoge nada de la segunda parte del Fausto de Goethe, es ambigua respecto a la suerte del protagonista, y termina con la apoteosis de la salvación de Margarita. </div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragonenpruebas.blogspot.com/search/label/Ana%20Alcolea">Ana Alcolea</a></div><br />
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-70263653172726015192013-10-02T07:00:00.000+02:002013-10-02T07:00:00.401+02:00Gracias<div align="center"><img src="https://lh5.googleusercontent.com/-UxeniOdxbFU/UkrsBOLWFFI/AAAAAAAABQ4/ZOFd9e5_TxI/s00-r/derkaiservonatlantis.jpg" alt="Der Kaiser von Atlantis - Opera Aragon" /></div><br />
<div align="justify">Lo hemos conseguido. El reto era difícil, pero vuestra generosidad ha superado todas nuestras expectativas. Ayer fue un día grande para nuestra asociación. Y es que los ensayos de nuestra producción de Der Kaiser von Atlantis comenzaban al tiempo que lográbamos los 5.000€ buscados a través de la campaña de micromecenazgo. </div><br />
<div align="center"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-k4H4SGIpahM/UktA5El7pSI/AAAAAAAABRo/SaqBWNOu0u4/s490/verkami.jpg" width=400 alt="Der Kaiser von Atlantis - Verkami" /></div><br />
<div align="justify">Estamos ilusionados, emocionados, agradecidos. Nuestra apuesta por la ópera en Aragón está llena de pasión y valentía, y contar con vuestro generoso respaldo no hace sino reafirmarnos en la viabilidad y sentido de nuestro proyecto. Por todo ello, gracias, una y mil veces. Nos vemos todos el día 24 de octubre en el Teatro Principal de Zaragoza.</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Alejandro Martínez">Alejandro Martínez</a> <br />
Presidente de la Asociación Aragonesa de la Ópera</div><br />
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-32258047144185488532013-09-27T17:19:00.000+02:002013-09-27T17:19:34.929+02:00Últimos días campaña mecenazgoEstimados amigos, os comunicamos que tan sólo quedan 5 días de plazo para concluir nuestra campaña de mecenazgo para completar la financiación de nuestra producción de la ópera <i>Der Kaiser von Atlantis</i> de Viktor Ullmann.<br />
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<div align="center"><iframe allowtransparency="true" frameborder="0" height="265" scrolling="no" src="http://www.verkami.com/projects/6041-representacion-de-el-emperador-de-la-atlantida-opera-de-viktor-ullmann/widget_landscape" width="586">No iframes supported</iframe></div><br />
A quienes todavía no hayáis encontrado un momento para formalizar vuestra aportación, os animamos a hacerlo ahora. No hay tiempo que perder. Con una aportación simbólica, siquiera 15€, estaréis haciendo mucho por el futuro de la ópera en Aragón. Toda la difusión que podáis darle a la campaña será bienvenida. Si no alcanzamos esos 5.000€ que buscamos de nada servirá todo este esfuerzo colectivo. Nos quedan todavía algo más de 2.000€. Vamos, seguro que entre todos podemos lograrlo.<br />
<br />
Agradecemos de antemano vuestra generosidad y sensibilidad hacia este proyecto.<br />
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<div align="right">Junta Directiva<br />
Asociación Aragonesa de la Ópera</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-39545543703590465942013-09-25T07:00:00.000+02:002013-09-25T07:00:06.719+02:00Tertulias Líricas - Septiembre<div align="center"><img src="https://lh4.googleusercontent.com/-ZFbIxg5evio/UkCfWedKxuI/AAAAAAAABPA/LgShfu7rZ9k/s00-r/la%2520foto.PNG" width="500"></div><br />
<div align="justify">Con el inicio del curso retomamos nuestras actividades periódicas, entre ellas nuestras habituales tertulias mensuales. Son una ocasión perfecta para poner cara a otros socios, compartir impresiones de viva voz con ellos y conocer más de cerca nuestra asociación por dentro. Se celebran siempre en el Salón de Actos de la Fundación Casa de Ganaderos, en el número 8 de la calle San Andres de Zaragoza.<br />
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La tertulia de septiembre tendrá lugar hoy, miércoles 25, a las 19 horas, y está dedicada a compartir con vosotros la programación que tenemos prevista para este otoño en Zaragoza, con un amplio despliegue de actividades. Encontraréis más información sobre nuestras tertulias y sus próximas fechas en la Agenda de nuestra web <a href="www.operaaragon.es">www.operaaragon.es</a></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-84898143171742801522013-09-23T07:00:00.000+02:002013-09-23T22:13:15.455+02:00Il était temps<div align="justify">Hace apenas un par de días llegaba a nosotros un material sonoro francamente interesante: una grabación con fragmentos de una representación de <i>Il Trovatore de 1973</i> en el Teatro Principal de Zaragoza, con la gran Montserrat Caballé y su esposo, el tenor aragonés Bernabé Martí. Podéis escucharlo aquí: </div><br />
<div align="center"><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/Rn08-QGhFus" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div><br />
<div align="justify">Es un ejemplo paradigmático del esplendor lírico que puntualmente vivió Zaragoza a lo largo del siglo XX. Un esplendor con matices, todo hay que decirlo, ya que ni la escena ni el foso eran singularmente reseñables en estas representaciones, pero qué duda cabe del primer nivel vocal que pisó las tablas del Principal allá por los años sesenta y setenta: Martí, Caballé, Kraus, Aragall, Domingo, Carreras, Pons... Ese pasado de nostálgica memoria merece una reflexión al hilo del proyecto que nuestra asociación tiene hoy entre manos.<br />
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En no pocas ocasiones se ha levantado una exagerada polvareda cuando nos hemos manifestado contrarios a las representaciones operísticas que se dan en nuestra ciudad, bien fueran las promovidas por el Auditorio de Zaragoza, bien fuera el caso de las que visitan el Principal de la mano de compañías itinerantes de bajo coste. En el primer caso no nos encaja el uso de una infraestructura sin foso ni caja para representaciones operísticas, amen de que la Sala Mozart, de espléndido sonido para el repertorio sinfónico, es un espacio muy poco agradecido para las voces, que se dispersan, pierden proyección e incluso hacen eco aquí y allá, como ha podido comprobarse, un año más, en el Concurso de Canto de M. Caballé. En el caso del Teatro Principal, creemos que ese tipo de compañías itinerantes cubren desde luego un hueco y se consolidan como la única opción ante la nada, al menos hasta que podamos ofrecer una alternativa sostenible a sus propuestas. Pero a todas luces ofrecen un espectáculo generalmente muy mejorable en lo musical como en lo escénico, por más que puntualmente alguna voz española de interés recale en sus giras. Zaragoza se merece algo mejor; ese el único mensaje que reiteramos, le pese a quien le pese.<br />
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Más concretamente, lo que defendemos, y por lo que trabajamos, es la necesidad de dotar de contenido lírico al Teatro Principal de Zaragoza, donde tanta ópera y tanta zarzuela de calidad se escenificó durante el siglo XX. Es el único espacio con una acústica ideal para las voces en la ciudad. Ni su caja ni su foso son todo lo amplios que quisiéramos, pero dan mucho más juego de lo que muchos suponen. En el Principal no podremos representar <i>Tannhäuser</i> salvo que encontremos una fórmula originalísima para hacerlo, pero sí nos cabe en sus tablas un enorme repertorio desde Monteverdi a Britten, pasando por todo el barroco, todo el belcanto, multitud de obras de Verdi y un sinfín de títulos de ópera contemporánea. Simplemente se trata de ajustar las propuestas al espacio y a sus posibilidades, sin que por el camino debamos renunciar a un ápice de exigencia por cuanto hace a la calidad de las representaciones.</div><br />
<div align="center"><img src="http://lh4.googleusercontent.com/-psKFNQHpPGg/Uj9QGhWSNaI/AAAAAAAABOo/w_xZdnmlMec/s00-r/palcosyartesonado.jpg" width=420 /img><br />
<font size=1>Teatro Principal de Zaragoza. Fuente: www.teatroprincipalzaragoza.com</font></div><br />
<div align="justify">Esa es la única infraestructura donde cabe escenificar ópera en Zaragoza con garantías de calidad. De nada sirve ya lamentarse por el funesto y patético destino del Teatro Fleta, que seguramente nunca hubiera sido una infraestructura de dimensiones suficientes como para constituirse en el ansiado teatro de ópera que nunca tuvo la ciudad. De nada sirve lamentarse, pues, aunque ello no quita para que algún día alguien explique a quién interesó edificar el Palacio de Congresos de la Expo como una nueva sala para congresos, sin foso y sin apenas funcionalidad escénica, habida cuenta de las condiciones de su caja. Se cometió con ello el enésimo error de planificación en materia de infraestructuras escénicas en la ciudad, responsabilidad compartida de Gobierno de Aragón y Ayuntamiento de Zaragoza. <br />
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Con demasiada frecuencia se confunden en esta ciudad la política de festejos con la política cultural y se apuesta (y se gasta) demasiado dinero en ideas que apenas son flor de un día prescindiendo de proyectos a largo plazo. Mientras tanto nos faltan tantas cosas... Entre ellas una orquesta sinfónica de la comunidad, que tanto bien haría. Pero seamos realistas y no caigamos en el lamento: es lo que hay; y no podemos cambiar de repente lo que lleva décadas anquilosado. Cabe afanarse, al menos, en hacer lo posible para que unos y otros no estorben ni torpedeen nuestros esfuerzos, que no es poco.<br />
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Sea como fuere, lo cierto es que a la vuelta de la esquina tenemos ya nuestra primera producción propia de un título operístico escenificado, con <i>Der Kaiser von Atlantis</i> de Viktor Ullmann. Es sin duda un gran reto, que asumimos con idénticas cotas de ilusión, valentía y responsabilidad. Y un reto que no sería posible sin la generosidad de mucha gente ilusionada con el proyecto y consciente de su importancia, muy al contrario de las instituciones públicas (Ayuntamiento, Gobierno de Aragón) y privadas (bancos, tejido empresarial, etc) que han optado por ignorarlo. Además en el futuro se dibujan ya más proyectos. Si todo va bien, <i>Der Kaiser von Atlantis</i> será sólo la primera pieza en una trayectoria a medio y largo plazo con la que queremos consolidar una programación lírica estable y de calidad en Zaragoza. Poco a poco, con prudencia pero con paso firme. Ese es el motivo principal por el que constituimos esta asociación y sigue siendo el motivo que nos anima cuatro años después. <br />
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Como decimos a menudo: seguimos trabajando por el futuro de la ópera y la zarzuela en Aragón, especialmente en Zaragoza, y estamos decididos a cambiarlo más pronto que tarde. Escuchando ese <i>Trovatore</i> del 73 uno podría caer en una peligrosa y narcotizante nostalgia, pensando que nunca los grandes nombres de la lírica volverán a pisar el Principal como lo hicieron antaño. No nos durmamos en nostalgias. Trabajemos por cambiar la realidad sacando partido a sus limitaciones. Nadie lo va a hacer por nosotros.</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Alejandro Martínez">Alejandro Martínez</a> <br />
Presidente de la Asociación Aragonesa de la Ópera</div>Unknownnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-76466380739680758172013-09-17T19:55:00.000+02:002013-09-17T21:29:29.738+02:00Oferta para socios en el Cine Cervantes<div align="center"><img onclick="javascript:this.width=458;this.height=650" ondblclick="javascript:this.width=282;this.height=400" src="https://lh6.googleusercontent.com/-OVW0urts9lE/UjiSEdMs8rI/AAAAAAAABN8/JQcE-6uHstk/s00-r/ProgramacionOperaCervantes.jpg" height="400"/><br />
<font size=1>Clic para ampliar, doble clic para reducir</font></div><br />
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<div align="justify">La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta ha llegado a un acuerdo con el <b>Cine Cervantes</b> de Zaragoza para que nuestros socios puedan disponer de un descuento en las entradas y abonos para su nueva temporada de retransmisiones de ópera en directo desde la Royal Opera House Covent Garden de Londres.<br />
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Así, nuetros socios, presentando su carné en taquillas, podrán adquirir las <b>entradas sueltas a un precio de 15 €</b>, y un <b>abono de 5 títulos (a escoger entre toda la programación) por sólo 65 €</b> (a tan sólo 13 € cada evento, por tanto).<br />
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En la imagen sobre este texto (que se amplia al clicar encima) encontraréis la programación detallada con todos sus títulos desde octubre a diciembre, entre los que puede escogerse ese abono de 5 localidades Desde enero a junio se desarrollará otra programación en continuidad con ésta y para la que también confiamos en poder facilitaros condiciones ventajosas.</div><br />
<div align="right">Junta Directiva<br />
Asociación Aragonesa de la Ópera</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-25248408622455600622013-09-16T07:00:00.000+02:002013-09-17T19:57:27.574+02:00Presentación de la temporada 2013-2014<div align="justify">Bienvenidos de nuevo.<br />
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Renovamos web, retomamos el blog y comenzamos un otoño lleno de actividades en Zaragoza. La Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta saluda a la temporada 13/14 con un agenda plena de novedades. Y la primera de ellas no es otra que una renovación de cara, con una web nueva y puesta al día; clicando sobre la siguiente imagen podéis acceder directamente a ella:<br />
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<div align="center"><a href="http://operaaragon.es/"><img src="https://lh4.googleusercontent.com/-U1rL19bge5g/UjYEp7BiisI/AAAAAAAABNI/nsYobCnol6o/s620/logo_F2.png" width="550"></a></div><br />
También hemos actualizado este blog, que poco a poco os presentaremos como un espacio abierto a la expresión de nuestros socios y amigos.<br />
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Este otoño son dos los grandes bloques de nuestra actividad. Por un lado, nuestra primera producción operística con <i>"Der Kaiser von Atlantis"</i>, el 24 de octubre en el Teatro Principal de Zaragoza, en el marco de unas Jornadas sobre Música y Holocausto. Es un proyecto ilusionante, tan valiente como arriesgado, y que intentamos hacer posible además a través de una campaña de micromecenazgo; aquí tenéis detallada la información de este proyecto:<br />
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<div align="center"><iframe allowtransparency="true" frameborder="0" height="265" scrolling="no" src="http://www.verkami.com/projects/6041-representacion-de-el-emperador-de-la-atlantida-opera-de-viktor-ullmann/widget_landscape" width="586">No iframes supported</iframe></div><br />
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Por otro lado, el 10 de octubre de 2013 se cumplirá el bicentenario del nacimiento de Verdi, y no podíamos dejar pasar este otoño sin homenajearle como merece. Hasta tres son las novedades relacionadas con este aniversario:<br />
<ul><li> En primer lugar la exposición sobre Verdi, en colaboración con Gozarte, ya inaugurada en el centro comercial Aragonia, y que podréis visitar hasta el 30 de octubre. <br />
<li> En segundo lugar, una guía didáctica sobre Il Trovatore, Verdi y la Aljafería, de nuevo en colaboración con Gozarte, con ilustraciones de David Guirao, que verá la luz en octubre. <br />
<li> Y por último, una gran gala de homenaje a Verdi, con sus mejores coros y fragmentos orquestales, el 12 de diciembre en el Teatro Principal de Zaragoza, con la Orquesta Reino de Aragón y los coros EASO y "Premier Ensemble" de AGAO, bajo la dirección de Ricardo Casero.<br />
</ul><br>
<div align="center"><img src="https://lh6.googleusercontent.com/-2mSdpwcLg2A/UjYGOfEiFzI/AAAAAAAABNY/-EaCW94Z2C8/s912/verdicoros.jpg" width="550" /img></div><br>
Como veis, seguimos trabajando por el futuro de la ópera en Aragón. Gracias una vez más por estar ahí; sin vosotros este proyecto no sería posible.</div><br>
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Alejandro Martínez">Alejandro Martínez</a> <br> Presidente de la Asociación Aragonesa de la Ópera</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-36492973546168654192013-03-28T10:52:00.000+01:002013-10-05T23:11:35.930+02:00Crónicas. Marina<div align="justify">El Teatro de la Zarzuela estrenaba hace unas semanas sus representaciones de la ópera <i><a href="http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/temporada/temporada-lirica/marina">Marina</a></i>, que proseguirán durante todo el mes de abril. <i>Marina</i>, una ópera que no subía a los escenarios madrileños desde que se repusiera con la presencia de Alfredo Kraus, en el papel principal, hace décadas. Veintiseís funciones durante los meses de marzo y abril con tres repartos que se alternan. La presente crónica coincide con la función del domingo 17 de marzo. Los protagonistas, Celso Albelo y Mariola Cantarero en los papeles de Jorge y Marina, acompañados por Rubén Amoretti y Ángel Ódena en los roles de Pascual y Roque. La dirección musical de Cristóbal Soler y la dirección artística de Ignacio García.<br />
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La dirección artística desarrolla la ópera en las playas de Lloret, donde la orilla del mar enmarca, en el primer y tercer acto, los amores ocultos de Jorge y Marina. Así, destaca por un segundo acto brillante, con la panza de un barco en construcción. En general, una puesta en escena no luminosa, y por ello más creíble, alejada del sol del Mediterráneo. Una escenografía también cercana a unos marineros reales que huyen de puestas donde Jorge parecía sacado de <st1:personname productid="la Butterfly" w:st="on">la Butterfly</st1:personname> pucciniana y nos mostraban a una irreal Marina vestida de gala. No en vano, el director de escena planta en los bajos de la casa de Marina un burdel al que acuden los marineros.</div><br />
<img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBQuK6h1pBXyl4U6aQ7zJ1c9YfO3Oo93jMd0tTSqVVyQ7SczHHYw6O9Ytmo-LlEOzbiUrwt4wnH8X4P_9imP-7I2zxAa8NnieHa_w-M-ZJyZBAk72ZPksKXkf05rEPW-TTrTi1maBQMfjb/s1600/FMI2741-380x240.jpg" height=252 /img><br />
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<div align="justify">En términos vocales, destacó un Ceso Albelo radiante, protagonista indiscutible de la velada. Estuvo espléndido, el mejor con gran diferencia. Con un aire krausiano en su musicalidad. Cantó con gusto, perfecta dicción, buenos agudos y línea de canto. También Cantarero estuvo muy bien, aunque no a tanta altura, tardando algo en calentar al principio, pero destacando después por su perfecta línea belcantista. El registro sobreagudo ha perdido algo de brillo. Aun así, su aria final estuvo casi perfecta aunque creemos que recortó algún agudo. Amoretti gustó especialmente por su timbre, a diferencia de Ódena, que compuso un Roque demasiado vasto y rudo. Exagerado en su papel y con un canto forzado en la franja más alta, lo que quitaba prestancia a su canto. La orquesta sonó bien, matizada, pero a veces los metales destacaron por encima de sus compañeros de foso. El coro se mostró bien ensamblado, sobre todo el masculino.<br />
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<i>Marina</i> fue estrenada como zarzuela en 1855 y como ópera en el Teatro Real de Madrid en 1871. En esta edición estrenada en la Zarzuela se han incorporado un dúo entre Marina y Roque –prescindible argumentalmente- y una interesante sardana.</div><br />
<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Sergio%20Castillo">Sergio Castillo</a></div><br />
<div align="justify"><font size=1><b>Ficha técnica</b><br />
Marina (E. Arrieta)<br />
Teatro de la Zarzuela (Madrid), 17 de marzo de 2013 <br />
Dirección musical: <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Cristobal%20Soler">Cristóbal Soler</a><br />
Dirección artística: <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Ignacio%20Garc%C3%ADa">Ignacio García</a><br />
Intérpretes: <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Celso%20Albelo">Celso Albelo</a>, <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Mariola%20Cantarero">Mariola Cantarero</a>, <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Rub%C3%A9n%20Amoretti">Rubén Amoretti</a> y <a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/%C3%81ngel%20%C3%93dena">Ángel Ódena</a><br />
</font></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6432693037319591375.post-66266386761778078482013-03-21T11:54:00.000+01:002013-10-05T23:09:43.010+02:00Libros. Zarzuela en Salamanca a comienzos del siglo XX<div align="center"><img src="http://www.intranet.upsa.es/imagenes_publicaciones/OFC203.jpg width="228" /img><br />
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<div align="justify">Los teatros salmantinos del Liceo, Tomás Bretón y el Salón Moderno junto a la orquesta local de la ciudad, son los escenarios donde durante la primera década del siglo XX, actuaron compañías de ópera, zarzuela y de otros géneros líricos.<br />
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El autor recoge minuciosamente, tras consultar los archivos Municipal, Provincial, de Nobles y BB.AA. de san Eloy, Biblioteca General Universitaria -todos de Salamanca- más la Biblioteca Nacional, las producciones, los títulos, los cantantes de las compañías que de gira hacia Portugal o a Valladolid hacían una parada de sus tournés. La prensa local recoge asimismo y, se convierte también en eco del acontecer lírico, con minuciosos detalles, la vida lírica de la ciudad del Tormes.<br />
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El índice del libro recoge la importancia de los tres teatros, señala pormenorizadamente la relación de compañías, sus componentes, repertorio, estrenos y críticas por orden cronológico, desde 1900 hasta 1910.<br />
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Una monografía que viene a completar la escasa bibliografía de la lírica española más allá de Madrid o de Barcelona.<br />
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<div align="right"><a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/Sergio%20Castillo">Sergio Castillo</a></div><br />
<div align="justify"><font size=1><br />
<b>Fitxa tècnica</b><br />
Compañías de zarzuela y teatro lírico en Salamanca a comienzos del siglo XX<br />
<a href="http://operaaragon.blogspot.com/search/label/%C3%81lvarez%20Garc%C3%ADa">Francisco José Álvarez García</a><br />
Universidad Pontificia de Salamanca<br />
</font></div>Unknownnoreply@blogger.com1